关键词：音乐教育；教育意识；新意识
中图分类号：G633.951文献标识码：A文章编号：1005-5312（2010）23-0169-01
一、首先我们要注意，开展音乐教育的切入点要有创新意识
我们都已经意识到长期以来，我们的教师习惯于夸大自己在课堂上的“主导”作用，习惯于把学生当作教学的对象，当作知识的承载体。为了在有限的教学时间内向学生传输尽可能多的知识信息，增大课堂容量，于是“填鸭式”的教学方法几乎成了课堂教学普遍采用的方法。反映在音乐教学上，教师为了确保“基本技能”和“基础知识”教学目标得到落实，一味地强求学生进行枯燥的技能训练，不厌其烦地、长时间地讲解乐理知识，要求学生背诵大量音乐家的生辰年月、代表作品等等。无疑，这种把学生当作教学活动的客体的做法，极大地损伤了学生的主观能动性和创造积极性，影响了学生个性的发展。因此，我们可以看到现在有许多音乐课堂里教师们正在尝试角色的转换，比如有的音乐教师一改过去站在讲台上，居高临下，俯视众生的做法，走到学生中间去，与学生围坐在一起，甚至也像孩子一样戴着头饰与学生一起唱唱、跳跳，把个音乐课上得生动活泼、轻轻松松。
针对这一群体、这种现状，我们的音乐教师的观念中必须放下高雅艺术所谓高高在上的架子，寻找一个尽量与学生的认知水平相贴合的切入点，国外流传一种说法一个高明的教师，既了解学生想要的，也知道学生缺少的，更加懂得如何让学生快乐地得到他不曾想得到的。这和论语中的“知之者不如好知者，好知者不如乐知者。”是不谋而合的。实施音乐教育应该顺应学生的认知水平和审美需求寻找他们能接纳、不抗拒的事物，并从共同的话题入手，多寻找音乐、艺术和其他事物之间的联系，最终使我们希望学生能接受艺术的熏陶，从而提高个人的素质和修养。
二、其次我们要掌握音乐教育中研究性学习的实施过程
（一）激发学生产生研究学习的兴趣
兴趣是学生学习的内在动力，激发学生的研究性学习动机，调动学生的学习兴趣，能给学生创造一种最佳的心理状态，激励其学习的积极性、持续性、深入性和创造性。让学生在学校生活、家庭生活、社会环境中产生的对某一方面的兴趣爱好与课题研究结合起来，从“要我研究”变为“我要研究”，变任务为兴趣，从而提高研究的积极性和思维的活跃性。因为兴趣，学生在某些方面知识的积累，对有关信息进行关注，从而推动研究的深入进行。具体到音乐课研究性学习而言，注重选题的趣味性也是至关重要的。教师在设计研究性学习课题时应该首先考虑并了解学生对音乐的哪个方面感，然后在学生感的方面来设计具体的课题。在我实施研究性课题“流行音乐的发展特点”的选题中我就充分利用学生爱好流行音乐的这一特点来激发学生的积极性。
（二）如何确定研究性学习的主题
在我国研究性学习课题的选择有两种模式一种是学生自己提出课题，教师提供参考意见；另一种是教师提出课题，学生自己选择参加，两种都实现了师生互动。在进行课题实施中我将两种选题方法分别对学生进行尝试。首先让学生自己提出课题的尝试，因为在学习前期，我做了大量的准备工作，刺激了学生的多种感官，对他们的心理、行为、情感发生影响 ，在学生的积极参与中，从你一言我一语中得到启发，并且不断思考产生的新问题，所以学生才能最终确定研究主题和方向，形成主动参与的行为。学生通过亲身感受和体验，能够饶有兴趣地提出自己想研究的课题，通过师生的共同商讨，最终由学生确定了研究性学习的课题。但是，经过一段时间研究性学习实验我觉得采取学生自己提出课题的形式效果不够理想。对于一些学生来说研究性学习是一个新的领域，对于学习的方法、方式、过程不是很熟悉，并且教师与学生接触的时间有限也是一个不利因素。因此对于未接触过的学生，最初课题的提出最好由教师设定，希望通过教师第一次问题的提出，能够起到“抛砖引玉”的作用，让学生在这种活动中学会主动参与，独立思考，积极探索，养成良好的学习习惯。这样就会逐步培养学生自己提出问题、自己解决问题的学习发法，这也正是提倡研究性学习的目的所在。
三、还有我们要注意音乐教育的培养目标要创新
（一）学生创新意识的培养
在传统教育思想的束缚下，学生循规蹈矩，不敢越雷池，不想标新立异，即使偶有另辟蹊径的非分举动往往也会在初尝失败的苦涩后就心灰意冷，这就反映了学生在创新能力的非智力因素方面存在严重的缺陷。要弥补学生这方面的缺陷，首先要打破学生对老师的迷信，不要把老师的话当“圣旨”，要让他们用质疑的态度去听取老师的讲解，用批判的眼光去看待周围的事物，因为没有怀疑就没有科学的发明，就没有人类社会的进步。
（二）学生创新胆识的培养
有了创新的意识不等于就能进行创新。我们的学生普遍地还缺乏创新的胆识。其实这胆识孩子们本来是有的，只不过是随着年龄的增长，胆识就在家长和老师的“紧箍咒”中逐渐消失了。在国外，学生在音乐室就喜欢摆弄陈列在教室里的乐器，他们从自己“胡乱制造”出的嘈杂音响中获得无限乐趣，老师会用赞赏的眼神鼓励学生们的“胡作非为”。而在中国，这种举动一旦被老师发现，照例会遭到一通批评。可想而知，学生的探索热情和创造冲动也就随着老师的批评声飞到了九霄云外。
（三）学生创新方法的培养
学生仅仅“敢创新”还不够，还要“会创新”。要使学生会创新，就必须帮助他们储备丰富的基础知识，掌握必要的基本技能，养成多向可变的思维习惯，学会基本的创新方法。
我们切不可认为，培养学生的创新能力只能通过作曲训练来实现。其实，在音乐教学的各项活动中均可达成这个目标。因此，可以肯定地说，在音乐教学中培养学生的创新能力，其途径是广泛的。我们可以在唱歌教学中，让学生为歌曲重新填词；可以让学生根据自己的想象，用不同的方法来处理歌曲；可以由学生自己决定采用不同的演唱形式；甚至可以指导学生把某些歌曲加上少量对白，改编成有情节的音乐小品；在欣赏教学中，我们可以让学生边听边用体态及简单的动作表现自己的感受；可以让他们把自己对某段音乐的感受尝试用文字或语言表达出来，甚至可以要求学生画一幅画来表现音乐的意境；在律动和表演中，可以让学生自己设计动作；可以让学生自由结合，自由分组，并设计本组的队形变化等。
四、最后还需注重研究性学习的交流评价与成果展示阶段
研究性学习不仅注重学生的学习过程，而且注重学习过程中学生间的交流、感受和体验。通过学生在研究学习过程中的表现，教师来考察学生在研究活动中从发现和提出问题、 分析 问题到解决问题的全过程所显示出的探究精神和能力，也要通过活动前后的比较和几次活动的比较来评价其发展状态。教师需要灵活掌握对学生的评价。研究性学习的评价可以采取教师评价与学生的自评、互评相结合，对小组的评价与对组内个人的评价相结合，对书面材料的评价与对学生口头报告、活动、展示的评价相结合等做法。教师还要指导学生写好研究日记，及时记载研究情况，真实记录个人体验。就这样，学生们在研究中学习，在交流中进步，闪烁出创造性思维的火花，探究兴趣越来越浓，超越了书本认知的层次。最后，在课题研究完成后，课题组应当写出课题研究报告作为成果的主要形式，学生通过撰写研究报告可以培养自己归纳、 总结 、概括、推理和论述能力，学会展示自己的工作和成果；总结和反思自己的研究工作不断提高自己的科研水平。
教育是一个循序渐进和日积月累的过程，音乐教育的作用更是潜移默化、润物无声的，让职业学校的音乐教育在创新意识的推动下发展壮大，为青少年艺术素质教育提供广阔的空间。
参考文献：
[1]郭声健.音乐教育论[M].湖南文艺出版社，2004.
社会艺术教育开展的途径有很多种，其中当今社会最常见的一种方式就是一个个稚嫩的肩膀背着各种乐器在家长的带领下来到当地的一些艺术培训机构参加各大艺术院校组织的业余水平等级考试，也就是人们通常所说的“考级”。众所周知的“艺考热”“考级热”在当今已经不再是一个新鲜话题，但作为一种长期存在的社会现象，国家和地方似乎也没有出台什么行之有效的政策或方法去遏制它们的不良发展，一直任其随波泛滥。艺术考级自1987年传入我国内地以来，虽仅仅经历了短暂的二十几个春秋，但考级市场的发展之快，在社会和群众中的影响力之大是无法比拟的，即使这种考级制度还略显年轻，还不健全仍有漏洞，但也已经形成了一套相对完整的评价体制并且惯用至今。就拿音乐考级来说，其实质就是由该领域的专家制定好每个等级演唱或演奏的固定曲目，应试者若能驾驭得了该曲目便通过考试并获得相应等级的证书，反之就被淘汰出局。仍以音乐专业为例，我国目前共有音乐学院九所，每个音乐学院都有其面向社会且针对业余音乐水平的等级考试，而且各院校考级办法几乎一致，考试内容大多是要求应试者演唱或演奏该级别内规定的一首或两首特定曲目，评审团老师们进行统一打分，最终结果取决于评审老师们的综合意见。各院校考级制度的不同之处无非是同一级别不同院校规定的考试曲目难度之间的差异，即不同院校在同一级别上对应试者的要求不同。这就造成了考级制度的一个弊端，也是我们常看到的一种现象：某个音乐爱好者通过了这所音乐学院的业余十级考试，但他在另外一所音乐学院的等级考试中却只能拿到业余八级的证书。这里并不是说前者院校不如后者，而是表明每个学院对于相同级别的考试所要求考生达到的音乐水平不同，或者说对于相同的水平，不同院校有不同的归档，这充分说明了艺术水平的高低实际上并无统一的评价标准。
二、建立教育评价体系等级制度的必要性
当然，任何事物都要求我们必须用辩证的眼光看待，大多从事艺术教育方面研究的学者已经将这种发展趋势下会造成的不良后果总结的非常详尽，笔者在此就不一一重复例举，而是简单谈谈其另外有利的一面。尽管我们多次重申艺术教育是一种审美教育，强调艺术水平划分等级既不科学也不人性，艺术不能仅仅注重技艺，那样便只会培养出工匠而非艺术家；或许也有人会说这样的等级制度缺乏人性，甚至会使一些音乐爱好者遭受心灵上的打击从而放弃对音乐以及对艺术的喜爱和追求。但在目前的情况来看，不论是等级也好标准也罢，这是我们检验应试者真实水平的唯一途径，就像一年一度的高考，我们根本无法在短期内找到一个更加科学合理的择优方法将它取而代之。这种分级制度或许在相对非专业的社会艺术教育来说这仅仅是一个衡量标准，而然一旦将这样的制度与我们高等艺术院校的专业性艺术教育相结合，那么它的功效就会被无限放大，直接关系到我国高校艺术教育的整体教育质量问题，这是当下保证学校教育质量的最为有效的手段和方法，同时也为培养更多合格的和更加优秀的艺术人才提供了专业方面的水平依据。
三、高校艺术教育与社会业余艺术考级制度的关系
笔者之所以提出高校艺术教育评价体系可以借鉴社会业余艺术考级制度这一新思路的原因有以下几点：
（1）首先从理论上来讲
社会艺术教育近几年的发展基本上已经相当成熟，虽然仍有一些制度上的问题需要改善，但毕竟已有其相对完整的一套管理和评价体系，相比之下，各高校的艺术教育制度在这些方面明显“自愧不如”，那么将社会业余水平测评体系中的一些已经成熟或相对完善的制度和评价办法有的放矢地借鉴到各大高校的艺术教育中，至少在理论上可以成为我国学校艺术教育制度改革的一次创新。
（2）其次从评价体系自身的初衷来看
无论是专业的艺术教育或是业余的艺术教育，其教育目的本质上是一致的，最简单直观的目的无非是使受教育者在某项艺术科目上达到一定的技艺和水平，从而实现无论是教授或者表演的能力，而评价体系就是检验教育者是否达到了各自的教育目的，同时受教育者是否具备了应有的艺术能力的一个标尺。无论是业余的还是专业的艺术教育，他们的出发点和归宿是一样的，评价体系在他们各自教育体制中发挥的作用也是相同的，这是二者可以相互借鉴的前提基础。
（3）再次从艺术教育的本质来看
不管是社会艺术教育还是学校艺术教育，艺术教育的实质终归是通过对受教育者在艺术理论、艺术技巧、艺术实践等一系列知识的言传身授，从而培养其艺术感知、艺术鉴赏、艺术表现、艺术创造等能力的过程，是一种审美教育。社会教育和学校教育最大的不同在于受教育群体的差异，但无论对于哪一类人群进行艺术教育，其审美教育、情感教育的本质是不以客观因素的变化而发生改变的。因此，艺术教育的本质是连接社会考级制度与高校艺术教育评价体系之间的纽带。
（4）最后从社会艺术教育在我国发展所经历的客观事实来看
【关键词】“三观”教育；艺术教育；作用
无论是“三观”教育，还是艺术教育，其本质都是培养对社会有用的人，这不仅体现了教育的本质，而且也是教育的永恒主题。党的十八届三中全会《决定》在“深化教育领域综合改革”部分特别强调“改进美育教学，提高人审美和人文素养”，这为高校艺术教育指明了工作方向。 通俗意义上来讲，美育和德育的结合来自“真”、“善”、“美”。艺术离不开道德的约束，道德也需要艺术的滋养。树立正确的“三观”不是可有可无的事情，而是确保艺术教育发展正确方向的重要保证。
一、艺术教育应强调世界观的教育
马克思主义认为世界观是人们对整个世界总的看法和根本观点，它包括人们对自然世界、社会世界和精神世界三个部分的看法。
从某种程度上讲，艺术则天然包含着世界观的教育。如中国商代，“礼”是指道德伦理教育活动，“乐”是指具有审美性质的艺术教育活动，在礼乐文化下，道德和艺术共存一体，用以维护社会秩序上的人伦和谐。中国近现代，随着德育和美育的提出，艺术教育的育人功能也得到了更深入的探索，蔡元培认为美感教育具有与宗教相同的性质和功用，提出了“美育代宗教”的口号。在西方社会，康德认为最高的审美理想是：“只有既符合美的规范观念，又表现了道德理念，才是美的理想”。他认为最能恰当地象征道德观念的直观形象是美，在审美的直观中间接地表现了道德理性的观念。由此可见，艺术教育作为美育的重要途径和方法，尽管中西方在表述、内容、形式上有所不同，但在二者之间的关系上的认识是一致的。
二、艺术教育应强调人生观的教育
马克思主义认为人生观是对人生目的、意义的根本看法和态度。是世界观在人生问题上的具体表现。它指导着人们的生活方向，影响着人们的道德品质和道德行为，决定着人们一生的价值目标和生活道路。
科学的人生观对于人的道德品质和道德行为的形成，对于每个人人生价值目标的确定和生活道路的选择具有极其重要的意义。
艺术教育是教育中不可缺少的组成部分，是实施全面素质教育的重要内容。当前，人们常常自觉不自觉地用专业艺术教育的眼光和要求来看待艺术教育，因而往往使艺术教育的发展偏离了素质教育的方向。重视提高，忽视普及；重视比赛，忽视教学；重视艺术尖子人才，忽视面向全体学生；重视艺术比赛的结果和成绩，而忽视活动本身的育人要求；重视专业知识和技能，而忽视审美能力和艺术素质的培养等，这些都偏离了艺术教育的方向，不利于人才的培养。专业艺术教育是一种选拔尖子人才的教育，它所面对的是极少数具有较高造诣和较高条件的学生，采取沙里淘金的淘汰方式进行培养，而非国民素质教育。而艺术教育则应是通过艺术手段达到教育的目的，即通过艺术课教学和艺术活动，提高人的艺术修养，促进其身心各方面和谐全面发展。
注重艺术对人思想道德品质的熏陶，培养人高尚的思想道德品质。艺术对人思想道德品质的熏陶主要是通过艺术培养人强烈的爱国主义情感。这种爱国主义情感包括对祖国大好河山的热爱；对社会主义祖国的热爱以及强烈的民族自豪感。让人强烈感受到社会主义新中国的来之不易和社会主义现代化建设的强劲动力，不仅能够使人获得艺术的美感，更使人产生一种由衷的民族自豪感。
注重艺术对人道德情操的熏陶，培养人良好的道德情操。艺术用美的魔力作用于人的情感，引起联想、激动、共鸣，以潜移默化的方式使人接受道德情操、精神品质的熏陶渗透。强烈的艺术感染力能够触及人的心灵深处，陶冶人的情操，使人的素质得到更全面的提高。
注重艺术对人理想信念的教育，帮助人树立坚定正确的理想信念。艺术对于人理想信念的培养并不像思想政治课程的教学具有直接性，而是一种潜移默化的过程，主要用艺术影响人树立一种积极向上的人生理想。使人产生一种精神上的共鸣。
三、艺术教育应强调价值观的教育
马克思主义认为价值观是指人们对事物的价值的基本看法和总的观念，是人们对事物的价值取舍模式和指导主体行为的价值追求模式。
价值观是人生观的核心内容，艺术教育应强调价值观的教育，本来应该是艺术教育中人生观教育的内容，之所以把价值观从人生观中单列出来，是因为目前在艺术教育中对于价值观的教育出现弱化的趋势，而现在人们的价值观普遍出现扭曲的倾向。
首先，艺术教育中对于价值观的教育出现弱化的趋势。当前一些艺术教师为了追求单纯的课堂教学效果，过于迎合人的口味，注重了流行艺术等通俗艺术的教育，而在一定程度上忽视或轻视艺术教育中的价值观教育，从而弱化了艺术教育的价值观教育的功能。
其次，现阶段人们的价值观也出现扭曲的倾向。由于受国际国内一些错误思潮以及一些扭曲的成人价值观的影响，现阶段人们的价值观也出现扭曲的倾向，拜金主义、享乐主义、极端个人主义在人中广受欢迎，严重毒害了人们的身心健康。
传统艺术教育始于欧洲，欧洲传统的艺术教育为大学艺术教育的教法理论做出了巨大的贡献，既为职业教学提供了教学理论和方法,又为学生提供了社会训练。
欧洲的艺术与设计教育是从传统艺术教育中延伸出来的，艺术与设计教育在西方开始于视觉艺术，也就是传统的绘画和雕塑。早期与艺术设计有关的教育，主要是传统工艺品的设计，它在很大程度上是受到了欧洲传统艺术教育基础的影响。在西方，如果追根溯源，最早的艺术学校是在公元前400年左右在希腊建立的，在帕拉图的著作中提及到有关画室教授学徒。欧洲传统的艺术教育中，就是以写实型的绘画训练为基础，我们称之为“学院派”，起因是出自于在17世纪中期就形成了这个教育训练方法的法兰西皇家美术学院。欧洲传统绘画的特点，就是再现与强调描述。长期以来画家们都是把如何有效地表现故事场景、描绘具体的情节或表达某种寓意来进行艺术创作的。
早在艺复兴时期，艺术教育在意大利就发展得比较成熟了。文艺复兴时期的艺术家们，在艺术教育的教学教法领域中提出了许多有价值的想法。在技法纯熟的艺术大师们不断地创作过程中，获得了独特的艺术教育的理论和方法,这些都是按照被保留下来的古代文明的碎片进行了整理和收集。艺术家们不仅恢复了博大精深的欧洲传统艺术,也为欧洲传统艺术教育创造了艺术教育历史上的里程碑,达到了人类不为所知的高度。在14-15世纪早期，画家乔托等就对大自然的景象进行了十分逼真的描绘，与当时的人文主义思想相结合，虽然有些呆板僵硬的痕迹，却也显示出了与中世纪所不同的现实主义风格。15世纪末到16世纪中叶，出现了达芬奇、米开朗琪罗、拉菲尔“盛期三杰”。 提香·韦切利奥被誉为西方油画之父，继承和发展了威尼斯派的绘画艺术，提香对于欧洲后来的绘画艺术有着很大的影响。艺术泰斗们使得这一时期的艺术水平达到了前所未有的高度,同时也到达了最为繁荣和鼎盛的一个时期。
14到16世纪间的人文主义是用来描述比较先进的思想，这段时间里文化和社会上的变化称为文艺复兴，而将教育上的变化运动称为人文主义。在当时的社会，是人们对于拥有崇高的理想和知识教养具有惊人的吸引力的时期,而要实现对于人文主义知识的尊重,就要联合起最不相同的人们：地主和穷人，艺术家和商人，贵族和知识分子。他们不按社会特征区分自己,甚至不按出生地位和财富而按照人文知识的态度来进行划分。人文主义成为了他们拥有对自我征服现实生活的完整性,而沉醉于人文知识的人文理想，为意大利佛罗伦萨的人文精神，没有疲劳和懒惰的感觉,允许他们毫无保留的杰出的创造，从而意味着获得真正的高尚。
在当时著名的人文圈子中,像公爵卡西姆.美帝奇那样,经过自己的学习教育和所有的著名的艺术家,诗人和哲学家一起使得文艺复兴驰名。
在文艺复兴时期，已经形成了传统绘画艺术的三个主要系统：透视学、人体解剖和色彩学，老师们通过工作室将这些技巧传授给学生，就是传统的艺术学徒制度，从此就形成了较为系统的艺术教育教学方法。到18世纪，欧洲大多数国家都设立了这样的美术学院，法国、荷兰、比利时、瑞典、波兰、德国、奥地利，一直到俄罗斯，都有美术学院的设立，并且基本都直属皇家管理，显示其艺术服务对象是皇室贵族。随着当时社会经济的发展，需要很多艺术装饰的专业技工，从而衍生出各种工作室，绘画，雕塑，建筑和各种各样的装饰技法。 到17世纪中叶，法国的皇家美术学院设立了绘画、雕塑、建筑三个学院，有了更加明确的专业设置，但是教育方法还是和文艺复兴时期意大利的画室制度相似，还是以视觉描绘技法为主要训练目标，这种画室制度至今都在影响欧洲其他许多国家。在19世纪中叶，因为皇室贵们族对艺术品、工艺品的需求量越来越大，各个艺术学院都增设了与设计有关的专业，比如家具设计、室内装饰、园林设计、首饰设计、陶瓷设计、编织和印染设计等等。虽然教授艺术技巧，各自所教的不同，但也都是通过教学提高学生的审美经验，注重提高学生的文化修养，在教学过程中，更加注意学生解决实际问题的能力，在这个基础上来培养学生创造性思维的能力。
所有的著名的艺术大师都拥有对在自己身边的学生的教育，对他们的艺术教育的实施负责,而这不仅仅是师教问题,教学问题和对学生们的教育问题。在文艺复兴时期伟大的艺术家阿尔布雷特·丢勒留下的艺术作品和著作当中,我们可以看到他无论是在艺术教育理论的领域上,还是在艺术教育方法的领域上，都创造了让人激动不已的巨大的价值。丢勒, 在世界艺术史上具有划时代意义的艺术家，他将意大利文艺复兴的形式和理论传播到欧洲，创造和奠定了德意志民族画派的传统和基础，并极大地影响了此后世界艺术的发展，也是欧洲文艺复兴时期最伟大的代表人物之一。
就像伟大的古希腊画家认为：“在艺术创作中，不应该只是停留在普通认为的视觉的表像上,而是必须在依靠准确的科学知识上来进行理解和表现。”和丢勒同一时期的艺术家和素描理论家列尼桑斯·列奥·巴基斯特在《关于绘画的三本书》一书中写到：“我认为拥有高尚头衔的年轻人开始学习绘画时，都必
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须要知道古代画家巴姆非的格言，他认为一个好的画家要想能真正画的好，就必须要很好地懂得绘画理论。”丢勒在自己的格言中也提到：“关于在平面绘画基础上的原理以及正确的教育理论，要给予科学的教学方法…”同时，他也认为绘画并不是像机械训练那样只是对照实物描绘，而是要像智慧的科学训练。这个科学的艺术教育宗旨反映在以后的米开朗基罗的话中：“用头脑去画，而不是用手。”
在所有的艺术教育发展过程中，丢勒的建议是从认识实物再到平面绘画上。在古希腊时期，这个原理就奠定了古希腊艺术教育着手于学生们和拥护者们从主观观察自然，到归结为客观认识自然的景色，这也是艺术教育教法确立的初期，从只是对照实物绘画的基础上转变为真正的依据科学理论来进行分析绘画。这个新的艺术理论在当时的欧洲艺术教育中产生了很大的影响。伟大的建筑师弗罗列·布鲁涅列斯基和伟大的雕塑家多纳泰罗在对古希腊和古罗马艺术完美性的寻找研究中，从佛罗伦萨到罗马，在那里他们开始测量建筑的细节和绘制教堂的计划。著名的圣母玛利亚教堂的穹顶就是这位天才建筑师布鲁涅列斯基归结为对自己这一研究的明确结论，并且认为这个巨大的从容不迫的建筑就是他毕生所为之奉献的志向。
而意大利雕塑家多纳泰罗则是真正的改革者，他用自己探索领域的广泛性和多才多艺的天赋在欧洲立体艺术后面的发展中有着巨大的影响力。多纳泰罗在关注建立浪漫派教会浮雕的基贝尔基的工作室教学，他很快的就形成了其独特的艺术风格，并开始创立独立工作室。多纳泰罗去罗马的旅行还促进了他对古代艺术的更深层的理解，也促使了欧洲传统的艺术教育处于佛罗伦萨教堂讲坛中那些浮雕艺术的实现。
也许，古代欧洲的马克·阿弗列里亚的纪念碑，正是鼓舞多纳泰罗在意识上重新认识到艾拉茨莫·达那勒尼骑马的浮雕，这是位于巴杜阿教堂广场上的第一个骑马的布鲁涅列斯基纪念碑，它也是以后时期在欧洲城市建立的所有骑马的浮雕的始祖。
后来的本·罗基欧继续创作这个题材时，他的工作室就成为了运动解剖学的人文研究的中心之一，在那里得到了文艺复兴时期的伟大创始人莱昂纳多·达·芬奇的指导。达·芬奇在其身后留下的诸多教学笔记和素描中，可以证实关于他的包罗万象的天才智慧。《绘画论》是达·芬奇最著名的理论著作，这部未完稿的理论著作在素描艺术教育教法的发展中具有相当大的影响力，是文艺复兴时期理论研究的重大成果。在这部著作中，包含了有按照解剖学的主张和展望来发展绘画艺术的教育，他努力寻找能够使人体运动协调的结构和规律性，依据科学理论研究出色彩关系和反射作用。他像严肃看待科学的学科那样来看待素描绘画艺术。然而达·芬奇指责阿里列勒基和丢勒借助于计算的绘画方法，他明确的回答这个绘画体系对学生有害，但这个绘画体系的发明是由那些不会独立绘画，只会用自己论述的观点和理论去进行艺术教育的人。因为在那样的情况下，受教育者会使用懒惰的方法来进行绘画，他们是对自己智慧的危害，有这个的帮助任何时候也不会创造出一个好作品。如果能够继续按照知觉绘画的道路那样用稳固的训练方法来学习，就会有循序渐进的表现，也是艺术教育的根本。在达·芬奇的追随者和学生中间没有任何一个在艺术天分上能够超越他的；在对艺术的独立看法被基本剥夺的情况下，他们仅仅只能是表面上领会达·芬奇的艺术方式，真正的艺术精髓也许永远也无法有人能够领会。
而无论是丢勒还是达·芬奇，他们都是已知的艺术形式的代表之一，从早年在父亲的工作室，随后向画家沃勒基姆特和一直在德国土地漫游的丢勒吸收德国15世纪的艺术遗产，但是大自然还是成了他最重要
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的老师。
丢勒总结的艺术教育的形式中提到，建议素描训练作为艺术教育的基本。他建议在艺术教育开始阶段把造型结构训练看作是重要的基础部分。对于现在来说，这个方法是完全可以接受的，整个艺术教育师范教育和对学生的培养问题在文艺复兴时期的画家中很少有人会去思考这些。在达·芬奇的《绘画论》一书中提到：丢勒如同一位教育家一样，对学生的艺术修养教育的所有的基础观点，按照这一点阐明如何实现学生们应该得到的教育。他写道，“在教育的最初阶段要好好地教导他们，然后一边告诉他们培养的方法，一边讲如何用最好的和最善良的语言，用赞扬或鼓励的方式来教导他们。”丢勒在确立欧洲传统艺术教育的《音乐的改变》一书中，划分出了特殊的意义：“为了让他们不看见什么不好的，而只有用好的东西来削弱他们的智慧，这个想法是在美术学院以往的自身发展中获得的。”
幼儿艺术教育是指以幼儿现有的身心发展水平为基础，通过不同的艺术形式和方式对幼儿进行感染和熏陶，挖掘幼儿对美的感知力、认知力和创造力，陶冶幼儿的道德情操，塑造幼儿的身心健康，培养幼儿乐观开朗的性格。幼儿艺术教育范畴广泛，涵盖了美术、音乐、歌舞、表演、文学、影视、书法、图书等多个领域，既是幼儿教育的组成部分，又是艺术教育的启蒙阶段。
二、幼儿艺术教育的重要性和意义
（一）幼儿艺术教育有利于塑造幼儿健康个性和完美人格
艺术教育是关乎人类心灵行为，它可以通过不同的艺术表现形式，用艺术的内在吸引力潜移默化的感染幼儿，让幼儿在艺术活动中体会愉悦，收获美的享受，从而引导幼儿的个性健康发展。同时，艺术教育也能够为塑造幼儿“完美型”人格打下了基础。幼儿期是人格塑造的奠基时期，也是接受艺术启蒙教育的最佳时期。在艺术教育中坚持艺术与德智体美教育相结合，既能使幼儿的行为接受真和善的被动调节，也能使其获得美的自动控制，使幼儿的艺术素养与道德素养一同提升，为幼儿在成长过程中塑造“完美型”人格打好基础。
（二）幼儿艺术教育有利于培育幼儿审美的兴趣和能力
艺术教育唤起人对审美的需要，培养人的审美趣味，形成人的审美观念，通过对艺术作品的感受、欣赏、理解和创造，人会逐渐形成一定的审美能力。从美感的形成角度看，艺术教育对于唤醒与培育幼儿的审美兴趣和能力具有重要的意义。每个儿童内心深处都有一种审美的潜能，它取决于是否能够被浪漫地唤醒，又是否能够在激发之后，被综合塑造为更高层次的美的意境、生命的境界。通过艺术教育，在孩子心中播下美好的种子，可以形成螺旋上升的经验结构，形成足够丰富的感受、感知以及沟通能力。
（三）幼儿艺术教育有利于发展幼儿智力和创造力
人的认知能力是人首要的、基本的能力，也是形成其它能力的基础。知识教育强调的是逻辑的、理性的认知能力，更多在开发人的左脑。艺术教育则侧重于直觉的、感性的认知能力，更多在开发人的右脑。从脑科学角度来说，艺术，协调着人的左右脑，使两者既保持相互的平衡，又在相互促进中得到提升和发展。幼儿在艺术活动中能产生一定的直觉能力和空间想象能力，这对抽象的逻辑思维能力起到一定的互补作用，帮助提高了幼儿智力的发展。一个从小就对艺术兴趣强烈的幼儿在进入义务教育阶段，往往比一般幼儿具有更强的感悟力、思维力、想象力，这就体现了艺术教育有助于促进幼儿创造力的发展。
三、幼儿艺术教育的现状和问题
（一）传统落后的艺术教育观念
艺术教育不一定能培养出艺术大师，但应该努力培养出用艺术表达人生体验，寄予自我思想和情感的学生。在传统的幼儿美术、音乐教育中，教师比较重视让幼儿学习掌握艺术技能，而幼儿在艺术活动中的情绪情感体验、兴趣、观察力、创造性、想象力等方面的培养往往被淡化或搁置。这就无法使幼儿学会通过不同的艺术形式表达自己的内心情感，偏离了艺术的人文本性。
（二）功利机械的艺术教育方式
当前的艺术教育往往用成人的标准要求孩子，不可避免的就出现了表演成人化、训练机械化的情况，偏离了艺术教育的方向。若不顾幼儿的年龄，盲目的将艺术教学定位在对幼儿进行高难度的训练，强迫幼儿反复排练一个艺术节目，为的就是能在舞台上表现出“精彩”的艺术表演，从而体现幼儿园艺术教学的成果，这就让幼儿艺术教育染上功利的色彩。若在艺术教育中只采取灌输、机械的训练方法，将会让幼儿对艺术的兴趣在一遍遍重复训练中丧失殆尽。
（三）匮乏的艺术教育师资力量
当下，许多就职的幼师并非专业的艺术类院校毕业，没有接受过艺术类教育的理论课程指导，无法系统的规划艺术教育课程，不能准确把握艺术教育的终点，难以正确地指导幼儿进行艺术教育的实践活动，既不能很好的引导幼儿领悟真正的艺术理念，也不利于发掘幼儿的艺术天赋。很多幼儿园，特别是农村地区，音乐课、美术课开不好，这其中很大原因就是缺乏专业的师资力量。
四、幼儿艺术教育改进的对策建议
（一）树立正确的幼儿艺术教育观念
艺术不是简单的机械重复与模仿，艺术教育并不要求每个人学会创作，只是想让更多人欣赏世上已有的美好创造。审美是艺术教育价值的核心意蕴，一旦人成为审美的人之后, 那么在日常生活中，就能按照美的样式来改进自己的生活。我们要将“审美培养”作为幼儿艺术教育的核心理念和行动指南，去引导幼儿感受美和表现美，而不只仅仅是通过音乐、舞蹈、绘画等艺术活动培养幼儿的艺术技能。
（二）丰富幼儿艺术教育的方式方法
一是改革创新幼儿艺术活动的教学方法。幼儿艺术教育要贴近幼儿的生活实际，教师为幼儿选择的艺术教育内容应尊重幼儿的主体地位，符合幼儿身心发展的特点，贴近幼儿生活实际。教师应引导幼儿对周围生活环境和艺术作品的欣赏，使之初步感受并喜爱环境、生活和艺术中的美，培养幼儿对艺术学习的兴趣和爱好，充分拓展幼儿热爱真善美率真天性的空间。
二是注重幼儿创造精神与能力的培养。打破传统艺术教育以灌输为主的教学方法，尊重幼儿的个性化表达和自由创作，支持鼓励幼儿的创新想法和创新行为，尽力为幼儿创建创造性的空间，引导他们用多种形式来感受和表达艺术，并给予及时的肯定与鼓励，充分调动幼儿的积极性与主动性，提高他们的创造力和想象力。
三是以孩子的标准进行艺术教育。在提升幼儿审美力方面，幼儿教师不应该以好看、好听或者不好看、不好听来简单定义。艺术发展到今天，早已从模仿、再现、写实过渡到抒情、表现、言志。教师应从孩子的角度，以孩子的眼光看待艺术，从孩子的艺术作品中获得对美的感受。在艺术活动中，幼儿的情感体验、联想、表现、表达是不同的、多元的、可变的，有相当大的自由度，每个幼儿都是天生的“画家”、“表演家”，他们不是不会表达自己的心理感受，而是不会按照成人的方式来表达。教师在艺术活动中应多鼓励幼儿按照自己喜爱的方式大胆的表现自己的情感和体验，他们就会无拘无束的发挥自己的想象，获得独特认识和感受。
（三）加强幼儿艺术教育的师资力量
师资力量的强弱决定了一个幼儿园教学水平的高低，幼儿园在加大艺术类幼儿教师的引进力度以外，还要对现有的幼儿教师进行艺术教育类的培训，支持鼓励幼儿教师去有关的艺术院校进修学习，同时幼儿园不定期地邀请一些艺术教育名师来园给幼儿教师进行指导或开办讲座，从而提高幼儿艺术教育的师资力量，提高幼儿园的艺术教育水平。
参考文献：
[1]黄恰恰 谭荣清.幼儿艺术教育探析.考试周刊,2017,第2期
关 键 词 ：师范艺术教育 艺术实践 艺术素质
目前，师范类美术教育的讨论中，就专业教育目的而言，或反对过多的专业教育，或反对过多的职业教育。其讨论的焦点，更多地集中在师范生应具备的专业技术程度的作用上。前一种观点认为，针对中小学美术教育，完成教学工作无须过高的技术要求。中小学美术教育的目的，重要的是通过“审美”活动认识和理解艺术的含义，通过创造性的活动帮助学生获得更为全面的成长教育，而不应以掌握某种美术技术为目的。因而，艺术教师的培训，重在教育理论和艺术理论的掌握。而持后一种观点的人则提出，艺术学科的教育如果没有技术的含量，就不能称为艺术的教育。尤其在中学的课程中，没有良好的技术水准，教师不仅难以向学生提供优秀的示范作品，技术水平的低下也必然导致低水平艺术的教育。
上述讨论，无论就师范的性质，还是美术专业的性质，都在忽视一个问题，在师范教育中，就接受基础教育的初学者而言，艺术素质的培养过程中，艺术行为的实践性价值对人所具有的本质意义。笔者认为，艺术行为是人类不可或缺的认识、体悟世界的基本方式之一。因而，艺术教育首先应该是针对人的教育，应该是具有艺术含义的教育，一个开放的而非形式规定的教育。
就广义的美术教育来讲，美术的教育内容在三个方面展开：1.文化知识的教育；2.艺术技能的教育；3.艺术行为的教育。就艺术教育的总体来说，无论哪个方面，艺术的教育都必须是通过“艺术的行为”来实现的教育。但在上述师范教育的讨论中，不难看出，我们对艺术教育目的的认识，是在将艺术教育的技能培养、知识教育与艺术素质教育的要求分离开，来强调艺术教育中的技术能力和泛文化意义，而忽略了艺术行为自身对于人的文化价值。无论是中小学美术教育还是师范高等专业教育的讨论中，我们虽然在不断地强调艺术的创造性和文化性意义，但这一强调，大都是将创造性和文化性从艺术体验的行为中剥离开来，孤立地谈它的社会意义和价值。由于这种观点更多地倾向于艺术教育在教育中的工具性意义，从而，使艺术行为本身的实践性与创造性分离开来，使艺术行为的价值与人生活的本质要求分离开来。造成我们的艺术教育所针对的目的与艺术对于人的根本价值在事实上的背离。
艺术的本质是通过艺术的活动实现对现实的体验，通过某种情感的行为方式来实现对现实精神的体认。因而，艺术的行为也适用于认知的原则，它总是在相应的环境和生存需求中发生。以幼儿学说话的过程为例，一个母亲对孩子进行语言教育的同时，必然通过各个方面的能力开发使孩子获得言语的基本条件。语言能力的发展必然伴随着认识能力的成长而实现。语言能力的成熟，实际上是孩子在整体成熟过程中的一个方面。由此，我们可以看到，语言的掌握必然要在生活的要求中，通过实际的运用过程才能领悟其意义，创造性必然蕴含在这一运用的要求中，它并不能脱离与生活紧密关联的运用要求而孤立存在。就艺术的文化性意义来说也是一样，它不仅包含文化知识的内容，艺术对人的意义，更多地在于我们用艺术的方式来领悟生活，感悟人的存在价值。审美体验来自于我们内心深处对事物所做出的回应性体验。生成美的感悟和体验依赖于我们的体验过程，就如同我们经历生命的过程一样。艺术的领悟同样是在一种实践性的过程中来实现的。因而，艺术的行为也必然总是针对现实做出的实践。由此，反观上述对艺术教育目的的讨论，不难看出，在师范艺术教育的认识中，我们对艺术行为的实践性价值和作用，在事实上是忽视的。
艺术心理学的研究表明，艺术体验方式和思维的发展有着本质的关联，阿恩海姆认为，艺术的意义就是对生活本身最充实、最纯粹的体验。艺术的体验性特征要求我们的艺术行为，首先是在生活实践的基础上实现认识的目的。从事艺术的学生所以从绘画学起，不仅是为学习绘画的技能，其目的还在于培养学生用视觉的方式对事物进行体验和传达的能力，建立艺术的行为意识。
在艺术行为中，图像的表达和体认，实际上是对事物的一个“看”法或认识，艺术的行为是以视觉作为体验事物的基本方式来拓展人的认识能力的一个实践。只有通过探索性、体验性和表现性的运用才有可能让学生深刻地领悟到艺术语言的意义。由此看来，现存的师范艺术教育，其艺术实践的意义是否具有艺术行为的含义也是值得质疑的。艺术的行为目的要求我们以艺术的方式来实现对生活的实践，艺术家的体认和观看，是以视觉形式“体验”和“探索”事物的过程。因此，绘画创造的真正价值是在形式体认的要求下，给人提供一个观看的方式，而不是一般人认为的那样，仅是发现美的形象感受。
我们在艺术教育的认识上，对艺术行为的实践性价值和作用的忽视，表明了我们对艺术含义的曲解。我们对艺术这个词义的狭隘的认识，分裂了人的本质要求。我们忽视了人的思维、体验、认知都来自于作为同时是精神的、生物的和物理的存在的人的要求。如果，艺术行为本身不是在相应的环境和生存需求中发生，人就不能通过艺术的行为来实现对现实精神的体认，我们也就无法依靠这种行为改变或构建我们的艺术观念，获得艺术的创造能力和体验能力。
人的认识从来都不是纯粹来自于对象的映照，认识的世界是在认识者的参与中产生出来的。因而，艺术的创造不在于新的现象、美的式样的发现，而在于建立新的视觉思维的角度和视觉体验的方式。这是一个不容忽视的，在“人”的基础上实现认知的起点。因为它能促进我们用体验的方式反思和重新认识世界、认识自我。艺术的表达和体验中，视觉发现的效应取决于“观看”世界的方法的可塑性。通过视觉的塑造、发现，这个观看的可变性、多样性使我们体验到了这个世界存在的方方面面和我们存在的意义。就人的体验的要求上，成功地运用这种功效，不是艺术家的专利，它也是艺术教育者的责任。我们的艺术教育就正在这个“视觉塑造”的过程中发生着作用。
阿恩海姆认为：想象本身是一种思维的功能，观察则是认识的过程，解释和意义是观察的一个不可分割的方面，而教育可以阻碍，也可以培育人的这些能力。
在我们的艺术教育过程中，无论面对怎样的对象，就艺术对人的意义上说，都是一样的。我们必须要意识到，师范艺术教育所面对的学员，不仅是未来的教师，他们首先是一个接受普通艺术教育的受教育者。在这一点上，和所有艺术教育的受教育者一样，艺术教育的价值是相同的，接受艺术教育的权利也是相同的。因而，我们在实施师范性的艺术教育中，不能因为师范的职业教育目的而因噎废食，用一种简化的艺术教育来替代教育中艺术对人的根本意义。这种意识会导致一个危险的结果——它必然把艺术对于人的意义歪曲为某种形式的审美教育或是单纯的技术教育。将审美的概念，引领到仅对现实表象的“美”的发现上，将艺术的教育引申为仅就“艺术形式”的审“美”能力的培养。从根本上误导学生对艺术的基本理解和认识。在艺术教育的基本问题上存在的这些偏见，会使我们的美术教育不仅与艺术素质教育有根本性的偏离，即使作为专业艺术教育的要求来讲，也会因为这一偏见背离人对艺术的要求。
所以笔者认为，师范类的艺术教育，应该由两个内容组成：首先是针对人的艺术教育；其次是针对美术专业的技术教育。作为接受普通教育的学员，师范生所受的艺术的专业教育首先必须是一个完整的艺术教育，而不仅是职业技术的教育。就培养艺术教师来说，具备艺术实践的基本技能的同时，也必须具备良好的艺术素质，而这一良好的素质，不是仅理论教育所能给予的，它同时还必须通过艺术的实践行为来实现对艺术价值的领悟。否则，作为艺术教师，在他进入美术教育的实践时，就无法保证他对艺术教育思想的正确理解，并在这一思想的指导下实现有效的艺术教育。不难设想，如果一个师范生自身就没有得到过真正的艺术体验和教育，他又怎么能够在教育实践的过程中实现艺术对于人的价值？
尽管在师范的艺术教育中，由于目前的制度问题使得职业教育和专业教育之间的矛盾的确难以解决。但我们必须意识到，艺术的教育目的，无论是针对专业艺术人才的培训或是普及教育中的素质培养，艺术素质作为人的基本要求都是一致的，都是作为进入社会的能力准备的。艺术教育应该也必须和人的生存价值结合起来，以便在真正的意义上实现艺术教育的价值。
参考文献 ：
关键词：幼儿；幼儿艺术审美；教育
一、小班幼儿艺术审美能力培养现状个案探讨
1.案例简述
有一天，我们上“夏天的衣服”一课，老师出示一些衬衫、短袖、裙子等，幼儿们一直在讨论，互相看着自己身上穿的衣服，纷纷议论着各种颜色，我说可以按照老师的颜色涂，也可以动脑筋自己涂，并说明了要求。他们纷纷开始涂色，坐在边上的天天有些犹豫，不知道该如何下手，我过去看了看，他翘着小嘴说：“我今天的衣服颜色不好看，有些热。我不喜欢，可是妈妈非要我穿。”他是我们班很懂事的小男孩，知道的可多了，他又接着说：“老师我想画一件凉快的衣服可以吗？”我说：“当然可以！”天天的小手拿了淡蓝色的蜡笔开始往上涂。我心里一惊，觉得他太棒了！班里绝大部分幼儿会按照老师的要求涂色，可是我希望他们都能有自己的想法，这样会更好！
2.案例分析
通过对这则案例进行分析，我们欣喜地看到，在我国幼儿教育中，已经有意识地开展一定的艺术审美教育。但是如何进行幼儿艺术审美教育，这是我们需要认识和探索的。目前幼儿艺术审美教育已经逐步开展，成为各个优秀幼儿园竞相推崇的教育特色。我们在充分肯定幼儿艺术审美教育取得一定成就的同时，也应看清楚目前幼儿艺术审美教学存在的一些怪现状，看似欣欣向荣的艺术审美教育表面，隐含着很多令人忧虑的问题。
（1）忽视学生的审美创造性。创造性培养是幼儿艺术审美教育活动的重要目的之一。艺术审美教育是以感性认识方式对审美对象进行整体性欣赏的活动，这一活动的本身极具创造性。通过自身的感受，对审美对象进行综合的把握，感受、发现其内在蕴涵，这一过程中必须有主体自身主观能动性的发挥。但是令人遗憾的是，在幼儿身上这种创造性已经被人为地遏止、限制。在本案例中，全班的孩子，除了天天，无不按照老师的要求进行涂色，而没有自己的想法。这一看似简单的细节实际上暴露了我们幼儿教育的缺失。在现在的教育过程中，家长和老师从小便将理性的、带有“权威性”的定论强加给孩子，结果造成了他们创造能力的丧失。久而久之，孩子对艺术的奇思妙想和独特表现因为这种“权威性”的定论而慢慢地走向消亡，从而出现案例中的一幕。
（2）艺术审美教育方法落后。虽然当前幼儿艺术审美教育得到重视，但是在教育方法上并没有得到创新和改变。从上述案例可以看出，当前幼儿艺术审美教育在方法上仍然遵循传统的课堂教学方法，强调教师的示范和儿童的模仿，忽视儿童的体验。笔者在教学过程中也逐步认识到这一缺陷。对于幼儿来说，课堂教学并不能真正使他们的审美能力得到提高，而课外的教育方式反而能够起到意想不到的效果。
二、小班幼儿艺术审美能力培养的教育建议
建立科学的幼儿艺术审美教学模式是构建幼儿艺术审美能力教育的关键。笔者结合自身实践经验，认为可以从营造美的情景、感受美的气息、创造美的方法三个方面来建立艺术审美教学模式。
1.营造美的情景
在为幼儿营造美的环境之时，要做到绿化、美化、儿童化，并将音乐带入幼儿的日常生活中，使幼儿能在轻松愉快的音乐中感受到生活的美。同时要培养幼儿发现美、欣赏美的能力，并引导他们去认识美和追求美。如让幼儿欣赏一段非常优美的曲子或者看一段很精彩的视频，让幼儿从声音、颜色、动作中去感受美。在此过程中，引导幼儿进行正确的审美，帮助他们形成初步的健康的艺术审美观点，并逐步养成幼儿能够自主地对周围事物的美丑进行评价的习惯。
2.感受美的气息
感受美的气息有多种手段。笔者认为在幼儿艺术审美教育中，审美教育最基本的途径和方式是感受大自然，从大自然中感受、欣赏艺术审美教育中的美，这是可行且符合幼儿实际的。大自然是艺术审美教育的广阔天地。
3.创造美的方法
对于艺术审美教育来说，增强幼儿的创新意识，培养他们的创造性思维是题中之意。笔者认为，创造性教学方式要求教师在教学过程中应该点到为止，不能越俎代庖。对于相关内容不能讲述过多，而应该给予幼儿一定的创造空间。比如，上文所提及的“夏天的衣服”一课，教师可以将创造机会留给幼儿，在课堂中直接提出以下观点，即“你们认为夏天的衣服应该是什么样的？”这样开放性的问题答案不是唯一的。对于他们新颖的观点，应该及时加以褒奖，鼓励他们自由思索，尊重独创性，鼓励多样性，使幼儿在宽松、融洽、生动活泼的精神环境中，树立创造的勇气和信心。
艺术审美教育的特点，是以生动、具体的美感形象来教育幼儿教师要自觉运用美学规律，采用多种富于变化的教学方法，把艺术审美教育贯穿于教学之中，使幼儿不断感受到艺术审美教育中的美。
参考文献：
[1]刘晓东.儿童教育新论[M].南京：江苏教育出版社，2008：301.
[2]刘晓娟，卢清，程志宏.基于审美的幼儿艺术教育[J].内蒙古师范大学学报：教育科学版，2010（8）.
传统艺术教育始于欧洲，欧洲传统的艺术教育为大学艺术教育的教法理论做出了巨大的贡献，既为职业教学提供了教学理论和http://方法,又为学生提供了社会训练。
欧洲的艺术与设计教育是从传统艺术教育中延伸出来的，艺术与设计教育在西方开始于视觉艺术，也就是传统的绘画和雕塑。早期与艺术设计有关的教育，主要是传统工艺品的设计，它在很大程度上是受到了欧洲传统艺术教育基础的影响。在西方，如果追根溯源，最早的艺术学校是在公元前400年左右在希腊建立的，在帕拉图的著作中提及到有关画室教授学徒。欧洲传统的艺术教育中，就是以写实型的绘画训练为基础，我们称之为“学院派”，起因是出自于在17世纪中期就形成了这个教育训练方法的法兰西皇家美术学院。欧洲传统绘画的特点，就是再现与强调描述。长期以来画家们都是把如何有效地表现故事场景、描绘具体的情节或表达某种寓意来进行艺术创作的。
早在艺复兴时期，艺术教育在意大利就发展得比较成熟了。文艺复兴时期的艺术家们，在艺术教育的教学教法领域中提出了许多有价值的想法。在技法纯熟的艺术大师们不断地创作过程中，获得了独特的艺术教育的理论和方法,这些都是按照被保留下来的古代文明的碎片进行了整理和收集。艺术家们不仅恢复了博大精深的欧洲传统艺术,也为欧洲传统艺术教育创造了艺术教育历史上的里程碑,达到了人类不为所知的高度。在14-15世纪早期，画家乔托等就对大自然的景象进行了十分逼真的描绘，与当时的人文主义思想相结合，虽然有些呆板僵硬的痕迹，却也显示出了与中世纪所不同的现实主义风格。15世纪末到16世纪中叶，出现了达芬奇、米开朗琪罗、拉菲尔“盛期三杰”。 提香·韦切利奥被誉为西方油画之父，继承和发展了威尼斯派的绘画艺术，提香对于欧洲后来的绘画艺术有着很大的影响。艺术泰斗们使得这一时期的艺术水平达到了前所未有的高度,同时也到达了最为繁荣和鼎盛的一个时期。
14到16世纪间的人文主义是用来描述比较先进的思想，这段时间里文化和社会上的变化称为文艺复兴，而将教育上的变化运动称为人文主义。在当时的社会，是人们对于拥有崇高的理想和知识教养具有惊人的吸引力的时期,而要实现对于人文主义知识的尊重,就要联合起最不相同的人们：地主和穷人，艺术家和商人，贵族和知识分子。他们不按社会特征区分自己,甚至不按出生地位和财富而按照人文知识的态度来进行划分。人文主义成为了他们拥有对自我征服现实生活的完整性,而沉醉于人文知识的人文理想，为意大利佛罗伦萨的人文精神，没有疲劳和懒惰的感觉,允许他们毫无保留的杰出的创造，从而意味着获得真正的高尚。
在当时著名的人文圈子中,像公爵卡西姆.美帝奇那样,经过自己的学习教育和所有的著名的艺术家,诗人和哲学家一起使得文艺复兴驰名。
在文艺复兴时期，已经形成了传统绘画艺术的三个主要系统：透视学、人体解剖和色彩学，老师们通过工作室将这些技巧传授给学生，就是传统的艺术学徒制度，从此就形成了较为系统的艺术教育教学方法。到18世纪，欧洲大多数国家都设立了这样的美术学院，法国、荷兰、比利时、瑞典、波兰、德国、奥地利，一直到俄罗斯，都有美术学院的设立，并且基本都直属皇家管理，显示其艺术服务对象是皇室贵族。随着当时社会经济的发展，需要很多艺术装饰的专业技工，从而衍生出各种工作室，绘画，雕塑，建筑和各种各样的装饰技法。 到17世纪中叶，法国的皇家美术学院设立了绘画、雕塑、建筑三个学院，有了更加明确的专业设置，但是教育方法还是和文艺复兴时期意大利的画室制度相似，还是以视觉描绘技法为主要训练目标，这种画室制度至今都在影响欧洲其他许多国家。在19世纪中叶，因为皇室贵们族对艺术品、工艺品的需求量越来越大，各个艺术学院都增设了与设计有关的专业，比如家具设计、室内装饰、园林设计、首饰设计、陶瓷设计、编织和印染设计等等。虽然教授艺术技巧，各自所教的不同，但也都是通过教学提高学生的审美经验，注重提高学生的文化修养，在教学过程中，更加注意学生解决实际问题的能力，在这个基础上来培养学生创造性思维的能力。
所有的著名的艺术大师都拥有对在自己身边的学生的教育，对他们的艺术教育的实施负责,而这不仅仅是师教问题,教学问题和对学生们的教育问题。在文艺复兴时期伟大的艺术家阿尔布雷特·丢勒留下的艺术作品和著作当中,我们可以看到他无论是在艺术教育理论的领域上,还是在艺术教育方法的领域上，都创造了让人激动不已的巨大的价值。丢勒, 在世界艺术史上具有划时代意义的艺术家，他将意大利文艺复兴的形式和理论传播到欧洲，创造和奠定了德意志民族画派的传统和基础，并极大地影响了此后世界艺术的发展，也是欧洲文艺复兴时期最伟大的代表人物之一。
就像伟大的古希腊画家认为：“在艺术创作中，不应该只是停留在普通认为的视觉的表像上,而是必须在依靠准确的科学知识上来进行理解和表现。”和丢勒同一时期的艺术家和素描理论家列尼桑斯·列奥·巴基斯特在《关于绘画的三本书》一书中写到：“我认为拥有高尚头衔的年轻人开始学习绘画时，都必
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须要知道古代画家巴姆非的格言，他认为一个好的画家要想能真正画的好，就必须要很好地懂得绘画理论。”丢勒在自己的格言中也提到：“关于在平面绘画基础上的原理以及正确的教育理论，要给予科学的教学方法…”同时，他也认为http://绘画并不是像机械训练那样只是对照实物描绘，而是要像智慧的科学训练。这个科学的艺术教育宗旨反映在以后的米开朗基罗的话中：“用头脑去画，而不是用手。”
在所有的艺术教育发展过程中，丢勒的建议是从认识实物再到平面绘画上。在古希腊时期，这个原理就奠定了古希腊艺术教育着手于学生们和拥护者们从主观观察自然，到归结为客观认识自然的景色，这也是艺术教育教法确立的初期，从只是对照实物绘画的基础上转变为真正的依据科学理论来进行分析绘画。这个新的艺术理论在当时的欧洲艺术教育中产生了很大的影响。伟大的建筑师弗罗列·布鲁涅列斯基和伟大的雕塑家多纳泰罗在对古希腊和古罗马艺术完美性的寻找研究中，从佛罗伦萨到罗马，在那里他们开始测量建筑的细节和绘制教堂的计划。著名的圣母玛利亚教堂的穹顶就是这位天才建筑师布鲁涅列斯基归结为对自己这一研究的明确结论，并且认为这个巨大的从容不迫的建筑就是他毕生所为之奉献的志向。
而意大利雕塑家多纳泰罗则是真正的改革者，他用自己探索领域的广泛性和多才多艺的天赋在欧洲立体艺术后面的发展中有着巨大的影响力。多纳泰罗在关注建立浪漫派教会浮雕的基贝尔基的工作室教学，他很快的就形成了其独特的艺术风格，并开始创立独立工作室。多纳泰罗去罗马的旅行还促进了他对古代艺术的更深层的理解，也促使了欧洲传统的艺术教育处于佛罗伦萨教堂讲坛中那些浮雕艺术的实现。
也许，古代欧洲的马克·阿弗列里亚的纪念碑，正是鼓舞多纳泰罗在意识上重新认识到艾拉茨莫·达那勒尼骑马的浮雕，这是位于巴杜阿教堂广场上的第一个骑马的布鲁涅列斯基纪念碑，它也是以后时期在欧洲城市建立的所有骑马的浮雕的始祖。
后来的本·罗基欧继续创作这个题材时，他的工作室就成为了运动解剖学的人文研究的中心之一，在那里得到了文艺复兴时期的伟大创始人莱昂纳多·达·芬奇的指导。达·芬奇在其身后留下的诸多教学笔记和素描中，可以证实关于他的包罗万象的天才智慧。《绘画论》是达·芬奇最著名的理论著作，这部未完稿的理论著作在素描艺术教育教法的发展中具有相当大的影响力，是文艺复兴时期理论研究的重大成果。在这部著作中，包含了有按照解剖学的主张和展望来发展绘画艺术的教育，他努力寻找能够使人体运动协调的结构和规律性，依据科学理论研究出色彩关系和反射作用。他像严肃看待科学的学科那样来看待素描绘画艺术。然而达·芬奇指责阿里列勒基和丢勒借助于计算的绘画方法，他明确的回答这个绘画体系对学生有害，但这个绘画体系的发明是由那些不会独立绘画，只会用自己论述的观点和理论去进行艺术教育的人。因为在那样的情况下，受教育者会使用懒惰的方法来进行绘画，他们是对自己智慧的危害，有这个的帮助任何时候也不会创造出一个好作品。如果能够继续按照知觉绘画的道路那样用稳固的训练方法来学习，就会有循序渐进的表现，也是艺术教育的根本。在达·芬奇的追随者和学生中间没有任何一个在艺术天分上能够超越他的；在对艺术的独立看法被基本剥夺的情况下，他们仅仅只能是表面上领会达·芬奇的艺术方式，真正的艺术精髓也许永远也无法有人能够领会。
而无论是丢勒还是达·芬奇，他们都是已知的艺术形式的代表之一，从早年在父亲的工作室，随后向画家沃勒基姆特和一直在德国土地漫游的丢勒吸收德国15世纪的艺术遗产，但是大自然还是成了他最重要
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的老师。
丢勒总结的艺术教育的形式中提到，建议素描训练作为艺术教育的基本。他建议在艺术教育开始阶段把造型结构训练看作是重要的基础部分。对于现在来说，这个方法是完全可以接受的，整个艺术教育师范教育和对学生的http://培养问题在文艺复兴时期的画家中很少有人会去思考这些。在达·芬奇的《绘画论》一书中提到：丢勒如同一位教育家一样，对学生的艺术修养教育的所有的基础观点，按照这一点阐明如何实现学生们应该得到的教育。他写道，“在教育的最初阶段要好好地教导他们，然后一边告诉他们培养的方法，一边讲如何用最好的和最善良的语言，用赞扬或鼓励的方式来教导他们。”丢勒在确立欧洲传统艺术教育的《音乐的改变》一书中，划分出了特殊的意义：“为了让他们不看见什么不好的，而只有用好的东西来削弱他们的智慧，这个想法是在美术学院以往的自身发展中获得的。”
关键词：艺术院校；学生；思想政治教育
艺术专业院校的招生规模也一年比一年大，几乎各个大专院校都开始尝试开设艺术专业，招收艺术专业学生。如何对这日益扩大的群体进行思想政治教育，已经成为教育界必须面对的问题。从目前的实际状况来看，艺术院校的思想政治教育存在缺失现象。许多学校的学生热衷于在专业上出人头地，喜欢在外面出风头和赚钱。学校方面也片面的强调专业方面的教育，对思想政治工作和教育重视程度不够。由于没有意识到思想政治教育是素质教育的一部分，使得学校很少顾及学生在道德品质上的培养，造成思想政治教学的缺失。
一、艺术院校学生思想政治教育的现状
（一）艺术院校学生思想政治教育得到加强和改进
思想政治教育在当代大学生素质教育中，承担着越来越重要的作用。虽然在当前复杂的环境下，如何建设思想教育阵地、加强对艺术院校学生的思想政治教育是艺术高校公认的难题，但是各个艺术院校在党的领导下，从来就没有放弃对学生进行思想政治教育的努力。在校园文化建设上，艺术院校的领导和教师充分认识到校园文化的强大力量，把校园文化看作是社会文化的组成部分，认可校园文化在学生思想政治教育中的独特力量。国家加强艺术院校的学生思想政治教育，使得艺术院校的思想政治工作秉承崇高的育人理念，以班级管理为主体，培养学生的自律精神，加强对学生的道德情操教育，取得了重大成果。
（二）艺术院校通过学生思想政治教育培养了大批德才兼备的艺术专业学生
思想政治教育工作是艺术院校教育工作的法宝。为了让学生学到真本领，各艺术院校把教学放在第一位，建立了一支结构合理、艺术水平高、认真负责的教师队伍。院校雄厚的师资力量是思想政治工作的坚强后盾，先进的教学条件为学生的成才提供了外部环境，随着党的教育方针地落实，各个艺术院校集中力量，狠抓教学，积极探索培养又红又专人才的新途径。
在党的教育方针的指导下，各艺术院校以先进的办学理念为前导，以雄厚的师资力量和科研实力为基石，以坚强的党建、德育和思想政治工作为保证，为国家培养了一大批的优秀人才。
（三）艺术院校学生思想政治教育促进了学校其它工作的发展
从我们国家的社会性质来看，思想政治教育工作是包括艺术院校在内的大专院校的工作法宝。我国的艺术院校也逐步重视学生的思想政治教育工作。
艺术院校对学生思想政治教育的重视，并在德育和思想政治工作体系方面进行了多方面的探索，形成了党委挂帅、多部门协助、院系负责具体实施和组织教师发挥主导作用，学生社团积极参与的工作格局。艺术院校对学生的思想政治教育推动了学校爱国主义教育、理论教学和形势政策教育。为了加强对学生的思想政治工作，艺术院校在学校开展了报告会、影视展播、组织学生参观爱国主义教育基地以及请爱国学者来校讲学等活动。同时，每逢爱国纪念日，艺术院校也会根据学生的特长，举办各种活动。
综上所述，艺术院校根据自身学校教学和工作特点，有针对性的对学生进行的思想政治教育已经取得一定的成绩。
二、艺术院校学生思想政治教育存在的问题
（一）部分艺术院校思想教育工作者对大学生思想政治教育缺乏积极性
思想政治教育是培养合格人才的重要保证，也是艺术院校的工作重点。由于受到社会上一些不良思潮的影响，许多艺术院校把办学的方向瞄准迎合市场，一切向钱看，追求轰动效应和经济利益，使得高校学生思想政治教育环节薄弱。部分艺术院校思想政治工作教师数量不足，有些院校300到500名学生才配备了一名一线辅导员，而且这些教师和辅导员出身思想政治专业和管理专业的并不多，心理学、社会学背景的教师更是几乎没有。绝大多数从事学生思想政治教育的教师都是本校毕业生，这种缺乏交流的氛围，不利于思想政治工作水平的提高。
（二）艺术院校学生思想政治教育改革发展缓慢
在对学生的思想政治课的教学上，部分艺术院校长期以来授课模式过于单一。学生的专业课一般采取小班授课，一个老师负责的学生不多；而思想政治教育类课程均采取大班授课，且多为照本宣讲，教材陈旧，没有新意，学生也是被动接受，在课堂上也不向老师提问题，没有师生互动和讨论的环节，整个课堂气氛沉闷，不能引起学生的学习兴趣。
（三）艺术院校学生思想政治教育没有形成系统化的研究成果
