音乐创作论文第1篇

艺术歌曲是一种特殊的音乐体裁。在德国，由舒曼、舒伯特等知名作曲家创作的歌曲称之为Lied；在法国，与之相同的创作歌曲则称之为Melodie；而在中国我们将其译为“艺术歌曲”。“Lied”原本的意思是“这种微妙的艺术用不同于歌剧的方法，令人领悟到歌词中戏剧性的内容”。与“Lied”意思相近的“Kunstlied”指的是：“不同于民歌的歌曲”。因此，艺术歌曲是有别于歌剧与民歌这种歌曲形式的音乐体裁，是诗歌与音乐完美结合的一种表现形式。艺术歌曲在我国一直被人们当作是一种高雅的音乐。长期以来，我国人民创作出许许多多优秀、经典的艺术歌曲，为我国音乐教育事业提供了很好的理论依据。在20世纪40年代，更多的艺术家以不同的形式、素材、题材创作了更多优秀的中国艺术歌曲，使我国艺术歌曲的发展有了较高的水平。至80年代，歌曲与诗歌的结合、音乐艺术风格与技巧的灵活运用，都有了更高水平的发展。有人说：“艺术歌曲是流动的诗歌，充满着诗歌的美感和韵味，需要我们不断进行学习和探索”。艺术歌曲发展及产生的影响对中国乃至世界各国都是深远的，全面了解艺术歌曲的本质、风格和特征，有助于推动我国艺术歌曲向更高层次发展，使我国艺术歌曲更加民族化、多样化，更具有时代性和艺术性。中国艺术歌曲发展大体上可以划分为两个时期，即五四新文化运动以后到新中国成立之前和新中国成立以后至今。“五四新文化运动”以后，1920年诞生了首批优秀的中国新型艺术歌曲，中国艺术歌曲有了很好的发展基础。以吴梦非和萧友梅为代表的音乐家和音乐教师，在蔡元培倡导的美育思想影响下，先后在全国建立了一些新型乐团，从某种程度上为中国艺术歌曲的发展做了铺垫。继聂耳之后，冼星海利用更丰富的音乐题材、音乐创作手法、音乐表现形式，创作出大量的艺术性歌曲，从多方面反映了中国民族解放的革命事迹。“新中国成立以后”，我国艺术歌曲创作、发展空前繁荣，特别是改革开放以来，以郑秋枫、尚德义、王志信等创作的《我爱你，中国》《牧笛》《母亲河》等优秀艺术歌曲，都有很好的口碑。音乐是我国人民生活中不可缺少的一部分。当一些音乐家用简单的伴奏形式演唱歌曲，一种高品位、不同于传统民歌的艺术歌曲随之出现。艺术歌曲的出现不仅得到大众的一致好评，也得到一些专家的高度认可，在我国音乐事业发展中具有重要地位。随着科技的发展，以及电影电视、广播、网络传媒等传播媒介的出现，为我国艺术歌曲的进一步发展提供了非常有利的成长环境。随着国家不断强化对民族音乐的传承、保护和开发，民族文化以及民族音乐得到了很好的发展，这也为艺术歌曲的创作借鉴提供了帮助。艺术歌曲是一种音乐表现形式，更是一种被社会所认知的音乐行为。民族音乐的创作元素、创作手法，艺术歌曲也可以借鉴应用。现在越来越多的艺术歌曲都尝试采用民族音乐元素展示歌曲艺术，或者是以艺术歌曲的表现形式对民族音乐进行翻唱，以展现传统民族音乐中所含有的戏剧文化的特色。从某种程度上说，民族音乐是艺术歌曲民族化回归的一种途径，未来艺术歌曲也将会同民族音乐一样，更加突出传统文化的价值。

二、中国艺术歌曲创作中的民族音乐元素的运用

中国艺术歌曲中民族音乐元素的运用，涉及很多方面。在不同的历史时期，音乐创作者们都做出努力和尝试，且取得了令人满意的成果，推进了艺术歌曲与民族音乐的融合，对民族音乐教育事业的发展也有积极的推动作用。民族音乐元素的运用主要表现在以下三个方面：

1.采用民族乐器、配器伴奏

我国艺术歌曲的发展很大程度上深受西方现代音乐的影响，许多音乐乐器、配器都是直接借用的。在我国艺术歌曲的创作过程中，对民族音乐元素的运用主要体现在音乐的乐器和配器上。艺术歌曲在创作过程中采用民族音乐乐器和配器，并对其加以创新，得到了一部分人的认可。除此之外，近年来，琵琶、二胡、古筝、竹笛等民族乐器，也逐渐成为艺术歌曲的伴奏乐器，提升了青年一代对民族乐器和民族音乐的喜爱。这种全新的艺术创作手法和表现形式，对我国民族音乐的发展具有积极的促进作用。

2.运用戏曲曲艺唱法、唱腔和音调

随着传统戏曲曲艺的发展，艺术歌曲也开始吸收民族音乐中的戏曲曲艺等元素。艺术歌曲与戏曲曲艺相互融合形成一种新的歌唱形式———戏歌。戏歌的发展有戏剧艺术发展的要求，这是戏歌发展的一个方向。戏歌更多的是用艺术歌曲的通俗唱法来展现歌曲艺术，运用戏曲曲艺唱法、唱腔和音调，为艺术歌曲提供新的表现形式。作为一种特殊的艺术表现形式，戏歌依然在艺术歌曲的范畴里，是优秀的传统戏剧文化为艺术歌曲提供了新的发展机会，使其表现形式和创作内涵更具有浓郁的传统文化色彩。此类艺术歌曲不仅具有中国传统戏曲元素，而且又体现了现代流行歌曲的风格，深受人们喜爱。此外，京剧、豫剧、川剧、昆剧等多种戏剧形式的发展，也为艺术歌曲的创作提供了广阔的施展空间。

3.借鉴传统的民歌、民谣曲调

艺术歌曲对民族音乐元素的运用还有一种相对简单的表现形式，就是在传统民族音乐的基础上对其进行改编、翻唱。这是一种尝试，也是一种新的创作手法和表现形式。它通过对民族音乐元素、音乐作品加以重新改编，再利用艺术歌曲的表现形式将其表现出来。这类做法有别于借鉴民族乐器或者戏剧元素，不是与民族乐器的结合，也不是与戏剧腔调的结合，而是一个创新的过程。对于借鉴传统民歌、民谣，并对其进行改变翻唱来说，在后期的创作过程中，最重要的就是再加工和处理，只有做好后期的加工和处理，才能为艺术歌曲注入新的活力。不过，有的人在后期的加工、处理环节并没有加以改编和创新，因此没有发挥出艺术歌曲的最佳效果。尽管如此，对民歌、民谣的借鉴和改编，至少让很多人了解到传统民族音乐的魅力，也为地区的民歌发展创造了发展机遇。以上三种表现方式，基本上很难说哪种民族音乐元素在中国艺术歌曲创作过程中独具重要性，这三种不同的创作手法各自有不同的特点，每一个都有各自的侧重点以及相对重要的发展时期。20世纪90年代中期，戏歌十分流行，深得人们的喜爱，直到现在仍依然存在，只是没有当时那么强烈。戏歌所具有的民族音乐元素，也因不同的历史时期各不相同。总的来说，借鉴传统的民歌民谣并对其加以改编、翻唱，能够直接展现民族文化和民族精神。

三、中国艺术歌曲创作中的民族音乐元素表现形式

在中国艺术歌曲的创作中，在民族音乐元素的借鉴与运用过程中，真正能够促进艺术歌曲发展，也为民族音乐提供发展空间的，还是那些具有深厚民族文化内涵，代表民族文化价值的歌曲。它们使民族音乐呈现“中国风”、“民歌民谣”“、西北风”等三种表现形式。

1.民族音乐中的“中国风”

民族音乐、艺术歌曲、流行音乐等，都离不开“中国风”的元素，显然“中国风”已经成为音乐发展的必然趋势，这也得到观众的普遍认可。目前，对于“中国风”仍然没有一个明确的定义。在学术界，有一个相对比较流行的说法，就是音乐人黄晓亮提出的“三古三新”说法。所谓的“三古三新”其实就是古旋律、古文化、古唱法，以及新概念、新编曲、新唱法。尽管对“中国风”的解释相当准确，但实际上很难得到大众的认可。“中国风”的产生离不开传统文化和传统的价值观念，它所表达的怀乡之情、爱国之情等，都是传统文化的基础内容。音乐人黄晓亮提出的“三古三新”说法，只是“中国风”的一种外在表现形式。“中国风”式的艺术歌曲无论是创作手法、演唱方法，还是歌曲的内涵，都是传统民族文化的一种体现。

2.民族音乐中的民歌民谣

民族音乐中的许多经典的、优秀的民歌和民谣，都深受人们的喜爱。许多音乐家和歌手对民歌民谣进行改编和翻唱，其过程就是对传统民族文化和价值观念的高度认可。对民族优秀作品的再创作、再演唱，能够进一步创作出更多更好的并反映民族文化的音乐作品。20世纪80年代，出现了很多由民歌、民谣改编的艺术歌曲。许多歌曲的借鉴题材、创作元素都是一些民间的山歌、小调。经过歌手的借鉴、改编和再创作，艺术歌曲充满了浓厚的民族艺术元素，加速了歌曲的传播，提升了艺术歌曲的社会影响力。到90年代后期，艺术歌曲对民族音乐元素的运用有了进一步的发展，由80年代的翻唱为主，发展为90年代的原生态的民歌民谣。原生态的民歌民谣外延深广、内涵丰富，具有独特的地域性和民族性，是反映民族文化和其价值的重要途径。

3.民族音乐中的“西北风”

说到“西北风”，人们下意识地就会想到20世纪80年代，无形之中限定了“西北风”的时间。针对“西北风”，我们应该根据文化的属性作深入的研究，抑或从音乐文化的角度确定对它的认定。“西北风”在它产生并流行起来的那个年代，看起来时间很短，但它的延续性绝不会那么短。一切音乐作品都是反映当时的生活面貌，“西北风”也不例外。“西北风”出现的一开始，就深刻烙上了西北人的生活和价值取向。艺术歌曲融入“西北风”，也是反映西北民族生活习惯、精神面貌的音乐作品。“西北风”与“中国风”在民族传统价值表现上不尽相同。“西北风”代表的是原汁原味的民族音乐，它能够快速发展起来，离不开与艺术歌曲的相互融合。“中国风”则运用“古旋律、古文化、古唱法，新概念、新编曲、新唱法”的表现形式，使民族音乐回归到民族文化、民族价值上。“西北风”真实反映了西北民族热情奔放的民族性格，以及西北人对自由生活、自由爱情的积极态度和乐观精神，是西北民族文化和精神面貌的真情流露。可以说，在“中国风”“、民歌民谣”、“西北风”这三种表现形式中，“西北风”对民族文化、民族精神、民族价值观念的表现是最丰富的，也是最直接的。

四、中国艺术歌曲运用民族音乐元素的意义

中国民族音乐的发展正逐渐走上新的道路，中国艺术歌曲与民族音乐的结合也在朝着更高的层次发展。对于中国艺术歌曲来说，民族音乐中的创作因素是非常宝贵的资源，是取之不尽、用之不竭的创作源泉。在我国，民族音乐也有几千年的发展历史，具有我国特有的民族风貌，反映了我国优秀的民族传统文化。中国艺术歌曲创作融入民族音乐元素，对民族音乐元素不断加以借鉴和吸收，必将更好地促进中国艺术歌曲和民族音乐的共同发展，并为我国民族音乐提供了有利的发展空间。目前，国家及相关部门非常重视对民族文化的保护和发展，民族音乐在国家政策的大力支持和帮助下，也取得了很大的进展。艺术歌曲创作中融入民族音乐元素，缓解了民族音乐之前的低落的境况。民族音乐之所以出现低落，不在于其文化内涵，关键在于民族音乐本身呆板的艺术表现形式。自从艺术歌曲将民族音乐元素融入创作和形式表现中，不仅让艺术歌曲本身得到了发展，也为民族音乐的发展注入了新的活力，打破了民族音乐原有的呆板形式。随着艺术歌曲和民族音乐的相互融合，中国传统的民族文化和音乐文化也逐渐被人们所熟知，进而得到认可。音乐作为一种文化，是整个民族文化中的一个重要组成部分，它对充实人们的精神世界，鼓励人们树立正确的世界观、人生观、价值观，具有非常重要的作用。一首好的歌曲、一位好的音乐家的影响力，往往大于学校的刻板教育。艺术歌曲与民族音乐是人们认识世界、获取知识的一种有效途径，它所包含的许多知识、文化和信息，为人们学习、生活和成长提供了良好的外在条件。随着人们的民族意识和民族自豪感的增强，中国艺术歌曲融入民族音乐元素的形式也越来越受到大众的欣赏和喜爱。同时，艺术歌曲创作融入民族音乐元素，也增强了人们的民族意识和民族自豪感。民族音乐弘扬了民族文化，增强了人们的民族自豪感，这必将带动越来越多的人重视民族音乐文化，也将会有更多的人喜爱上民族音乐，乐于接受传统的民族文化。所以，中国艺术歌曲融入民族音乐元素，既反映了时代的精神，也推动着社会的发展。中国艺术歌曲融入民族音乐元素，这种创作形式还将会持续下去，并且随着时间的推移，艺术歌曲与民族音乐结合必将得到更好的发展，甚至带动民族音乐发展成为流行歌曲。艺术歌曲没有特定表现形式，艺术歌曲与民族音乐二者之间可以实现艺术和文化的共同发展。伴随着艺术歌曲与民族音乐的进一步融合，未来中国艺术歌曲的创作和发展，将立足于民族音乐基础之上，使艺术歌曲更多地融入民族音乐元素，增强其社会影响力，同时也带动民族音乐文化的发展，二者将共同推动我国民族音乐文化事业蓬勃发展。

音乐创作论文第2篇

关键词：群众音乐；创作水平；提高；途径

中图分类号：J605 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）17-0114-01

群众音乐文化水平直接关系到民众精神生活的质量，提高群众音乐文化创造质量水平能有效满足群众的精神需求。笔者先介绍了提升群众音乐文化创作的意义，后就提升群众音乐文化创作途径提了几点建议。

一、群众音乐文化创作的意义

近年来，群众音乐文化创作影响不断扩大，创作需求也不断提升。群众音乐文化是指人民群众为了自身的精神需求进行的自娱自乐自教的音乐文化活动，群众的精神需求是其活动与创作的根据。群众音乐文化创作直接源于群众的精神需求，是群众生活的需要，也是社会发展的需要。提高群众音乐文化创作水平，丰富群众音乐的创作途径，直接关系到群众精神生活与娱乐活动的质量，也关系到国民素质的提升。提高群众音乐文化创作水平要把握整体大局，先要提高群众的欣赏水平，提高业余的音乐创作群众的业务水平，还要提高群众音乐创作的组织水平，其中提高群众音乐欣赏水平是提高群众音乐文化创作水平的基础，而提升业余群众音乐创作水平是关键。提升群众音乐创作的组织水平是保证。

二、提高群众音乐文化创作水平的途径

（一）要增强群众对于音乐文化创作重要性的认识

现阶段，国内的群众音乐文化创作存在着题材狭窄、形式过于拘泥的问题，此外，群众音乐文化创作过程中与实际生活结合不够充分，以致现阶段的群众音乐文化不能满足群众的需求。群众音乐文化创作不仅要与群众的实际生活相结合，还应该反映群众的新生活与新感情。虽然现阶段的群众音乐文化的创作人极力将音乐创作与实际相结合，并将音乐文化创作展示于大众，但是群众音乐文化创作在以多样化方式反映群众新生活方面却显得相对滞后。提高群众音乐文化创作水平需要音乐创作者不断开拓音乐题材、丰富大众音乐文化的创作与呈现形式，创作出符合群众需求的音乐文化作品。创作者要认识到群众音乐文化创作的紧迫性，不断扩大音乐文化的创作范围，根据不同群体的音乐需求创作各种体裁的民间音乐、轻音乐、大众舞蹈音乐等，尤其注重青少年与儿童的音乐需求。丰富群众音乐创作的题材，在保障创作质量的前提下，极大的丰富群众音乐创作的多样性。

（二）加大音乐文化的创新力度

开拓群众音乐文化的创新思路可以有效推进群众音乐文化的创作水平。不断结合群众的音乐需求进行音乐文化的思路创新可以为群众音乐文化带来新的生机与活力。创新群众音乐文化创作水平首先要了解群众的精神需求，从群众需求出发分析总结群众音乐文化的创作方向，进而进行有根据的音乐创新，创作出优质的能够让群众满意的作品。创新群众音乐文化的创作思路还要进行音乐文化的表现内容与形式的创新，大众化的音乐文化需求不应该拘泥于一定的形式与内容，音乐文化大众化的精髓在于根据群众的多元化需求，从群众中来到群众中去。创作出优质的大众化音乐文化，要创新群众音乐文化的模式与内容，使得音乐作品能够更加吸引群众。

（三）提高音乐创作者的音乐文化创作素养

加强群众音乐文化创作队伍建设，吸引更加优秀的人才投入到群众音乐文化创作中去。群众音乐文化创作者自身的素养直接影响到音乐作品的质量，音乐创作者的素养条件需要创作者日常的积累，在日常的音乐创作中要加强音乐理论的学习，可以在音乐创作与欣赏中变换不同的创作与欣赏角度，将音乐理论落实于实际的创作中。此外，提高音乐创作者的素养还可以借助团队的影响作用，在创作中加大与其他创作者的交流，在良好的群众音乐文化创作氛围中提升创作者自身的音乐创作素养。提高群众音乐文化创作水平还需要创新性很强的音乐创作团队，以团队的整体素质与创作水平不断优化大众音乐文化创作。在进行音乐文化创作队伍建设中要结合公平的选拔与奖惩机制，并制定适时的人才培训计划，吸引更具创新意识的人才进入团队，形成群众音乐文化创作队伍的骨干力量，提升群众的音乐文化创作水平。

（四）提升音乐创作的现代化水平

借助一些现代化的创作与宣传设备，做好群众音乐的创作与普及，适时地开展一些群众演出活动，真正做到群众文化从群众中来到群众中去。

三、结语

上文中我们先了解了群众音乐文化创作的意义，并认识了群众音乐文化创作的重要性。提高群众的音乐文化创作水平中需要音乐作品创作与普及相结合，在普及宣传中进行作品改进，是提升音乐文化创作水平的动力，也是群众音乐文化创作活动与群众密切结合的有效途径。

参考文献：

[1]苏静.论群众文化队伍的建设[J].现代经济信息，2010（18）：208.

音乐创作论文第3篇

中国民族戏曲艺术与民族文化的发展相伴相生，儒家、道家思想对中华民族文化的影响横贯古今、已触及到文化生活领域的各个角落。这些影响在戏曲艺术中也是随处可见的。“本虚而实”是儒家思想的核心及根本。众所周知，儒家学说的兴盛皆因其所具备的教化功能而备受历代统治者的青睐，而戏曲文化在古代也充当着统治者宣扬自我权威、教化百姓的重要工具。传统戏曲文化与儒家“本虚而实”的思想有着千丝万缕的联系。传统文化对戏曲的影响除戏曲本身之外，还在于戏曲的动作姿态、语言表达等。在此，道家文化的影响可谓深远持久，除戏曲自身含义及上面所提及的语言、动作等方面，其思想还渗透到戏曲的结构形式之中。例如，道家思想所宣扬的“，将欲转之，必故折之；将欲掣之，必故顿之；将欲伸之，必故屈之”就恰恰应验了许多戏曲中主人公一波三折的命运安排。同理，如今的许多大陆剧或者大陆电影的故事情节也多如此，先是让一个人饱受磨难，生活中处处都是障碍，然后峰回路转，命途顺畅。从虚实的角度上讲，对于戏曲故事里主人公充满波折的人生履历，在我们看来是“虚”，而故事的起因开端及结尾则属于“实”的东西。因此，传统戏曲中“虚实相生”的语汇表现手法处处都折射出中国传统文化中的虚实哲学关系内涵，而这种相伴相生的虚实关系哲理对戏曲的语汇手法的影响至关重要，另外在社会的教化方面也有着不可替代的作用。

二音乐创作中适当地植入戏曲元素的语汇表达技巧

随着音乐形式风格的不断丰富，音乐创作也不再拘泥于单一的创作方式及题材，多数创作者以生活为范本，从生活中发现和挖掘新的创作资源，使音乐创作与时俱进。音乐作为一种以流行元素为主的文化，其创作创新上都有着特定的要求。如今音乐创作“快餐”化，真正为人民大众所喜闻乐见的原创音乐却为数不多，大众对不断兴起的音乐潮流已产生审美疲劳，流行、摇滚、通俗等音乐形式已逐渐失宠。音乐创作的创新不仅是内容，更是形式、风格，甚至是审美视角上的大革新。音乐亦属传统文化范畴，在音乐创新面临发展瓶颈期的时候，创作者把视角转向传统文化，从传统戏曲文化精华中探寻音乐创作的灵感，将其植入现代音乐之中。像吴琼的《对花》、魏晨的《少年游》以及李玉刚的《新贵妃醉酒》等均属于此类音乐作品。为此，我们将对传统戏曲的语汇运用方式进行具体探究：

1音乐创作之不可或缺的因素———自然的语汇表达

所谓自然的语汇表达即语言表述简明而富有内涵，语句轻快流畅并且在意境意蕴方面具有相当高的想象力以及逻辑思维。但是，目前现代音乐的创作过程中，这种意境意蕴的表达往往不被创作者关心，他们集中更多的精力在歌词及曲调的创作上，这么一来，创作出的音乐就明显觉得韵味不足、不够自然。以日本音乐为例，天地、日月、星空、星球、星光、季节、山、水、木以及风、雨、雪等一些天文现象、自然景光往往是其原创音乐中的高频词汇，由此可以看出，日本人始终将自身与自然融为一体，他们这种天人合一、对大自然无比热爱的情怀在其民族文化、哲学观念、思想及宗教之中随处可见。与此同时，中国传统戏曲中也不乏此类借助自然语汇进行戏曲创作表达的方式，而较之于地方文化往往同其地方语言不可分割，所以这些自然语汇大多是各地的地方方言。各地方言语汇的独特之处在于我们可以透过它看到这个民族在慢慢历史发展长河中所形成的经济体制、家庭构成、婚姻体制甚至风俗习性。如一些戏曲形式中的能够引发观众笑点的表演部分。在清末著名戏曲演员刘赶三的经典戏曲《南庙请医》中，他被狗咬到之后，借机嘲讽卖国贼时，与仆人有这么一段经典对白，仆人道：“先生，这可到了，留点儿神，别叫狗咬了！”刘赶三手指台下观众亮嗓子叫道“：这门里头，是没有狗的。不过，有的都是走狗！”如今，将地方特色方言融入到现代音乐中去，这一创作手法被许多创作者模仿，即为大家耳熟能详的原生态音乐。

2现代音乐创作中融入传统戏曲语汇音乐艺术形式与内涵日渐丰富

对于传统戏曲而言，在语汇表现力上用些夸张的色彩非常普遍，而对于音乐而言，将传统戏曲的具有夸张色彩的语汇植入其创作之中，所带来的效果就会远远超过戏曲所表现出的作用，音乐中运用不同语汇表达技巧的效果更多地体现在情感表达方式上对民族文化以及民族情感的传承和发展，像现代音乐中出现的一些转化、夸饰、类迭、譬喻、转品、倒装等表现手法都属于传统戏曲中常见的几类修辞手法。传统戏曲以黄梅名剧《天仙配》为例，其中就经常涉及到譬喻、转化、转品、类迭、倒装等修辞语汇的运用。现代音乐中像许嵩的《千百度》、汪苏泷的《桃花扇》等也有较多的地方运用到了譬喻、类迭、倒装、特写、排比、夸饰、等戏曲中常见的语汇表现手法。因此，戏曲中丰富的语汇表现手法在音乐创作中的合理使用不仅丰富创新了音乐的风格更加充实了音乐的内涵，同时提升了音乐的美感，使之更加具有韵味，即有古色古香的气息，又有现代化的乐感。

音乐创作论文第4篇

计算机在中学教育中的运用为“电脑音乐创作教学”的开展奠定了良好的基础，音乐作曲软件的开发利用则成为“电脑音乐创作教学”得以开展的保证，同时为学生今后在音乐方面的发展开拓了一个广阔的空间。

电脑音乐创作课的教学，培养和发展了学生的音乐创作能力、提升了同学们对音乐的兴趣，同时巩固和发展了学生基本的音乐素养。因此，电脑音乐创作教学是一种先进的新型教学模式，它的推广和普及必将对我们的中学乃至所有阶段的音乐教学起到良好的促进作用。

在全面实施素质教育的过程中，为了应对知识经济时代的挑战，必须着重研究和解决如何培养学生的创新意识、创新思维和创新能力的问题。笔者在高中音乐课的教学实践中，对利用电脑音乐创作系统进行创作教学这一课题进行了探索。

关键词：高中电脑音乐创作教学创新素质

这是高中学生的一节音乐课：同学们以小组为单位，通过讨论逐步完成一首小乐曲的“创作”：输入主旋律、根据自己对作品的理解从教师设定的若干伴奏音型和“鼓底”（节奏型）中选择相应的，调整各轨的音色、音量并不断回放、修改。教师则利用电子课堂系统进行监控，随时对出现的问题进行有针对性的指导。由于可以利用音乐软件将自己的音乐主张转变为乐曲，体会创作成功后的成就感，同学们学习得愉快而主动，课堂氛围轻松和谐。

我们不仅要问：是什么使这些高中生对音乐课产生了如此浓厚的兴趣？这样的教学内容和教学方式可以发展成为一种教学模式并被推广吗？它是否预示了今后音乐课发展的一个方向呢？笔者结合自己的教学实践，对这些问题做了一系列的探索。

一．进行“音乐创作教学"的可行性

1.倡导创新教育，是实施应试教育向素质教育转变的必然结果

所谓创新教育，是指在基础阶段以培养人的创新精神和创新能力为基本价值取向的教育实践。应试教育侧重于考察学生对知识的掌握程度，而素质教育则侧重激发学生个性特长和对知识的组合创新，将书本知识运用实践验证或进行延伸创造，立足于开发特长、释放学生的潜能。教学不再将知识的学习作为教学的目的，而是把知识的学习作为认识事物本质，训练思维能力、掌握科学方法的手段；学生在“发现”知识的过程中不是简单地获得结果，而是强调创造性的方法和形成探究的精神。音乐创作为音乐课教学提供了一个绝好的创造性教学的空间。在创造性的学习过程中，学生在教师精心设计的作曲、编曲练习中意识问题、发现和解决问题，并且在教师的帮助下达到独立认识和创造性学习的目的。这种教学的效果是以往任何一堂传统音乐课都无法达成的。

2.“音乐创作教学"着眼于未来，符合“三个面向”的要求。

启发并丰富学生的想象力，鼓励并发挥学生主动学习、积极创造的精神，培养与发展学生的创造力、想象力，是发展学生智力的重要内容。音乐的创作、表演、欣赏过程都离不开想象力、创造力。有关研究表明，人在二十岁以前，智力的提高几乎是直线式的。如果人的大脑在新型的教育活动的刺激下，完全有可能把创造性的才能发展到更高的程度。音乐创作教学在教师指导下，有目的、有计划地发展学生想象力、创造力，使学生的智力得以开发和发展。在创作活动中，通过学生创作音乐，增加学生创作的欲望和勇气，打破创作神秘的思想。

3.“音乐创作教学"可以扩充学生对生活的观察力与思考力。

通过有意识的对客观现实的观察了解，运用所学过的各种音乐语言和表现手段进行创作，表达自己的思想感情，使学生在创作过程中获得了了更丰富的生活经验。从而加强了学生对生活与音乐创作之间联系的思考。通过学生自己观察、创作、表演他们最熟悉、最感兴趣的事物和情感，使学生自己教育自己，感染自己，鼓励自己。

4.“音乐创作教学"可以促进其它教学内容的学习，提高学生解决实际问题的能力。

在传统的音乐课中，乐理知识的教学非常重要，但其内容较难掌握，而且缺乏检验教学效果的有效手段。其它如视唱练耳、听音记谱等训练学生音乐能力的练习，在原来的音乐课中也有安排，但由于客观条件的限制，教学效果甚微。除了一些音乐天赋较好的同学以外，其他大多数同学的音乐能力还是不能很到很大提高。在创作课中，上述所有的内容都成为了操作软件的必要条件。学生只有具备了这些“基本功”之后，才有操作电脑进行编曲的可能。在编辑乐谱的过程中获得、锻炼和巩固有关的音乐知识，同时通过作品的完成来检验学习的效果，形成了一个学习——创作——再学习——再创作的良性循环。

二．高中电脑音乐创作课的实践

1.明确“音乐创作教学"的深广度

①“音乐创作教学"深广度的界定

创作教学的广度，指广义音乐创作教学活动，凡有利于发展学生创造性思维的音乐教学活动，都包括在内——象即兴编唱一首歌，敲击一个节奏，选择适当的伴奏乐器都在此列。另外，有意识地引导学生修改、补充、更正他们不熟悉的歌曲节奏、旋律、歌词、表情处理等，也都属于音乐创作教学的范围。

音乐创作教学的深度，主要指使学生初步掌握音乐表现手段和曲式结构等作曲常识。如旋律的进行，节奏的变化和主题的发展手法，以及曲式起、承、转、合的结构等等。

应当指出，从目前的音乐教学实际水平出发，不可能要求每个学生都会作曲，都具有记谱的能力。随着音乐教育的发展，我们应逐步培养学生创作与记谱的能力。

②创作教学的教学计划

为了更好地了解创作课教学在音乐教育中的价值和前景，笔者向学校申请，将校内的一个30人的小班作为实验班，进行音乐创作教学的实践。在通过摸底掌握了班里每位同学的音乐素质之后，针对学生的实际情况指定了教学计划（实践时间为一学期），将一首歌曲的制作简化到旋律、节奏、和声、歌词及音色音量的设定几个部分，争取通过将近15个课时的教学，使学生初步掌握电脑音乐制作系统的操作，完成简单的歌曲创作和编配。具体计划如下：

周次教学内容

第1周乐理知识查漏补缺，为后面的学习打好基础

第2、3周学习音乐软件操作

第4周通过选择的方式完成一首乐曲的编配

第5—7周独立完成一首乐曲的编配

第8、9周进行创作歌曲演唱比赛

第10周机动

③教学内容范围的选择

考虑到学生的个别差异，在教学过程中，笔者为不同程度的学生设定了不同的要求。

a.乐曲的输入

根据自己的水平，同学们可以自己创作一段乐曲或选择输入一段自己喜欢的旋律。考虑到有的旋律在节奏、曲风上存在着众多的难点，教师建议学生选择节奏规整、稍舒缓的旋律。在音乐软件上有三种乐谱输入方式：会演奏键盘乐器的同学可以利用电脑键盘的“键盘”功能录入乐谱；一般的同学可以使用单步录音，选择好音符的时值，用电脑键盘将音符一个个弹奏录入；也可以选择使用鼠标点击输入的方式，这种方式速度较慢，但是操作最为简便和直观。

b.节奏的选择和编配

教师为学生提供了多种风格的节奏，学生可以根据乐曲的特点选择不同风格的节奏型作为“鼓底”。这是一种简便的操作方式，只要根据作品

的需要加以修改，即可轻松地完成节奏的编配。也可以自己制作“鼓底”。如制作一个基本的disco节奏，用三个轨道分别输入大鼓（××）、小军鼓（×）和落地踩叉（××××）的节奏型，合在一起演奏即可。

c.和声的编配

学生可以从教师为作品编配的和声中选择，也可以自己进行和声的编配。如果进行独立制作，学生必须掌握的有关和声的基础知识，一、四、五级的编配以及伴奏织体的设计。在此基础上，每位同学根据自己的和声编配能力和听觉检验，设法为作品进行和声编配。

d.歌词填写

填写歌词看似简单，实际上牵涉到连音线、圆滑线、倒字等等一系列问题。从学生的实际水平出发，在这个环节中没有过多的要求，只是要求每位同学创作的歌词能够符合一般的审美观点。

2.指导学生做好“音乐创作"的准备工作

准备工作包括让学生掌握一定的乐理知识，具有独立的视唱能力和记谱能力，以及感受、理解音乐、表现音乐的能力等。这是他们进行音乐创作的基础。在两个课时的短暂教学时间里，乐理知识教学的内容主要是五线谱的记谱与和声的编配。五线谱知识的复习、巩固可以结合音乐软件的操作学习进行。现在笔者在教学中所使用的是市场上最为流行的Cakewalk编曲软件和Encore专业打谱软件。为了使学生具有正确规范的概念，乐谱的输入、修改均在Encore软件上进行。专业打谱软件所具有的规范化功能可以引导学生进行正确的操作。比如现在要求输入一小节4/4拍的旋律：如果输入时值总和超过4拍，电脑就会发出“叮”的一声提示输入错误，并拒绝输入超出时值的音符；如果输入的时值不足4拍，在乐谱上就会出现音符排列错误或演奏出错（如演奏突然停止）等情况。和声编配的学习只要求了解基本的一、四、五级及其排列规则。在实际操作中，对学生的要求可以适当放宽，只要大致的和声结构正确便予以认可。我们必须认识到：培养能力不能靠一蹴而就，而是要在较长的时间内，通过平时的教学工作，一点一滴地去积累，靠长期艰苦、细致的工作才能奏效。

3.对教师的要求

作为一名合格的音乐教师，必须具有全面、专业的音乐知识，这是毋庸置疑的。但要能够较好地完成电脑音乐创作课的教学，教师必须在原有的基础上进一步地了解更多的知识。

①广泛涉猎各种不同体裁、不同风格的音乐

从音乐院校音乐专业或师范院校音乐教育专业毕业的音乐教师，一般都在古典音乐方面有一定程度的涉猎，对于现代通俗音乐却是知之甚少。而这部分的音乐正好是学生最感兴趣的内容，他们的创作中必然会有深刻的通俗音乐的痕迹体现。假如教师在教学中心中无数，必然无法指导学生的学习。只有广泛地涉猎各种不同风格的音乐——尤其是学生最为熟悉的通俗音乐部分，才能真正地体现教师在电脑音乐创作课中的主导作用。

②学会熟练地操作、使用电脑音乐软件

现在市场上的电脑音乐制作软件主要包括三类：编曲类的如Cakewalk、Soundforge，它们的功能是编辑、创作MIDI乐曲；打谱类的如Encore、Finaly98，它们是目前市场上最为专业的打谱软件，其乐谱编辑功能完全可以和乐谱排版系统相媲美，且对于专业人士而言，操作十分简便；自动配器类的如Bandinabox，只要输入旋律、和声，选择作品风格，软件就会自动生成伴奏乐曲，对于非专业人士而言不失为很好的一种快速编曲工具。教师如果全面地掌握了不同软件的不同功能，就能更好地为教学设计创造情境，促使学生质疑问难，探索求解的创造性学习动机，让学生产生认识（操作过程中）的困难或困惑，从而激发他们去进行创造性的探索。这也是创造性教学取得成功的基本条件之一。

三．在教学中需要注意的问题

1．硬件问题

由于电脑音乐创作教学对设备的要求较高（一套设备的最低配置也要将近一万人民币），一般的学校无法完成这样的硬件配置。如要让电脑音乐创作教学成为现实，音乐教育必须得到上级主管部门的更多重视。

2．软件问题

软件问题牵涉到教师和学生两个方面。完成电脑音乐创作课对音乐教师提出了相当高的要求。教师对音乐软件的操作能力的高低直接决定了创作课的教学质量。同时教师在教学中的主导作用决定了学生创作的风格与审美观。就一般的普通中学而言，学生的音乐基础与目前期望的要求也还是有一定距离的。解决这个矛盾的方法有两个：一是针对学生目前的实际情况查漏补缺；一是在最初教学的过程中适当放宽对学生的要求，今后再根据学生的进步逐渐提高。

四．结语

通过一个学期的实践证明，学生是完全有兴趣、有能力参与和进行电脑音乐创作的。而且出乎意料的是，由于部分音乐天赋较好、计算机运用能力较强的同学在学习过程中起到了积极的带头作用，使得本来预计要10周左右时间完成的教学计划在短短的6周时间就得以完成，而且许多同学都自行购买了软件，决定要在课后继续进行电脑音乐创作的尝试。

音乐创作论文第5篇

摘要：中国钢琴音乐民族化创作的发展是一个不断探索与创新的过程，中国钢琴音乐以其复音思维为特征的艺术表现形式，使我国数千年历史的单音体系受到了冲击，并且在中西音乐文化交融中繁衍出了一系列的创作模式，实现了钢琴音乐创作的民族化。中国钢琴音乐民族化创作体现在20世纪钢琴音乐创作践实践之中。

关键词：中国钢琴作品；音乐创作；创作技法；民族风格

钢琴进人中国以来．钢琴家、作曲家们借鉴西方钢琴音乐的创作方法、手段、技术，不断探索中国钢琴音乐民族化创作的道路，用民族音乐的思维方式、素材、旋律、节奏、调式与和声，创作了许多具有艺术魅力的作品。中国钢琴音乐民族化创作的历史是从20世纪初期开始的，至今已近一个世纪之久，经历了由初探到成熟的发展过程，本文拟循历史轨迹，以作家作品为线索，对中国钢琴音乐创作发展的过程作如下论述与分析。

一、早期的钢琴音乐创作

20世纪初期，中国社会的政治、经济、文化等各方面都发生了巨大的历史变革．经过“五四”运动的洗礼，使当时的知识分子在思想意识观念上产生了重大转变，音乐创作也由此开启了新的篇章。中国最早致力于钢琴音乐创作的作曲家，开始尝试采用欧洲的作曲技法，冲破了中国传统以线性思维单音体系为主要音乐表现特征的创作手法。在他们的作品中开始注重和声、旋律、调性布局和曲式结构的安排。使钢琴音乐创作形式在中国得以缘起和发展。

中国最早进行钢琴音乐创作的作曲家应当首推赵元任、萧友梅先生。赵元任的《和平进行曲》(1915年)是我国第一部正式出版的钢琴作品，开始有意识地把欧洲功能和声与中国民族音调有机地结合起来。萧友梅的《哀悼引》,该作品同样可以看出欧洲葬礼进行曲的创作痕迹。萧友梅还有一部比较有影响的钢琴作品《新霓裳羽衣舞》，该作品在旋律、和声等方面都力求具有一定的民族化。尽管他们的作品还是较多地受欧洲音乐的影响，还不具备完全意义的中国音乐风格，但是这毕竟迈出了中国钢琴音乐创作的第一步，因此是具有历史意义的。

这一时期所创作的钢琴作品基本上是尝试性的，创作手法简单，在曲式结构、和声构思等方面都带有明显模仿欧洲古典乐派创作手法的成份。这就说明当时我国作曲家在对外来的作曲技法和艺术形式上还处于一个学习阶段，还没能同我国的本土文化相融会贯通，这也是中国钢琴音乐创作发展历史的必然过程。

而在30—40年代中国一直处于十分动荡的局而，中国人民经历了抗日战争和解放战争两个重大历史时期。反映时代精神几乎成为这一时期音乐创作的共同主题，作曲家将时代性和民族性等因素注入了各种音乐体裁的创作之中，把中国传统音调与民族和声运用得更加成熟，使得这一时期的钢琴音乐创作既有时代精神，又有新的发展，从而成为中国音乐史上钢琴音乐民族化创作发展过程中的一个重要历史时期。这个时期的作品有贺绿汀的《牧童短笛》(原名《牧童之笛》)，老志诚的《摇篮曲》、《牧童之乐》，江定仙的《摇篮曲》等。

贺绿汀的《牧童短笛》(1934年)是20时纪中国钢琴作品中的上乘之作。该作品风格典雅、技法精湛、层次分明，在民族音乐语汇(旋律、和声)的运用上要比赵元任、萧友梅等人的钢琴作品有了明显的提高，贺绿汀在该作品的创作中．以简洁的创作手法和简约的音乐语汇，使旋律和节奏紧密结合，运用民族化的和声与对位的复调手法，使织体和旋律相互衬托，富于歌唱性的旋律表现出中国人所特有的含蓄优雅的艺术内涵。

丁善德在40年代创作了几首具有代表性的钢琴作品，如钢琴组曲《春之旅》(1945年)、《序曲三首》(1948年)、《中国民歌主题变奏曲》(1948年)等，他对作品精雕细琢、精益求精，使之调性布局明确、音乐层次分明，形成了作曲家独特的音乐创作风格。

桑桐在探索民族多声思维方面有独到之处，他的《在那遥远的地方》(1947年)完全是运用了自由无调性原则进行创作的。他把欧洲多声部作曲技法与中国民族音调相结合，扩展了调性布局与和声结构变化的可能性，丰富了钢琴的艺术表现力。

瞿维的((花鼓》(1946年)是一首反映新时代风格的钢琴作品。作曲家在乐曲中把歌声与民间锣鼓点、复调与主调、功能和声与非功能和声自然地结合，使该曲能够形象地表现出中国式的热烈气氛。

此外，当时还有一些较有影响的钢琴作品，如：贺绿汀的《摇篮曲》、《晚会》，刘雪庵的《中国组曲》，江文也的断章十六首》、《北京万华集》、《钢琴叙事诗“浔阳月夜”》，陆华柏的《浔阳古调》等，这些作品同样构成了中国钢琴音乐创作的最初成果。表明作曲家对探索中国钢琴作品民族化的创作手法逐渐由初探走向成熟，对于民族化和声布局与曲式结构的应用都已达到了一定程度，特别是在运用欧洲音乐作曲技法的水平已经达到了较高水平。

二、建国17年间的钢琴音乐创作

新中国的成立给全国带来了全面建设社会主义的新局面，也给音乐创作带来了更广阔的空间，此时期许多专业作曲家创作了大量反映各类题材的钢琴作品。作曲家开始挖掘和利用我国各地丰富多彩的民歌为素材，并加以精心的设计与艺术处理，使它们既保存了中国民族音乐所特有的朴实和豪放的性格．又使它们具有了高雅精致的艺术特征。建国17年间是中国钢琴音乐创作的繁荣时期，它把中国钢琴音乐创作的水平提到了一个新的高度。

丁善德在建国初期创作了几部很优秀的钢琴作品，如他的《第一新疆舞曲》(1950年)、儿童钢琴组曲《快乐的节日》(1953年)、《第二新疆舞曲》(1955年)等，这几部钢琴作品中巧妙地运用了中国民族五声调性的和声织体，表现了作曲家独到的艺术造诣。他的《第一新疆舞曲》和《第二新疆舞曲》都是作曲家采用新疆的音乐素材而创作的，反映了新疆各族人民的生活景象和精神面貌。丁善德是最早以新疆为题材进行钢琴音乐创作的作曲家，他的作品富于浓郁的民族风格和时代精神，他为我国民族风格的钢琴音乐创作提供了宝贵的艺术经验。

桑桐在此时期也创作了一些较有影响的作品。如他的《内蒙古民歌钢琴小曲七首》(1952年)、《序曲》(1954年)、《春风竹笛》(1958年)、《随想曲》(1959年)、《三十二首苗族民族主题钢琴小曲》(1959年)等，其中以《内蒙古民歌钢琴小曲七首》最有代表性。作曲家在该作品中还运用了复合功能和声的创作技法，桑桐的这部作品与他在1947年创作的《在那遥远的地方》相得益彰．都是运用民歌为素材所创作的钢琴精品之作。

江文也也创作了两首成功的钢琴作品：大型钢琴套曲《乡土节令诗》(1950年)和钢琴绮想曲《渔父舷歌》(1951年)。他的《乡土节令诗》是由12首独立的钢琴曲组成，作曲家运用了写实的艺术创作手法，他的这部作品与他早期精致典雅的钢琴小品套曲在艺术创作风格上有很大的不同。他运用了大型声乐套曲(康塔塔)的创作原则，以在一个统一主题思想贯穿下通过若干分曲的整体布局来创作的。该作品是我国现代音乐史上一部宏伟史诗性的钢琴“康塔塔”。

汪立山也是此时期在钢琴音乐创作方面颇有影响的作曲家，他的《兰花花》(1953年)、《小奏呜曲》(1957年)都表现出他独特的艺术个性。《兰花花》是以同名陕北民歌为主题而创作的钢琴自由变奏曲，作曲家大胆地运用了七度和九度的不稳定和声，以及模仿某些民间唱腔的旋律，通过不同的音乐形象刻画出女主人公的内心情感变化，表达了作曲家对女主人公兰花花悲剧人生的同情。

还有许多专业作曲家创作了大量的钢琴作品，如：陈培勋的《卖杂货》、《旱天雷》，蒋祖馨的钢琴组曲《庙会》，刘庄的《钢琴变奏曲》，黎英海的《民歌小曲五十首》。黄虎威的钢琴组曲《巴蜀之画》，田丰的《高山族组曲》，石夫的《塔吉克鼓舞》，储望华改编的《翻身的日子》等，这些作曲家在发展中国钢琴音乐风格方面都做了许多有益的探索。特别值得提到的是，有些从苏联和东欧留学归来的青年作曲家在此时期也创作了一些钢琴作品，如：杜鸣心的《练习曲》、朱践耳的《序曲二首》、邹鲁的钢琴奏鸣曲《青春之诗》等，以及吴祖强、杜鸣心根据他们合作创作的舞剧《鱼美人》音乐而改编的钢琴曲《鱼美人选曲》，这些作品在作曲技法上深受俄罗斯乐派的影响，结构层次之清晰，创作手法之精巧，使其成为脍炙人口的优秀钢琴作品。

建国17年间的钢琴音乐创作无论是在数量、质量上，还是在作曲技法上都比以往有很大的超越．体现在创作题材上广泛多样，作品内容丰富新颖，音乐风格质朴又富于时代性，作曲技术上传统与现代相结合，并能够自由地运用民族音乐语言按照严谨精致的逻辑结构和形式进行创作，由此构成了建国17年间钢琴音乐创作的整体艺术特征。

三、“”时期的钢琴音乐创作

“”中使中国的音乐事业受到了严重的破坏，而钢琴创作领域并不是沉寂的，作曲家同样怀着对艺术的执著追求，创作了许多各类题材的钢琴改编曲。第一类是对“样板戏”音乐的钢琴改编曲，如：储塑华改编的《甘洒热血写春秋》(据《智取威虎山》音乐)、赵晓生改编的《家住安源》(据《杜鹃山》音乐)等。这类钢琴改编曲的创作题材基本局限于当时的“样板戏”，其中很多作品都带有明显的政治色彩，比较注重描摹、叙事和外在的气氛渲染，较少关注内心情感的刻画和描绘，缺乏对器乐艺术创作规律和艺术风格的重视，因此，有些作品艺术价值不高．只有留给人们反思历史的作用了。第二类是对各种歌曲的钢琴改编曲。如：王建中改编的《浏阳河》(同名民歌)、崔世光改编的《松花江上》(同名歌曲)、周广仁改编的《台湾同胞我的骨肉兄弟》(同名歌曲)、储望华改编的《闪闪的红星》(同名电影歌曲)等。这类钢琴改编曲的创作题材基本采用原歌曲的结构，这就限制了作曲家的创作空间和思维，有些作品或多或少地打上了“”的时代烙印，因此，此类作品的艺术价值层次不齐。第三类是对传统器乐曲的钢琴改编曲，如：王建中改编的《百鸟朝凤》（唢呐曲)、《梅花三弄》(古琴曲)，储望华改编的《二泉映月》(二胡曲)，黎英海改编的《夕阳箫鼓》(琵琶曲)，陈培勋改编的《平湖秋月》(广东音乐)，殷承忠改编的《十面埋伏》(琵琶曲)等。这类钢琴改编曲基本是“”后期产生的最具有艺术价值的钢琴作品．此类作品的题材都是根据传统民间器乐曲移植改编而创作的，作曲家既对原曲进行了增删，又保留了原曲的基本构架，并通过现代作曲技术把中国传统器乐曲中的那种“中和、深邃”的品格，“静、虚、淡、远”的意境，“有形有神、神形兼备”的韵味演绎出来，其创作技法与表现的思想内涵使此类的钢琴改编曲达到了很高的艺术品味。

此外，除了当时曲目繁多、题材多样的钢琴改编曲以外，钢琴协奏曲《黄河》也是这时期重要的音乐创作成果。它是根据冼星海《黄河大合唱》的旋律改编的。并能很好地阐释了原创的艺术内涵和精神气概，发挥了钢琴协奏曲表现重大题材的艺术表现力。它把“”时期标题性钢琴改编曲的音乐创作形式推向了一个高潮。

纵观“”时期的钢琴改编曲可以看出，作曲家在“”这一特定的政治背景下．利用当时有限的创作空间，创作了许多优秀的钢琴改编曲，使中国的钢琴音乐创作在这样的政治环境下还能够得以延续，它也是中国钢琴音乐创作发展中的重要历史时期。

四、新时期的钢琴音乐创作

进入新时期以来，中国实行了改革和开放，使音乐界充满了清新的空气和自由的文化氛围。中外音乐文化频繁的交流，既让中国的传统音乐走出了国门，使外国人了解了中国的音乐文化；又让外国的创作思维和创作技法传人了中国，使中国传统的创作思维和模式受到了前所未有的冲击。新时期使中国的音乐事业走向了繁荣，给予了音乐创作宽阔的空间。中国钢琴音乐民族化创作在作曲技法与音乐风格上又有了新的发展和突破。

这时期以来，许多专业作曲家把音乐创作的新思想、新观念、新技法都运用到钢琴音乐的创作之中，涌现出大量各类题材的钢琴作品。如：储望华的《新疆随想曲》，汪立山的《梦天》、钢琴组曲《东山魁夷画意》、钢琴套曲《他山集——序曲与赋格五首》，罗忠镕的《钢琴曲三首》，-王建中的《彩云追月》、《大路歌》、《樱花》、《谐谑曲》，朱践耳的《云南民歌五首》，石夫的《即兴曲》、《第二新疆舞曲》，倪洪进的《壮乡组曲》，黄虎威的(欢乐的牧童》．孙以强的《春舞》．陈铭志的《钢琴复调小品八首》，权吉浩的《长短的组合》、《宴乐》，陈怡的《多耶》，周龙的《五魁》，崔文玉的《第一奏鸣曲》。杨衡展的《但曲》，姜小丽的《寒号鸟》，蒋祖馨的《箴前、《第一奏鸣曲》、钢琴组曲《山花烂漫》，崔世光的《山泉》、《山东风俗组曲》．高为杰的《秋野》，彭志敏的《风景系列》，丁善德的《儿童钢琴曲八首》、《小序曲与赋格》、《小奏鸣曲》、《前奏曲六首》，夏良的《西双版纳风情》．赵晓生的《太极》，刘敦南的钢琴协奏曲《山林》，杜鸣心的钢琴协奏曲《春之采》等。这些钢琴作品或是以声乐曲的旋律、民族音乐的音调为基础而改编钢琴曲，或是运用无调性、十二音技法等现代作曲技术而创作的钢琴曲，或是根据作曲家自创的作曲技法而写成的实验性钢琴曲．这些作品的共同之处都是追求中华民族音乐的神韵。

储望华在作品《新疆随想曲》(1978年)中的主要音乐素材就是根据郑秋枫的一首歌曲进行改编创作的。该作品的音乐风格热情洋溢，乐曲构思辉煌宏大，充分发挥了“随想曲”的艺术特征，用一个主题贯穿、变奏的手法将其自由展开和即兴发挥，和声语言新颖、情绪起伏有致．充分发挥了“钢琴语言”的技术特征。

汪立山在“新时期”创作了几部很有影响的钢琴作品，在创作风格上有了很大的创新。他大胆吸取现代作曲新技法．并把现代作曲技术与民族传统音乐相结合。汪立山《梦天》(1980年)的创作灵感来自唐代诗人李贺的同名诗，他在该作品中把十二音技法和中国民族音调结合起来，准确地表现出原诗的意境，此曲是我国最早运用十二音技法进行创作的钢琴作品。

罗忠镕在作品《钢琴曲三首》(1986年)的《托卡塔》、《梦幻》、《花团锦簇》中．同样运用了十二音技法，分别对音高、节奏、力度、音区进行了序列对比，特别是在第二首《花团锦簇》中还采用了数学的“菲波拉齐”数列对节奏加以控制．用以加强节奏在音乐中的作用。他还在十二音技法中加进了“五声性”的民族音调．并取得了很好的效果，该作品在1987年“上海国际音乐比赛——中国风格钢琴作品创作”中获小型作品三等奖。

赵晓生的《太极》(1986年)是以中国古代周易六十四卦逻辑系统为基础，并将古代阴阳哲学中的辨证逻辑关系与现代音集理论中的音高关系相结合自创了“太极作曲系统”而创作的。由于该作品能够很好地表现出中国现代的民族韵味。使该作品在1987年“上海国际音乐比赛——中国风格钢琴作品创作”中获小型作品一等奖。

音乐创作论文第6篇

印青作曲，石顺义填词而成的作品《天路》，歌词意境深远，深刻的体现了当代科技发展及各民族团结的繁荣景象。然而在20世纪70-80年代中，更为广泛传唱的则是《我们是共产党接班人》之类的歌曲，充分体现时代特殊性。当下流行音乐作品仍蕴含着较强的时代性，如李宗盛所作的《山丘》，歌曲意蕴是饱经沧桑富于坎坷生活积累的真实写照，更从侧面体现了现代都市背景下的群体爱情感悟，用他的话说：我想用音乐沟通一下我的人生经历。这首歌曲，无论是其曲调还是歌词创造都并没有太多的独特性，但其所传达出来的心境却恰恰契合了现代人的生活方式。由此可见，心境这一要素对于词曲的成功与否有着较大的影响作用。由此可见，音乐的创作不仅需要丰富的生活经历，要唱大众所唱，能走进人们平时生活的场景里，更要与时代背景相呼应。罗大佑的《滚滚红尘》，给人更多的印象感觉它是一首暗色调的青春回忆主题歌曲，然而通过两岸历史我们不难发现，在曾经的动乱年代中所生成的情愫或许会更让人难以释怀。那个动荡不安的年代感是难忘怀的，尤其在今天科技所给人们带来的社会变革对比下，人对于痛苦的记忆往往要比享受快乐的记忆更深刻。现代文明在不断的变革，有的经历是成功的，价值在于他曾狠狠地锻造了我们，使得我们倍加的珍惜和享受幸福短暂的人生旅程中淬炼出的人类文明。这种蕴含着深刻时代感的歌曲，不但较大程度了推动了音乐本身的发展，同时也满足了当时人们对生活感悟等情感的诉求，使得其更加适应潮流的发展。

二、中国特色的音乐风格

近几年流行的音乐栏目《中国好歌曲》，可以在一定程度上反映出当前我国流行音乐发展的现状，而其在市场上及观众心目中有着良好的口碑也正是因为其背后所蕴含的文化价值以及对我国传统文化的弘扬。当然，在充分认识到中国流行音乐发展所取得的成就的同时也要认识到其发展过程中所面临的问题。如在音乐创作理念上，随着受众们对自我价值追求的不断提升，使得其对流行音乐的诉求也更加个性化，这就要求创作者们要根据这些人的需求创作出更多真情实感且能打动人们心扉的歌曲，而不能只是为了获得商业利益而自顾自的进行批量化创作。

中国流行音乐想在当前国内外竞争激烈的音乐市场中获得新生就必须有所创新，而对大量中国元素的恰当运用无疑是其创新的一个突破点。近年来在一些歌手及作曲人的引领下，逐渐尝试探索出如何将中国元素有效融合到流行音乐中去。如歌手安雯，根据李清照的《一剪梅》创作的《月满西楼》，这曲歌曲就是保留原词的基础上仅以流行音乐的形式将其表达出来，在加深了原作深邃的表达方式的同时又巧妙的运用了借古喻今的手法，不得不让人感叹中国上下五千年经典文化所赋予当今流行音乐创作的潜力。

三、兼顾中国的传统文化

中国传统文化主张和谐社会是形成和发展的精神基础。传统文化中的和谐理念是人与自然、人与人、人与自身的三重和谐统一，其博大精深的思想内涵对我国和谐社会的构建是一笔弥足珍贵的历史文化遗产。它可以为我们构建人与自然、人与人、人与自身的和谐关系提供历史的智慧和现实的参照。改革开放以来，港台地区的流行音乐发展开始走入低谷。在这个时候，与大陆的长期隔绝使港台地区的流行音乐表现出一种尊重传统文化的趋势。而大陆的流行音乐文化水平在上升的时候，亦会注重怎么将中国传统文化注入新兴的流行音乐文化产业，用来提升具有中国特色流行音乐的文化内涵。

我国流行音乐发展并不十分理想，内地音樂不缺乏优秀制作人，也不缺乏潜在的市场，这是由于内地音乐创作存在先天性不足后天畸形的局限性所决定的。不着眼于全局未来市场，几乎不重视优秀歌手的培养，一些低俗缺乏专业素养的歌手越来越多，而具备音乐素养的，真正才德兼备的音乐人却很难生存，受挫于市场的调配，也从而大大的阻碍了中国流行音乐可持续发展的能力。

音乐创作论文第7篇

十九世纪的西方音乐世界已经被浪漫主义的浪潮所席卷，在浪漫主义之风盛行的当时，勃拉姆斯却依旧秉持着古典音乐的创作手法和理念。勃拉姆斯一生作品繁多，但是可以根据时间大致分为以下几个阶段。

（一）创作的早期在1853年到1864年这段时间，勃拉姆斯在音乐创作的初期阶段深受古典主义大师的熏陶和影响，其中受贝多芬和巴赫的影响尤为显著。在着两位古典主义大师的熏陶下，勃拉姆斯的作品创作大多都严格遵循古典主义的创作理念。作品内容大多是取材于德国民歌，表现着德国民间的日常生活状态和生活的气息。当时的勃拉姆斯年轻气盛才华横溢，充满了创作的激情和冲动。我们从勃拉姆斯早期的作品当中就能感受到其极佳的创作才华和源源不断的创作动力。早期的代表作品包括《打铁匠》、《真爱》、《爱的忠诚》等。

（二）创作的鼎盛时期1865年到1884年这二十年左右的时间是勃拉姆斯创作日渐成熟直至顶峰的时期。在这一段时间之内，德意志由分裂逐步走向统一，所以在这一段时间的作品当中，勃拉姆斯常常将祖国统一带来的喜悦和兴奋表现在作品当中，使得这一时期的作品表现出勃拉姆斯其他作品当中少见的活泼和轻松。这一时期的代表作品包括《德意志安魂曲》、《徒劳小夜曲》、《五月之夜》等等。在这之中，《德意志安魂曲》更是其一生的标志。这部作品与前人的安魂曲相比，无论在内容或是音乐形式上，勃拉姆斯的《德意志安魂曲》都开拓出了一个全新的境界。这是勃拉姆斯最伟大的作品，也标志着勃拉姆斯的音乐创作走向巅峰。

（三）创作的晚期1884年之后，勃拉姆斯进入了创作生涯的晚期，因为年龄和人生阅历的缘故，勃拉姆斯在这个时期的作品当中，更多的是对死亡和人生意义的探讨和追问。将音乐作品的音乐内涵从德国民间生活、时代精神转移到精神层面的深度思索。勃拉姆斯深受古典主义音乐的影响，创作风格一贯公正严谨。到了晚年，勃拉姆斯对自己的创作要求更是苛刻。这一时期的主要代表作品包括《死是冰冷的饿夜》、《在教堂的墓地》、《四首严肃歌曲》等等。

二、勃拉姆斯音乐作品的创作特点

（一）深深的民族烙印在浪漫主义时期，将音乐与民族风格相结合是这个时期的一个突出的特征。这也是勃拉姆斯音乐创作的代表特征。勃拉姆斯深受德国、奥地利民间音乐创作风格的影响，吸收了它们的创作特点。在音乐创作上，采用分解三和弦的结构，通过民歌般亲切自然的旋律，不管在形式上还是在内容上都表现得十分饱满丰富。勃拉姆斯在音乐创作的过程当中，将德奥匈等国家的民间音乐素材相互融合，创造出新的统一体，形成了自己鲜明的音乐风格。保持着民歌朴素、真挚、清新的特点，同时又包含丰富的情感表达。例如勃拉姆斯的《摇篮曲》就是勃拉姆斯因为好友喜得贵子而创作的。这首音乐的音乐素材来源于仑德勒舞曲，速度偏慢节奏和缓。作品旋律和缓幽静，包含着绵绵深情，仿佛是母亲凝望孩子的温柔眼神，充满了母亲对孩子的柔情和怜爱。此外，勃拉姆斯在钢琴伴奏的部分还巧妙运用了切分音，使得整个音乐作品表现力更加丰富，让人仿佛看见了一个慈爱的母亲在孩子的床头轻轻的晃着摇篮哄孩子入睡。

（二）深沉忧郁的抒情我们在欣赏勃拉姆斯的作品时，总能感受到在严谨的古典主义框架下的深沉忧郁的绵绵深情。勃拉姆斯的音乐作品将细致的情感刻画和思索融合在了古典主义的形式之下，将音乐欣赏和精神问题以及哲学问题的思索结合在了一起。在题材上，这些作品常常偏重于对死亡痛苦和刻画和思考。形成了勃拉姆斯特有的抒情风格。例如，勃拉姆斯在1873年创作的《你的蓝色眼睛》当中，勃拉姆斯通过舒缓的节奏和优美温暖的曲调，表现了作品主人公在经历情感波折之后，逐渐伤口愈合，找到了心灵的归处后的内心平静和愉悦。

三、音乐形式的复杂多样

音乐创作论文第8篇

关键词：格拉那多斯音乐风格

一位作曲家的伟大以及他真正的独创性，很大程度取决于他如何接受民族传统中的精华。格拉那多斯正是这样一位较好地在自己的创作中把本国丰富的民间音乐和专业技巧融合起来的伟大的西班牙作曲家。

1867年7月27日，恩里克·格拉那多斯出生于巴塞罗那。1879年开始学习钢琴，1880年在普霍尔音乐学院跟JoanBaptistaPujol学习钢琴。三年后，在学院主办的钢琴大赛上演奏了舒曼的钢琴奏鸣曲Op.22获得大奖，并给当时著名的作曲家费利佩·佩德雷尔留下了深刻的印象，1884年，格拉那多斯开始向佩德雷尔学习和声及作曲技法。格拉那多斯在巴黎音乐学院时跟著名的钢琴教授查尔斯贝里奥学习，在钢琴演奏技巧上受到了贝里奥很深的影响。贝里奥强调演奏中的即兴发挥，极大地激发了格拉那多斯的潜在才能。1889年，格拉那多斯回到巴塞罗那，出版了使他获得国际声望的西班牙组曲。

格拉那多斯不仅是演奏家，还是一名作曲家，他创作的作品范围包括室内乐、声乐、歌剧、交响诗以及钢琴作品等。同时，格拉那多斯还是一名卓越的音乐教育家。他于1900年创办了巴塞罗那古典音乐协会，1901年创立了格拉那多斯音乐学院，培养了许多著名的音乐家。

作为一名作曲家，格拉那多斯跟肖邦一样，将他的一生毫无保留地献给了钢琴艺术。格拉那多斯素有“西班牙的肖邦”的美誉。他的音乐既带有肖邦式的热情和温柔，又有其类似的精湛的作曲技法。格拉那多斯的音乐中带有一点忧郁的色彩，还有一种是能让人感受到纯粹的喜悦的音乐。他将这种喜悦升华，重新提炼，并通过他天才的艺术将其转变为更深层的情感。格拉那多斯共写了7部歌剧、2首交响诗、3部组曲和大量钢琴曲及其他各种形式的作品。虽然格拉那多斯创作了各种类型的音乐作品，包括管弦乐作品和大量的室内乐作品，而今天人们更为熟悉的却是他的钢琴作品，这些作品是格拉那多斯理想中的18世纪晚期19世纪早期的马德里的缩影。

格拉纳多斯最成功的作品是他的钢琴组曲《戈雅之画》，写于1912至1914年间。他一生钟爱西班牙画家弗朗西斯科·戈雅的作品，并为此创作了这部组曲。这部作品由6首小曲组成，标题分别是：

1.爱的告白

2.窗边的情话

3.烛光凡丹戈

4.叹息，少女与夜莺

5.爱与死

6.幽灵的小夜曲

其中以第3首和第4首最为出色。

同样因戈雅画作而创作的钢琴小品《卑微的男人》（又译《玩偶》），过去是为了填补换幕时间谱写的间奏曲（Intermezzo），今天则经常被当作独立的管弦乐曲目而演奏。

《12首西班牙舞曲》12SpanishDansesOp.37是格拉那多斯最著名的作品，作于1892至1900年。其中第2、5、11、12首以安达卢希亚民间舞曲为素材，其他8首以西班牙北部民间舞曲为素材。这部作品和阿尔贝尼兹的钢琴作品一起为西班牙民族乐派奠定了基础。

《音乐会快板》AllegrodeConcierto，升C大调，作于1903年，是在唱片中出现得较多的格拉那多斯的钢琴作品，也是格拉那多斯钢琴作品中的艺术珍品，演奏技巧非常难。钢琴组曲《浪漫的场景》（RomanticScenes）由6首小品组成，分别是：

1.玛祖卡Mazurka

2.摇篮曲Berceuse

3.迷人的慢板Lentoconextasis

4.小快板Allegretto

5.热情的快板Allegroappassionato

6.尾声Epilogo

《诗意圆舞曲》（Valuespoéticos），是格拉那多斯的另一部代表作，被改编成吉他独奏作品后流传更广。全曲由序奏、7首圆舞曲以及尾声构成。其中序奏是以2/4拍写成，圆舞曲旋律均优美动人，富于诗意。

《六首西班牙民谣小品》SixPiecesonSpanishFolksongsH.125是以原汁原味的西班牙民谣主题和钢琴的巧妙结合为特点的，约作于1895年。这六首小品（加上前奏曲共有七首）分别是：

1.前奏曲Preludio，升F大调，3/4拍，行板。

2.怀念Anoranza，d小调，3/4拍，稍快地。

3.节日的回忆Ecosdelaparranda，F大调，3/4拍，小快板。

4.巴斯克舞曲Vascongada，G大调，2/4拍，中速的快板。

5.东方进行曲Marchaoriental，c小调，2/4拍，中速的快板。

6.赞巴舞曲Zambra，g小调，3/4拍，行板。

7.踏步舞曲Zapateado，D大调，6/8拍，快板。

格拉那多斯在毕生的钢琴作品创作中，无不体现出其民族主义及浪漫主义色彩，但在民族性中又更多地具有个人的、内心隐秘的特点，这一特点甚至在许多风情画小品里都有所表现。格拉那多斯的音乐总的来讲并不怎么光明愉悦，他的形象往往蒙上一层淡淡的哀愁。笔者认为，没有任何一种描述可以准确地体现格拉那多斯的音乐特点，他的作品既有着永恒的音乐元素，同时又带有他自身独特的音乐特点。

参考文献：

[1]吴国翥等著.钢琴艺术博览[M].北京：奥林匹克出版社，1997.

音乐创作论文第9篇

关键词：古希腊罗马文明古典风格启蒙运动慢乐章

奥地利音乐家沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（WolfgangAmadeusMozart,1756—1791）,三岁弹琴，四岁识谱，五岁开始作曲，小小年纪就名满京都，轰动全欧。这个百年难得一遇的天才，“满脑子是音乐”，被誉为“音乐的上帝”。上帝创造了万物，莫扎特则以纯正的心态，笼天地于形内，挫万物于笔端，在他短暂的生命中，以其旺盛的创作精力，向世人奉献了大量充满灵性的音乐作品，这在人类文明史上是空前的。

音乐艺术绝不是原野上一朵独自开放、孤芳自赏的野玫瑰。为了更深地理解、把握莫扎特的音乐，我们有必要揭示莫扎特音乐创作的种种背景。

一、时代背景

莫扎特生活在18世纪的欧洲，正是非洲奴隶贸易最猖獗的时期。因为美洲的土著印第安人数量有限，且由于杀戮已濒于被灭绝的地步，所以那里的甘蔗、烟草、棉花、咖啡和香料等经济作物的种植迫切需要大量的、廉价的奴隶劳动，为的是向欧洲提供更多的原料。所以奴隶贸易的规模直接影响到欧洲国家的兴衰。欧洲几乎所有在海上从事贸易活动的国家（如葡萄牙、西班牙、荷兰、英国、法国、普鲁士、丹麦、瑞典）都在非洲大陆参加了奴隶的贩运这项“贩卖人类血肉”的罪恶勾当。其残忍性，不亚于20世纪的奥斯威辛集中营。

18世纪中叶欧洲国家之间的七年战争（1756—1763年）爆发那年，莫扎特刚好出生。开战的原因是普奥争雄与英法争霸。童年莫扎特巡回演出开始于1762年，正是欧洲战争此起彼伏的混乱时期。

18世纪的欧洲，古希腊、罗马文明的面纱再度被揭开，特别是在被埋没多年的庞贝及赫库兰姆两座古城的重新发现和挖掘，掀起一股埋没和遗失已久的古典思潮，形成了一股新古典主义浪潮，这股新浪潮深刻地影响着艺术创作的风格。莫扎特正好生逢“开明专制”的盛世，开明的君主约瑟夫二世（1741—1790），于1765年继任“德意志民族神圣罗马帝国”的皇帝，皇帝推崇伏尔泰等启蒙学者的学说，推行改革，在奥地利历史上开始了资本主义工商业的商品生产。生活在政治上一个比较宽松、比较自由的时期，莫扎特才得以创作了大量古典风格的音乐，激发了18世纪欧洲对古典风格的热烈崇拜。

莫扎特音乐艺术的根，正如近代欧洲文明的根一样，必须到古希腊、罗马去寻找。莫扎特音乐艺术的古典风格源自新古典主义浪潮的影响，犹如古希腊、罗马的建筑艺术风格一样，不仅崇高、庄严、静穆，且华贵、典雅。莫扎特在乐曲中营造出一种心旷神怡的优美氛围，靠直觉来表述自己内心对阳光、月光和星光下的世界人生的种种印象，具有对称美和稳定的和谐美。

二、思想文化背景

18世纪的欧洲，同时也是启蒙运动时期。启蒙运动，是一种将思想与信仰根植于对古希腊、罗马文明研究的运动；启蒙运动思想家伏尔泰及其支持者们相信理性及对知识的追求，将带领人性进入真正快乐的源头。在这种启蒙运动精神的推动下（在这个运动中，对任何问题都鼓励质疑和提出问题），欧洲开始尝试完成全球地图。

在莫扎特的年代，短暂且卓越的探险热潮，正是18世纪启蒙运动下的产物。詹姆斯·库克船长沿东澳大利亚征服南太平洋的探险航行，是哥伦布发现美洲大陆以来最大一次扩展了欧洲的地理知识体系，奠定了填补航海图上最后一大块土地的基础。而一个18世纪的浪子——贾科莫·卡萨诺瓦轻浮、放荡的一生恰恰是与18世纪启蒙运动的理性主义对立的最佳写照。他从18岁起（1743年），一直到1784年退休，都在欧洲骗吃骗喝，专门喜欢与国王、贵族、名人等高层次人士往来，还赢得世纪最伟大情圣之一的名声，这也是18世纪欧洲上流社会真实生活的生动写照。

莫扎特音乐的本质和灵魂也是启蒙。简单易懂的莫扎特音乐语言发展，亦与18世纪启蒙运动的思想密切联系。莫扎特应用简单易懂的音乐语言符号，采用奏鸣曲曲式，运用不同主调之间对立与平衡的全新表现技巧，在短短的29个春秋寒暑一共创作了626首曲子。这是上帝专门派来赐给人类的如珠似玉的旋律。

三、生理和心理背景

1.对疾病的沉思

莫扎特自六岁起，直到临终，他都是一个疾病缠身的人。也许，没有疾病的痛苦，就不会有深沉的音乐产生。莫扎特的音乐创作生涯都是在疾病缠身的煎熬和拼搏中度过的。若从医学角度看，他的不少乐曲在某种程度上实在是一位患者主诉病历的档案。当然，莫扎特很少公开抱怨自己的恶劣健康状况，他总是一个人默默地忍受着。疾病所造成的痛苦并没有把他推向颓废的泥潭，走向厌世和悲观主义，相反倒促使、刺激他跑到音乐艺术世界去寻找出路，用旋律、节奏以及和声的语言诉说其生存状态，描述其人生的根本处境，从而得到解脱。

在《D大调第五钢琴协奏曲》（作品第175号）中，活跃、开朗，有朝气的第一乐章是他对生命的一首赞歌，而在慢乐章的展开部出现了沉思的段落，这是他祈求上帝使他正确对待疾病的一段内心独白。该曲创作于1773年，莫扎特17岁，正好抱着有病的身子走向自己的青年时代。如此孱弱的躯体，却有如此旺盛的艺术创造力！真是不可思议。

2．对死亡的默念

对死亡的默念，有一种乡愁伴随，这是莫扎特的许多慢乐章的主题。他把死亡看成是生命的最后归宿，正是死亡刺激了他去紧迫地、频繁地思考生的意义。

在人对生的渴望和死亡之间，存在着永恒的冲突。莫扎特用作曲，用钢琴和小提琴做武器，同死的绝望感进行抗挣。他的最后三首弦乐四重奏便是莫扎特晚期同死的绝望感进行抗挣的“战利品”：《D大调弦乐四重奏》（作品第575号），创作年代是1789年夏天；《降B大调弦乐四重奏》（作品第589号），创作年代是1790年冬；《F大调弦乐四重奏》（作品第590号），创作年代是1790年冬。

联想起贝多芬的《a小调弦乐四重奏》，它的主题思想正是贝多芬对“恒久的孤独生存”的有力对抗和报复。这两位世界上最伟大的作曲家在行将就木的日子都用了弦乐四重奏来抗击心中的死的绝望感，真是意味深长。

艺术就是有这样一种神奇的魅力：即使是痛苦、悲哀和绝望，一旦经过艺术处理，也会升华为审美对象。

3．做一个自由作曲家的“烦”

身为一名音乐神童，莫扎特曾与欧洲贵族交往密切，他认为自己与任何贵族是平等的（正如他在歌剧中所体现的）。但莫扎特仍隶属于萨尔兹堡的统治者——施拉腾巴哈大主教及他的继承人——科洛里多伯爵。他在这样的从属地位上，常感到局促不安；他容忍不了主仆关系中雇主科洛里多的专横和压制，在经过几次意见纷争以后，终于在1781年（25岁）挣脱了依附关系而走上自由作曲家的道路。他为了摆脱经济上的困境，总在为找寻宫廷里的一个职位而劳碌奔波。不幸的是，当时的观念是贵族赞助者均视作曲家为仆役，莫扎特历经坎坷，仍负债累累；英年早逝，劳生一梦。

莫扎特性格中有内向的一面，他善于把同世界的矛盾、冲突掩盖在自己的内心深处，将做一个自由人的种种“烦”转化为旋律。他的四首圆号协奏曲是他对“烦”的狠狠报复，因为他觉得用圆号来“笑”劳生一梦是很过瘾、很解恨的一件事，他企图通过圆号那响彻云霄的号声来缓解其内心的“烦”，宣泄出同世界抗争的愤懑。

莫扎特的音乐越往后，越到他的晚期，他反抗世界、自我挣扎的成分越多，乐曲境界就越高，震撼人心灵的力量也越大。到了临死前的三四年，莫扎特的乐曲中透出的人同世界相抗争的“力”就越大。

人类的精神和文明只有发展到了欧洲的18世纪，才能孕育出莫扎特音乐语言符号系统。音乐作为一门艺术，一种语言符号系统，使18世纪的欧洲为之发狂，则是莫扎特的伟大功绩。

参考文献：

[1]侯康为．从古典的角度思虑自然——莫扎特自然主义与人文思想的来源．齐鲁艺苑．1999（1）P45-49

[2]金予湘．关于莫扎特的音乐风格及其作品演奏技巧．郑州航空工业管理学院学报（社会科学版）2002（3）P74-76

[3]戴起源．对悲剧性艺术风格作品的演绎探寻——兼谈莫扎特《C小调幻想曲》的创作与美学意蕴．艺术教育．2006（5）P89-91

[4]于润洋主编．西方音乐通史．上海：上海音乐出版社，2001年版．

[5]莫扎特．莫扎特书信集．钱仁康编译．上海：上海音乐学院出版社，2003年版．