［关键词］素描 词义 概念
一、素描“说文解字”
“素描”系外来语汇，需探析不同语言中与“素描”一词的对应词汇与本意。中文译作“素描”；英文：“sketch” ，法文：“dessin”；德文：“ZEICHNUNG”；意大利文：“disegno”。在英文中，sketch一词有多种含义，通常可以理解为“草图”，指为正式创作所做的草图或简要概括的准备性绘画，也可以泛指一些用单色绘画工具所绘制的简约的绘画作品。此外，还可以理解为“概要”或者“简要的描述”等意思。在德语中，这个词更常用于表示图纸的概念。而法语素描和意大利语中的素描，通常是指设计。
由此可见，外文中关于素描的概念首先表达了以下关键词：草图、图纸、设计、单色画、概要。可以肯定的是，当代我们所说的素描一词的最初概念，来自于十五世纪的意大利，来自于西方绘画的科学视觉造型系统。在西方，素描被认为是一切造型艺术的基础，同时，也被作为贯穿于视觉艺术创作中的最基本的因素，即素描可以涵盖一切关于造型艺术的认识论和方法论的研究。这种以科学态度对客观物象进行研究和表达的手段的体系的建立，标志着近代意义上的素描词义的诞生。
在西方近代造型艺术传统中，素描既是一种绘画形式，也是一种绘画观念，同时也是一种研究和探索的手段。而把素描作为造型艺术的基本要素的观念，是西方造型艺术体系的基本概念之一。素描的本意是指单色的绘画，尽管并非所有的素描作品都是单色绘制的，但是相对于色彩表达的概念，素描概念至少没有把色彩问题作为主要的解决对象。
素描这个中文词汇带有明显的中国文化印记。在中国文字中，素，代表单色、白色、简约、质朴、或者不加修饰等含义；而素描，则通常泛指摹写或绘画，例如：白描。素描这一组合词显然在词义的涵盖性上超过了单纯的绘画或者摹写。
世界各种语言中，都有关于素描的词汇，但是很难在含义上有一种统一的表述或解释。这是因为不同的时代、不同的语种和不同的绘画体系，都是基于自己的看法和习惯去做出表述。显然，素描的词义始终是处于变化当中的，随着社会和艺术的发展，素描词义本身的意义和涵盖范围也与其当初产生时有了很大的不同，今天我们所说的素描，不管作为一种绘画形式和训练手段还是作为一种语言，或者观念性的研究已经在其传统概念的基础上获得了极大的扩充。在当代的文化语境下研究艺术和绘画的问题，不可避免的要适合于当代的语言环境，例如“造型艺术”一词在西方的原意是指“模拟客观世界的艺术”从这个意义上讲，将中国的绘画系统归为造型艺术就是不准确的。但是今天，普通的汉语词典对造型艺术有如下解释：造型即创造物体形象，造型艺术即占有一定空间，构成有美感的形象，当我们把中西画以及雕塑和设计都统称为造型艺术时，我们对于造型艺术这个词汇的概念实际上已经具有了现代的意义，具有潜在的更丰富的界定和内容。因此，如果片面的深究词汇的准确而忽视更实际的文化概念，未免会陷入语言逻辑而忽视真实的艺术现象。
如果单纯从词义上解释，很难为我们当代的素描概念找到一种精确的定义。但是，我们可以这样认为，在当代文化语境中，素描一词的意义是不断发展的，其中既有不断发展的艺术观念对它的扩充，也有不同文化观念交汇融合，相互提升的印记。而作为素描词义的延伸，素描一词在当代文化中可以理解为对事物所作出的概要性或提纲挈领性的描述，对事物的本质或属性的写意性的把握。不难发现，“素描”这个词汇在形成和发展的过程中被融入了多元的文化内容，具有多层次的含义以及超出语义本身的诸多内涵。当代汉语中也借鉴了素描一词所包含的意会性的概念，发展出了多种延伸的语义，如：对事物概要性的描述或者诗性的描述。
二、狭义的素描
狭义的素描概念相对容易理解，就是传统意义上的素描练习或者素描作品，我们可以把它集中到起源于西方的素描绘画形式本身，以及作为训练手段和研究视觉对象的西方科学素描教学体系来理解。
作为绘画形式的素描具有不同的目的性，可以是为专门的创作所做的准备工作，也可以是为了把握一种绘画语言构成所做的探索，也可以是作为一种观念性的实验和探索。素描作为绘画语言的一种形式，并没有严格统一和规范的定义。一般来讲，素描是具有一系列相互关联的特点，而其中的一些特点即可认为是素描艺术或者是具有素描特征的绘画。
1、单纯概括的表现手段
2、相对简单的材料
3、用单色或者概括性的几种色彩
4、直接性和概括性的表现手法
5、对视觉对象的基本构成因素的 表现和研究
关键词:概念设计；概念
中图分类号：J02文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2011）05-0064-03
一、 概念艺术的发展
新的技术往往孕育出新的产业，而新的产业又总能激发出新的需求，这种新的需求反过来又经常推动又一轮技术的进化。比如在飞机发明以前，绝不会有人想到要在机场的周围进行驱赶鸟雀的作业；又比如在手机还是硕大的模拟机阶段，也一定不会有人要求手机同时具有拍照或摄像功能，或甚至是GPS卫星定位的功能。近年来，就有“概念艺术”这一名词越来越多地出现在人们视野中。这也是一种由新技术带动的，新的需求催生的事物，从诞生初期的默默无闻转而开始活跃在大众文化的舞台上，为人们传递着越来越多的信息。究竟什么是所谓的“概念艺术”？
（一）概念艺术概述
概念艺术（Concept Art）或称“概念设定”，是一种插画艺术，其目的是为某一文艺作品――通常是影视、动画、视频游戏、漫画等构建虚拟的视觉形象。其中包括将该作品的主题、背景和感情基调等通过绘画等手段视觉化，往往是后续创作的基础。
以上是狭义上的定义。目前概念艺术已经在影视、动画、游戏等领域成为不可或缺的一部分而事实上，我们经常可以发现，在越来越多的场合，需要动用其更广义上的性质来描述概念艺术。往往在某一文艺作品或文化产品中，艺术家为观者呈现的是一个“概念”，而不仅仅是一个“形象”这么简单。例如在电影《哈利波特》系列中，出现过许多带有“脚踏板”一样零件的扫帚。如果脱离电影看，这是一个令人费解的“形象”。但是了解剧情的人都知道，在魔法世界里，扫帚不用来扫地，而是一种交通工具。而脚踏板在这样的语境下就显得十分协调，合情合理。片中也展示出了魔法师们如何驾驭这种带有脚踏板的扫帚在天空飞行。此时这些“脚踏板”已经不是简单的形象，它们给影片中所有的扫帚打上了深深的魔法世界的烙印，也在观众内心植入了“骑扫帚飞行”这样一个概念。
同理，在整部作品中，又有许多这样的概念，这一个个概念组合起来，就构筑起一个宏大的世界的视野，在本例中就是多彩的魔法世界。
（二）概念艺术的发展
1890年，美国人托马斯・爱迪生发明了摄影机，1895年，法国的卢米埃兄弟把活动影像搬上了大银幕，自此标志着电影艺术诞生了。而到20世纪初，也就是电影发明后不久，动画片也诞生了。1914年美国漫画家温瑟・麦凯为观众们呈现了第一个银幕上的动画形象――恐龙葛蒂。（图1）恐龙葛蒂的诞生，也是银幕虚拟形象诞生的标志，事实上概念设计也同时诞生。恐龙葛蒂的形象在原始的恐龙形象基础上经过了作者艺术手段的处理，造型上显得圆润可爱，活灵活现，并且适当概括使得其生动传神的同时又可以减少作画量。这之中的设计，无不体现出作者的匠心。只不过在当时，动画制作者同时兼任导演、原画、动画等，也包括概念设计。所以在相当一段时间内并没有所谓“概念设计”这一独立的门类。
自从电影发明以来，艺术家们就不懈的尝试在影片中运用各种各样的特效。从《月球之旅》到《金刚》。值得注意的是1939年米高梅出品的《绿野仙踪》。片中大量使用了特效技术，创造了一个幻想国度“奥兹王国”。其中不但有妙趣横生的人物形象，更有充满想象的各种场景，如芒奇金城、绿宝石城堡等。自此，电影中的概念设计也正式诞生了。并且同时产生了角色和场景等不同种类概念设定的划分，这在后来的各类文艺作品中也都逐渐地被普遍接受。
1977年，另一部划时代意义的电影《星球大战》上映。这部影片不仅开创了电影特效的新时代，同时也开创了电影概念艺术的新局面。本片导演乔治・卢卡斯甚至为该片成立了专门的特效制作公司――工业光魔（iIndustrial light and magic）而该公司为日后电影特效及概念艺术的发展奠定了坚实的基础。而本片的概念设计则请到日本著名画家生赖范义。相应的在该片的概念设计中日本文化的元素可谓俯拾皆是。（图2）比如最著名的“光剑”，以及片中的服饰（最典型的要数黑武士的头盔，可以明显见到日本武士盔甲的影子）设计等。从此，电影中的概念艺术成为电影特效制作当中重要的一部分而固定下来。
这一时期日本的概念艺术则是存在于具有独特风格的所谓“特摄电影”中。日本60年代开始流行这种由演员穿着橡胶戏服表演的，应用大量特技拍摄的动作电影，往往取科幻或奇幻题材。在日本当地有广泛的受众群体，也有一大批特色鲜明的代表作。对于其电影特效技术的发展助益颇大。
80年代末随着任天堂家用游戏系统风靡全球，游戏软件业开始蓬勃发展起来。由于新的硬件系统有着更强的图像功能，屏幕上的游戏角色变得越来越复杂，游戏美术在一部游戏中占据了十分重要的位置，而游戏概念设计也逐渐成为游戏制作团队中不可或缺的一环。
迪斯尼和皮克斯在1995年合作推出了全CG动画电影《玩具总动员》。全片完全使用电脑图形图像技术来制作。标志着CG时代的来临。而这种崭新的形式也大受好评，之后该类影片的制作呈稳步增长的趋势。正如前文所述，这也是新技术催生的新需求。
随着各种文艺作品创作中大量虚拟形象不断涌现，概念艺术，以及从事这一行的概念艺术家已经广泛进入到包括电影、动画、视频游戏、漫画等各个领域中。
二、概念艺术的特点
如前所述，概念艺术主要的功能是为文艺作品构建其概念。同其他的艺术设计门类也有着许多共同之处。在早期概念艺术的成长的确直接从其他艺术设计门类中汲取营养，之后慢慢同自身的特点相结合，而逐渐走上了规范化，专业化的道路。这样的发展是必然的。由于其特殊使命，概念设计天生具有一些特点。这里我选取其中最有代表性的两对矛盾作为切入点，对概念艺术这一形式的特点做一简要的分析。
（一）合理性与观赏性的平衡
现实生活中合理性很容易理解。比如现实中的建筑要严格符合结构力学的规律，无论外观怎样漂亮设计过程中优先考虑的是稳定与安全。而现实中的工业产品设计，比如汽车等交通工具，不但要考虑结构的合理性，而且量产型汽车还要考虑到材料、配件等的成本以及使用寿命等一系列问题。总之现实生活中的人造物最重要的特性之一就是“合理性”。在合理性的约束下设计出的造型显得严谨，稳定并且平淡无奇。
在概念设计中，由于是为虚构的世界构建概念及形象，合理性的考量也不再至关重要。虚构的建筑物往往并不真的建设出来，而建造出来的部分往往也不会供人居住。因此不需要过多考虑结构、承重等问题。同样的，虚构的世界中交通工具，也只是以图像手段表现出来，所以这一类设计当中也可以较少机械以及空气动力学方面的思考及论证。留给艺术家更多空间将精力聚焦在作品的观赏性，充分发挥想象力为观众们呈现一个异彩纷呈的世界。
然而过分超脱于常规的设计，或忽视了一些重要的现实规律而做的设计往往令观众难以认同，无法产生共鸣。于是对于整部作品的感受也会大受影响。好的概念艺术家就能够在合理性和观赏性之间找到完美的平衡，让观者在赞叹作品奇思妙想的同时又感到其中的合理性，让人感觉有存在感，真实可信。以科幻电影《银翼杀手》为例，在本片之前的科幻电影表现未来世界，都非常干净漂亮整洁，一切都像是从工厂刚刚生产出来的。而该片呈现了一个破败的未来城市（图3），累年的建筑外表早已经破败不堪，用过的飞船表面坑坑洼洼。
相对于之前一尘不染的观感，这样的景色的确令观众更有亲近感和投入感。影片选择了更为真实，合理的设计而不是过分理想化，完美的形象。事实证明《银翼杀手》的概念设计是成功的，其塑造的未来城市已成为影史上的经典。
（二）视觉效果与实现成本的平衡
视觉效果与实现成本这一对矛盾从最原始的概念设计产生时就已存在。最著名的例子就是迪斯尼动画角色的设计。米老鼠、唐老鸭等经典形象都是只有四根手指。视觉效果上四根和五根的区别微乎其微，然而就是这一简单的改动，从五根手指减少到四根，为迪斯尼动画工厂节省了数以万计的作画时间，也即是节省了大量成本。这是一个视觉效果与成本之间寻求平衡的完美案例，不只在动画的行业内被传为美谈。
同样的问题在各种文艺作品中都存在。电脑图形技术的飞速发展推动视频游戏全面进入了3D时代，从最早的《德军总部3D》简陋的模拟3D画面到近年来画面几可乱真的《孤岛危机》等大作。视频游戏中所呈现的图像越来越精美，与来越复杂。而游戏玩家的期望也日渐提升。制约游戏画面飞速发展有两个主要问题，其一是游戏制作者方面，更精细的画面意味着更复杂的角色模型，更清晰的纹理贴图等等，也就意味着花费更多的制作资源，更高的开发成本；其二是，要在用户的计算机上再现这种精美的画面，依靠的则是用户端计算机的运算能力。越复杂和精美的画面对于运算能力的要求也越高。
在这对矛盾之间的寻求平衡贯穿于整个游戏制作的流程，然而好的概念设计师善于在视觉效果与实现其的成本之间取得良好的平衡，往往能在概念设计阶段就预见到后续制作中应对的问题，用相对简单、经济的元素来组成令人叹为观止的画面效果。如2003年育碧出品的3D游戏《XIII》就是一个典型的成功案例。《XIII》是一部改编自同名漫画的射击游戏，制作方活用漫画改编这一点，大胆在游戏中使用了当时颇为少见的卡通渲染来表现，呈现出一个栩栩如生的漫画世界，视觉效果令人赞叹，而更是得益于卡通渲染方式非常节省运算量的特性，该作几乎是同时期作品中对硬件要求最低的。其在高素质的视觉效果和实现成本方面取得了良好的平衡，该作品本身也成为一部经典，之后的效仿者甚众。
三、概念艺术的现状和展望
概念艺术发展到今天，经历了最初诞生的阶段，共生于文艺作品的创作过程中，例如前述的恐龙葛蒂一例；到简单分工的阶段，像早期电子游戏的制作就简单分为程序和美工等部分，美工的中重要的工作环节就包括概念设计；再到今天以专业团队或公司为主体，拥有完善的流程及详细分工的系统化作业的阶段。可以说概念艺术向着系统化，专业化的方向发展迅速。在这样的发展过程中有些值得注意的特点及趋势。希望这里对于其中一些具有代表性的问题的分析将会对于展望概念艺术未来的发展有所帮助。
（一）跨界联合发展趋势
俗话说“隔行如隔山”。然而从概念艺术的角度看，电影、动画、游戏等概念艺术的主要载体之间似乎不存在如此显著的隔阂。当然这只是从特定角度的认识。回顾概念艺术不长的历史我们发现其从诞生时期就较少受到行业间的区别造成的局限。比如前文提到的工业光魔最初组建时，主要成员包括建筑设计师、工业造型设计师、模型师等等，大部分并未从事过电影相关工作或概念艺术。当时年轻的艺术家们凭着热情和才能不断摸索最终完成了《星球大战》这一当时的视觉奇迹。后来工业光魔逐渐壮大，今天已经成为世界上最大的电影特效制作公司。这是从技术层面讲，概念艺术的出身，同其他艺术设计行业有着天然的联系。
而从内容上讲，大量应用到概念艺术的漫画、电影、游戏等基本都是科幻或奇幻题材，首先题材上是共通的。
比如奇幻文学开山名著《指环王》（图4），以小说为母本，有插图绘本，漫画等，有电影《指环王》三部曲，而负责电影概念设计的艺术总监正是长期创作指环王系列题材插图的画家艾伦?李。在电影大受欢迎之际，主创方不失时机地先后推出了数款《指环王》游戏，游戏中的大量设定就直接承袭自对应的电影，甚至制作团队人员方面都有重叠部分，之前电影视觉主创团队中很多人加入到游戏的开发制作中，再负责游戏中的概念设计。这样跨界联动的好处是，一方面节省成本，后开发的项目可以从前期项目中继承很多成果，许多资源可以共享，从而大大提高生产效率。另一方面，短时间内围绕同一主题在不同领域堆出作品可以形成联合造势的效应，电影带动游戏的需求，而游戏反过来促进电影的票房，互相激励。类似的例子还有很多，如《生化危机》游戏和电影系列，《蜘蛛侠》漫画和电影及游戏系列，等等。目前看这是一套比较成熟有效的模式，尤其在近期类似的作品呈逐年增长趋势，相信在未来相当一段时间内会成为商业作品概念设计主流的发展方向。
（二）符号化创作趋势
现代符号学以及符号论美学为美术理论的发展研究提供了强有力的方法论工具。符号美学家苏珊?朗格曾经指出“艺术是人类情感符号形式的创造”这一精辟论断阐明了古往今来各种艺术作品其符号化创作的本质。而概念艺术家也同样会自觉地利用视觉符号的象征性进行创作。也是概念艺术未来一大发展趋势。
《辛普森一家》是美国颇受欢迎的动画电视剧，以虚拟的美国小镇斯普林菲尔德（Springfield）为背景，呈现一个普通美国家庭平凡生活中的喜怒哀乐。该剧常用辛辣的讽刺针砭时弊。现实中的白种人在剧中全部被以黄色表现，而黄色人种则以白色呈现，体现出对种族问题的调侃和反叛的态度。而主要角色一律引人注目的黄色已经成为本剧最大的标志。
《千与千寻》是日本导演宫崎骏近年来的作品，影片描写的是小女孩千寻成长的故事，但是背景放在了奇异的神明的世界，在这多彩的幻想世界中，导演多用符号化的视觉语言，令人印象深刻。千寻父母在一间料理店大吃，结果变成了猪，其象征用意显而易见。如同千寻被剥夺名字，变成猪则是被剥夺了自我的强烈的表达。给人印象深刻。而另一处“无脸男”也是象征意味十足的设定。“无脸”暗示找不到自我，而变出金子，是因为别人喜欢金子，是对人的曲意逢迎。类似寓意深远而又出手巧妙的地方不胜枚举，整部影片让人在视觉享受中不知不觉中受教，其概念设计上的巧思可谓功不可没。
四、结语
严格讲概念艺术还是非常年轻的艺术门类，然而在短短几十年间发展迅速，无数才华横溢的艺术家在此探寻自己的道路。然而实践需要理论的指导，通过对本身的剖析和对相关领域的学习，才能助年轻的概念艺术持续向系统化、专业化方向发展。我希望这一翩粗浅的见解可以算作丰富相关理论做的有益尝试。为中国概念艺术健康发展和繁荣略尽了绵薄之力。
参考文献：
[1]【美】克莉丝汀・汤普森.世界电影史[M].北京大学出版社，2004.
[2]【美】苏珊・朗格.情感与形式[M].中国社会科学出版社，1986：51．
关 键 词：艺术的功能 审美 康德 艺术概念与艺术家的地位
引言
我们可以看到“艺术”概念的动态性质，每个时代几乎都对它提出了种种不同的要求，它不可能是一种毫无变化的静止概念，在不同时代里，它完成着不断变化着的功能。以至于每个时代的思想家为它所做的一切，都近似于一种“修补匠”的工作。
——朱狄
从朱狄的这段话中可以清晰地得出艺术功能的变化是随时代的艺术概念的不同而变化的，时代对艺术的要求也改变着艺术的功能。近代社会的艺术功能不言而喻地遵循着这一规律。要了解近代社会艺术的功能，首先要弄清近代社会艺术的概念、时代的背景及艺术家的地位等相关方面。
一、近代社会艺术的概况
近代社会的艺术从艺术断代史上来讲，指的是15世纪以后到“二战”时期的艺术。15到17世纪是艺术的过渡时期，这一阶段形成了艺术从古代到近代的过渡，到17和18世纪开始形成近代的艺术概念，而18世纪的艺术概念典型代表了近代的艺术概念。
17世纪的文化是在中央集权制下、占支配地位的政策指导下发展的，因此艺术的发展是集中、连贯的。学院的创立成为官方的最高学术团体，潜在的艺术体系正在逐渐酝酿成熟，各门艺术的分而治之在缓慢形成。17世纪的最后的25年间发生了“古代与现代之争”，为科学和艺术首次分离作了理论准备。一个以“美”为核心的西方现代艺术体系呼之欲出了。现代西方艺术体系是由法国的巴托在1742年所出版的《简化成一个单一原则的美的艺术》中明确提出来的。从此技艺和艺术真正分离，“美的艺术”完全脱离了技艺与科学，成为一个完全独立的自主性概念。18世纪，宗教与政治分离开来，18世纪的艺术说法有很多种：1.机械的艺术，即从简单的技艺中分离形成了手工劳动的技艺、服务于生活的艺术。2.快适的艺术，满足于人们的某种娱乐。3.自由的艺术，即美的艺术。巴托认为，艺术是对美的自然的一种模仿。正是模仿美的自然这一重要原则才把这些美的艺术集结在一起，从而使整个的艺术概念发生了历史性的变化。从当时思想家对艺术的理解来看，美的艺术是时代的主流。
近代社会资本主义体系建立，贵族丧失了其主体地位，经济上占统治地位的资产阶级赞助艺术家，利用艺术家赚钱，由此艺术家发现自己的作品可以出售。而艺术家便是时代主导的附庸，艺术家的称谓从原始社会的巫师到封建贵族的家臣直至近代独立的行业艺术家，其地位发生了很大变化。艺术家获取独立的地位，艺术从其他状态中解放出来，成为独立的领域。艺术成为一种特殊的形式与政治、宗教、经济产生关系。经济的发展，使艺术家不再为生活的装饰而劳作。劳动部门的分离形成了专业化劳动工作和日常生活领域的分化。专业化指的是科学、道德、法律、艺术各司其职。艺术与日常生活相分离，与科学、道德相分离。这一切因素就形成了艺术的自律，近代的艺术不再是简单的附庸，有自己的特殊的功能。
二、近代社会艺术的唯一功能就是审美
艺术成为一个独立的领域。艺术从其他学科、其他领域中的分离就形成了为艺术而艺术的观念。艺术院校的推广、博物馆制度的建立，艺术机构、杂志相继出现，从此艺术的地位、艺术家的地位都得到了保障。“美的艺术”完全脱离了技艺与科学，成为一个完全独立的自主性概念，唯有“美”的艺术才是艺术。从这个“美”的艺术的概念可知，“美”是现代西方艺术体系的基石，艺术已经有了一种全新的功能，即审美。
审美是近代社会艺术的唯一功能，审美不是实用的、娱乐的、道德的，不含任何功利性的目的，只为人们单纯提供审美的愉悦。我们知道柏拉图的理论是古希腊思想的典范，而康德的理论从18世纪至今，一直是判断的标准。从康德以后，艺术就形成了一个独立的体系。
康德处在近代西方哲学发展中的关键转折点。康德企图从主观唯心主义的基础来调和理性主义与经验主义，因此他在美学领域中的基本立场就是拿经验主义的快感结合理性主义的复合目的性，由此形成他在美学领域里的经验主义与理性主义的调和。他对美的分析是从质、量、关系和方式四方面进行的，形成了康德的审美四原则:1.审美是主观的、无利害的快感，不凭借任何利害计较而单纯的快感，是对对象的呈现方式进行判断的能力。2.审美无概念而具有普遍性。即审美是感性的。3.美是没有功利目的，又适合于审美目的的。4.美是无概念的必然性。他在美的分析中阐明纯粹美基本上是形式主义的，美只涉及对象的形式而不涉及它的内容、意义、目的和功利。他认为艺术美高于自然美，艺术形象成为理性概念最完满的感性显现，能从有限见无限；理想美是“道德精神的表现”，断定只有人才能有理想美；艺术在创作中，想象力根据自然所提供的材料，创作出一种“第二自然”，即“超越自然的东西”，由此显现出艺术的无限与自由。
后来歌德、席勒、黑格尔等人所发展的美学观点，也是朝着康德所指出的这个方向走。黑格尔继承康德又对康德进行切中要害的批判，强调艺术与人生重大问题的密切联系和理性内容对艺术的重要性。美是理念的感性显现。理念就是绝对精神，也即是最高的真实；艺术美高于自然美，艺术美是自在而自为的；美学中实践观点的萌芽等都是他美学中的几个基本观点。
审美是从否定的界定中出现的，即否定了艺术以前的功利性作用，纯粹是主观的、无利害的快感，不凭借任何利害计较而单纯的快感，是对对象的呈现方式进行判断的能力。无论是康德还是黑格尔都强调艺术的独立性、艺术在精神领域的作用。艺术完全孤立于整个社会之外，代替了过去在宗教中所获得的理想世界。艺术代替了宗教，成为人类道德、精神上追求的根据。
结语
纵观艺术发展历程，无可厚非，审美愉悦的唯一功能是近代艺术的显著特点。近代艺术的发展是人类艺术史上的新的里程碑，古今之争、社会制度的转变、时代的特征决定了近代艺术的形式、概念，进而影响了艺术的功能。这种审美的愉悦与当时美学的发展，反过来给艺术带来了更进一步的发展。无形中审美功能已经决定了艺术的品质，艺术家又把艺术的审美功能当作一种创作追求。当代艺术家在创作一件艺术品时，其审美功能是大部分艺术家，尤其是设计师们考虑范围之内的因素。
参考文献：
[1]《西方美学史》 朱光潜著
[2]《当代西方艺术哲学》 朱狄著
[3]《判断力批判》 康德著
[关键词]古代农艺 构建 Protege2000 领域本体
[分类号]G356.8
20世纪90年代以来，哲学领域的“Ontology”被人工智能领域所借鉴，本体的建模方法也初步确立。近年来，国外对本体建模作了大量研究并将其运用于知识领域，国内对本体的概念、理论及开发某领域本体的研究也随之而兴起。
本文的核心内容是古代农艺本体的构建。拟在前人构建领域本体方法论的基础上，结合图书情报领域编制分类表和叙词表的经验，吸取分面叙词表的编制思想，尝试使用斯坦福大学开发的本体编辑工具Protege2000，探讨行之有效的领域本体的构建方法。在古代农艺本体的构建中，采用计算机辅助的形式半自动构建本体。
1 领域本体概述
1.1 领域本体概念
本体是关于一些主题的清晰规范的说明。它是一个规范的、已经得到公认的描述，包含词表(或名称表、术语表)。词表中的术语与某一领域相关，词表中的逻辑声明用来描述术语的含义和术语间关系，即它们是怎样和其他术语相关联的。本体提供了用来表达和交流某些主题知识的词表和把握词表中术语间联系的关系集。
不同应用领域对本体研究的侧重点有所不同，涉及特定学科领域的本体被称为领域本体。本文所构建的古代农艺本体，便是一种领域本体。
1.2 本体构建原则
由于领域本体研究的特殊环境，没有办法给出一套规范性的指南，只能给出构建原则，而这些原则都是研究人员在各自系统开发经验之上提出的。其中，较有影响的是Gruber在1995年提出的五条规则。事实上，对于构建一个真正的本体来说，并没有一种唯一的途径或方法。最佳的方法依赖于本体构建者所采用的应用软件以及可以预见的扩展功能。同时，本体的开发和完善是一个反复叠加的过程，不能一蹴而就。
1.3 本体构建方法
目前构建领域本体的方法中，较为著名的有骨架法、TOVE法、Methontology、KACTUS、七步法。这些方法中，斯坦福大学医院开发的七步法较为成熟，而且主要用于领域本体的构建。
这种方法很符合人类的思维认知，逻辑性强，具有很强的可操作性以及可拓展性，本文古代农艺本体的构建实验即借鉴这种方法。
1.4 本体开发工具
目前本体的构建工具多达几十种，它们各有所长，亦各有缺陷。现在比较成熟、常用、知名度较高的本体构建工具主要有Ontolingua Server、Prot6g62000、On－toEdit、WebODE等。笔者选择了Prot6g62000作为古代农艺本体的构建工具。
2 古农艺本体的构建
2.1 古农艺本体构建目标
通过古代农艺本体的构建，利用本体思想和OWL语言组织和描述农艺领域的知识，建立具有逻辑检测和可扩展性的本体库，将词表中孤立的词汇通过本体的各种关系相联系，使传统的缺乏知识联系、简单的语法层次的字、词检索，上升为提供基于知识层面的语义检索，为用户去除冗余信息，快速得到检索需求。
构建古代农艺本体，可以加强对古代农艺知识的整理，使其成为农艺数字化知识库，便于更深入地挖掘古代农艺的丰富内涵。古代农艺本体用术语或概念对知识进行表达，揭示知识之间的内在关系。通过纵向类属分类和本体的联想进行组织、关联、推理，再利用这些知识进行推理，以满足用户的检索需求。构建古代农艺本体系统，可以实现对古代农艺资源的有序组织和有效利用。
2.2 古农艺本体构建步骤
根据本体的构建原则，将七步法的思想应用于古代农艺本体的构建，具体的构建过程如图1所示：
2.2.1 确定古代农艺本体范畴 农艺即农作物生产的技术与原理，内容主要包括大田作物的栽培、育种、土壤管理、施肥、病虫害防治、农机具应用、农田灌溉和排水、农产品的初步加工和贮藏以及农业生产的经营管理等。以经验和手工劳动为基础，以精耕细作为主要特点的中国传统农艺，在世界上居于先进地位，因此对古代农艺的研究具有较高的价值。
古代农艺领域本体的开发，主要是利用《中国图书馆分类法》专业分类表系列之《农业专业分类表》、《农业科学叙词表》、农业领域专业词典以及农史研究论文为语料，进行构建本体的尝试。希望通过该本体的开发找到古代农艺信息的组织手段，在其基础之上寻找构建本体的一种方法。
构建一个完整或完善的领域本体不是一蹴而就的，而是一项极其浩大的工程，需要对其不断地完善和修订。因此，本体构建工作应明确目标，限定范围，降低难度，从而使工作得以顺利进行。根据上述目的，本文所构建的古代农艺本体首先缩小范围，给出最基础的一个实验本体。
2.2.2 考查复用现有农艺本体的可能 国内对本体的研究还处于实验阶段，还没有成型的实用的领域本体，而且对于古代农艺这个领域，目前还没有发现与之相似、可以重用的本体。因此，在本构建方案中没有考虑复用现有本体，不过这是将来必须要考虑的。因为，本体最大的特点之一是共享和重用，考察复用现有本体的可能，是保证本体的这一特性得以实现的重要方式。
2.2.3 列出古农艺本体的重要术语、概念 要进行领域本体的构建，首先要确定该领域的关键概念，确定上位概念、较为显著的概念和常用概念，以建立核心概念集，然后在此基础上进行扩展。本研究主要从试验性角度出发分析概念，主要参考了《农业专业分类表》、《农业科学叙词表》及农业领域词典，进行语义分析和确立核心概念。
经过语义分析，得到如下7个作为该本体类的一级核心概念：
・农作物：禾谷类作物、经济作物、豆类作物、薯类作物等；
・农具：整地工具、中耕工具、播种工具、收获工具等；
・肥料：粪肥、饼肥、渣肥、骨肥等；
・耕作制度：自然模仿农作制、休闲耕作制、撂荒制等；
・耕作技术：畎亩法、垄平作兼行、发展轮耕制等；
・选种育种：一穗传、穗选法、无性繁殖等；
・农书：月令体农书、专业性农书、综合性农书等。
分析得到作为属性的核心概念：
・朝代：夏朝、西周、三国、唐代等；
・土地利用方式：丘陵山地的利用、河湖滩地的利用、滩涂的利用等；
・施肥：追肥、基肥、分期施肥等；
・材质：石质、木质、青铜质、铁质等。
2.2.4 定义古农艺本体类及类的等级体系 一般而
言，建立一个类的等级体系结构有两种方法：①自顶向下法，由一个领域中最大的概念开始，而后再将这些概念细化；②自底向上法，由这个等级体系中的细枝末节即最小概念开始，然后将这些细枝末节的类加以组织、概括，也就是泛化的过程。由于本文是参照《中国图书馆分类法》和《农业科学叙词表》的思想来定义类体系结构，由大概念开始向下细化，因此采用自顶向下法来构建，即将《中国图书馆分类法》和《农业科学叙词表》中的学科体系结构嵌入到这个本体中，充当本体的主干结构，对其中不足的部分进行添加和修改。
如前文所述，本体的构建是一个系统工程，必须一步一步来，首先要圈定一个小的范围。因此，通过修改，最终将古代农艺本体定义为7个大类，分别是农作物、农具、耕作制度、耕作技术、肥料、农书及作物育种，也就是第三步中所列举的7个一级核心概念。本文在本体构建过程中，曾考虑将土壤作为一类，但由于古代对土壤的分类没有作比较深入地研究，而且对古代土壤的研究记录不是很详细，因而将土壤转化为土地利用方式，作为属性而存在。
确定类之后，还需要确定类之间的关系。将等级关系转化至本体中变成父类与子类的关系，并且在Protege2000中以等级树的形式显示。
在类的等级关系确定过程中发现，有些类的下位类可以有多种标准，如农具的下位类可以按照农具的功能来划分，也可根据农具的制作材料来划定，经过多次讨论及思考，以功能来划分农具的下位类，而将农具的制作材料作为属性材质，使其更具合理性。
2.2.5 定义古农艺本体类的属性 类只是描述了一个框架，还不能够确切地描述一个领域，因此还需要继续定义类的内部结构。在上述步骤中，已经确定了一些重要术语，下一步是确定类的属性。笔者给耕作制度类定义了属性，有耕作技术、土地利用方式、时代及出处。农具的属性有材质、对象、时代、地域。子类除了有自己的属性外，还要继承父类的全部属性。
2.2.6 定义类的分面 一个属性可以由多个分面组成，分面用来描述取值的类型、容许的取值以及取值的个数和有关属性取值的其他特征。类之间的关系属性设置为Object属性，概念本身的属性则设置为Da－tetype属性。
2.2.7 创建实例 在完成了上述定义后，需要将这些类实例化。实例化的过程要先确定一个类，然后创建这个类的实例，本实验中共添加实例254个。在Protege2000中，通过Individuals标签的3个面板达到添加实例的目的，内容包括实例名称及附加在该类上的属性。当大量的实例被赋予相应的属性及属性值时，就形成了相关领域的知识库。
该本体中的实例获取主要通过以下几个方面得以进行：
・农业领域的专业分类表、《农业科学叙词表》、《农业百科全书》(农业历史卷)等专业词表和工具书；
・农业领域的大量书籍，如《中国农具发展史》、《中国农业史》、《中国农业科技发展史略》、《中国古代农耕史略》等；
・农业领域的学术论文中的词汇。
比如，现在创建一个灌溉工具类的一个实例桔槔，枯槔具有灌溉工具的属性。再给禾谷类作物的稻创建一个实例白糯，那么在桔槔和白糯之间的关系仍然有灌溉和被灌溉的关系。
2.2.8 古农艺本体可视化显示 本实验在本体的可视化显示上，应用了Prot6g62000的TGVizTab插件，显示所构建的古农艺本体。该插件使用TouchGraph技术，支持中文显示。应用TGVizTab插件时，先要选择一个类，再进行可视化图的创建。图2是一个以农作物为中心的一级(在“Radius”选项中进行选择从O到10，显示不同的级数)显示结果界面，显示与农作物直接相关的概念，在概念右上角方框内的数字表示其下位类的书目，前面命名object属性时使用了中文，鼠标放置属性在显示位置时属性名显示为小方框而不是汉字。
图3是以农作物为中心的二级关系显示结果界面，可以看出，一级显示的是与中心词有直接关系的概念，二级以一级显示的概念为中心来辐射显示，不仅得到与农作物直接的相关概念，还可以得知与农书有关的信息。
3 结语
本文首次尝试构建了古代农艺这个试验性领域本体，阐述了构建古代农艺领域本体的基本方法、流程和工具。该本体实验的构建是在专业词表基础之上进行，将农业领域专业词表中的词有选择地转化为本体中的概念。
[关键词]艺术衍生品；原点价值；跨界整合；地域文化
[中图分类号]J124[文献标志码]A[DOI]10.3969/j.issn.1009-3729.2015.03.020
艺术衍生品在国内属于新生事物，在概念上存在含混现象，表现在艺术衍生品与文创产品、旅游纪念品、文化礼品等的概念边界极其模糊，有很多艺术衍生品同时具有艺术品的收藏功能、旅游纪念品的纪念功能、文化礼品的馈赠功能，因此，其既可以在博物馆出售，也可以在画廊中交易，还可以在艺术超市被销售。由于艺术衍生品既有天价的限量版艺术复制品，也有几十元的马克杯，因此如何界定艺术衍生品的概念已成为学术界必须解决的关键问题。林雪[1]将艺术衍生品分为复制品与生活用品两类；金磊磊[2]将艺术衍生品按照形态分为静态与动态两类，静态类的包括复制品、日用品，动态类的包括艺术行为与艺术体验。但总的来说，这些分类方式过于笼统，只阐述了艺术衍生品的某些类别，无法全面地涵盖艺术衍生品的概念。本文拟从艺术衍生品的概念界定出发，阐述艺术衍生品的开发现状、开发途径，以及艺术衍生品原点创新的策略，以期为当前艺术衍生品研究提供参考。
一、艺术衍生品的概念界定
艺术衍生品有狭义和广义之分。狭义的艺术衍生品，是指以艺术家的艺术作品或具有艺术价值的历史遗产作为原型，采用复制、挪用等手法进行设计、生产的商品。可见，狭义的艺术衍生品有一个明确的艺术品原型，这个艺术品通常是被公认的艺术家的作品，或者是具有艺术价值的历史遗产。依据艺术品原型，使用复制的手法，可以制成限量版和非限量版的艺术复制品。采用挪用的手法，可以将艺术品原型的图形和造型植入到不同的物品上，得到拥有艺术品质的衍生品。在这个过程中，艺术品原型提供给艺术衍生品的不仅是艺术的灵感，更是艺术的价值。众所周知，经典传世的艺术作品往往价值不菲，而文物级的历史遗产更是无价之宝，以传世艺术作品和珍贵文物作为原型，提取其元素作为艺术衍生品的创作资源，能提高商品的附加值。在这个衍生的过程中，艺术品的艺术价值悄无声息地转换成艺术衍生品的商品价格。狭义的艺术衍生品种类主要包括：书法、绘画、建筑、摄影、雕塑、装置等。
广义的艺术衍生品包括两部分：一部分是基于艺术品原型进行设计生产的商品；另一部分是基于艺术感设计生产的商品，而艺术感又可以被细分为美感、情感、通感、动感、灵感等多个方面，是否具有艺术感是为衡量广义艺术衍生品的重要指标。可见，广义艺术衍生品的核心不是艺术品而是艺术感，能呈现出艺术感的商品，即便不存在艺术品的原型，依然可称得上是艺术衍生品，这一点在创意产品上尤为明显。创意产品通常具有“一种无目的性、不可预料的和无法准确测定的抒情价值”，是“能引起诗意反映的物品”。很明显，这种价值正是后现代艺术所追求的东西。[3]这种存在于创意产品上的灵感和艺术品创作中的灵感都属于艺术感的核心特质。灵感是人类在瞬间把握自己本性或外界属性的思维活动，而灵感的物质载体是艺术品或者艺术衍生品。
通过对艺术衍生品概念的分析，我们可以分别从狭义和广义上来把握艺术衍生品的核心，即狭义艺术衍生品的核心是艺术品，而广义艺术衍生品的核心是艺术感。但不管是基于艺术品还是基于艺术感，艺术衍生品的本质属性是其商品性――将艺术的价值转化为商品的价格、将艺术品衍生为商品（见图1）。
二、艺术衍生品的开发现状
艺术衍生品近年来进入人们研究的视野有三个背景：一是艺术品市场的持续升温；二是文化产业在当下备受关注；三是旅游成为一种生活方式。近几年，艺术衍生品开始出现在博物馆、美术馆、画廊的艺术品商店里，成为一道亮丽的风景线，并创造出逐年上升的经济效益。在许多博物馆、美术馆、画廊的官网上，都开设有网上商店，进行艺术衍生品的交易。下面以国内外几家大型博物院为例，对艺术衍生品的开发现状作一分析。
1.上海博物馆的艺术衍生品
上海博物馆是一座大型的中国古代艺术博物馆，陈列面积2 800平方米，馆藏珍贵文物12万件，其中尤以青铜器、陶瓷器、书法、绘画为特色，藏品之丰富，质量之精湛，在国内外享有盛誉。1996年新馆全面竣工，有青铜馆、陶瓷馆、书法馆、绘画馆、雕塑馆、玉器馆、钱币馆、家具馆、玺印馆、少数民族工艺馆和胡惠春捐瓷专馆――暂得楼陶瓷馆，以及3个临时展览厅，陈列面积1.2万平方米。馆藏以文物藏品为主，其艺术衍生品的开发是以古代艺术品作为原型而展开的。我们对其网上艺术品商店调研的结果是：有23个类别，共计268个品种（见图2）。
上海博物馆的艺术衍生品所依托的基本原型是上海博物馆馆藏的12万件珍贵文物，这些文物的精美与丰富在全国地方博物馆中都是罕见的。根据这些文物而开发出来的艺术衍生品琳琅满目，其中，仿
复青铜器、瓷器、书画、玉器占据了品类的1/6，属于高端商品，对文物藏品的还原度极高，侧重对其艺术感的保留，是上海博物院艺术衍生品中的精品之作；丝巾、领带、桌旗等属于中端商品，具有江南特色，其品质与工艺堪称上乘；低端商品的品类更丰富，从行李牌、杯垫、手镯到小包袋、钥匙扣等应有尽有，多是精美的日用品，透露着上海人对生活的精微态度。
2.博物院的艺术衍生品
博物院又称国立故宫博物院，原名中山博物院，其藏品包括清代北京故宫、沈阳故宫和原热河行宫等处旧藏之精华，以及海内外各界人士捐赠的文物精品，共约70万件，分为书法、古画、碑帖、铜器、玉器、陶瓷、文房用具、雕漆、珐琅器、雕刻、杂项、刺绣，及缂丝、图书、文献等14类。博物院与商家合作开发艺术衍生品已有20年，目前已有70多家故宫品牌授权厂商，其中16家厂商是双品牌（拥有自主开发权的品牌）厂商。其纪念品售卖区空间开阔，大到文物仿制品，小到手机挂件，设计均取材于故宫博物院的文物与展览，是游客喜欢光顾的地方。据官网资料显示，这里销售的艺术衍生品有3 000多种。我们对其网上艺术品商店进行了调研，对9大类共795种艺术衍生品进行了品类分析（见图3），其中畅销礼品、书法绘画、典藏精品、图书影音都是依托其丰富的文物藏品开发的，藏品的历史文化价值决定了其艺术衍生品的价格。在网上的艺术品商店中，高端商品有精致优美的书画绘画、典藏精品等，中端和低端的商品有图书影音、流行趣味、生活风格、设计文具等。博物院艺术衍生品的每个品类都有明确的产品概念，重视艺术衍生品中的情感体验，产品开发所关注的核心是人，注重人的生活趣味、情感体验，都是围绕消费者需求进行开发的。这种理念指导下所生产的艺术衍生品，能打动人心、激发消费者的购买欲。
3.法国卢浮宫的艺术衍生品
卢浮宫是世界上最古老、最大、最著名的博物馆之一，目前共收藏有40多万件来自世界各国的艺术珍品。根据艺术珍品来源地和种类分别在六大展馆中展出，即东方艺术馆、古希腊及古罗马艺术馆、古埃及艺术馆、珍宝馆、绘画馆及雕塑馆。其中绘画馆展品最多、占地面积最大。其官网上的艺术品商店售有海报文具、珠宝、目录指南、装饰、DVD、儿童用品、时尚配饰、雕塑8类，共计2 235种商品。由于藏品丰富，开发历史悠久，以及商业模式和管理先进，卢浮宫开发的艺术衍生品品质精美、品类丰富，开发的深度和广度都值得借鉴（见图4）。
卢浮宫在开发高中低档衍生品的品类和数量上是比较均衡的。其中，高端商品珠宝依托于丰富的馆藏品，制作精美，极具异域风情。复制品中，雕塑的品种丰富、数量繁多，分为古代艺术、欧洲艺术、非洲艺术、埃及艺术、亚洲艺术。时尚配饰是独立于珠宝和装饰的一个特色品类，与法国的时尚产业紧密相关，是法国非常具地方特色的产品，其依托于法国文化和地域的特点虽不可效仿，但这种开发衍生品的思路值得借鉴，因为文化艺术资源毕竟是艺术衍生品的命脉。数量最大的目录指南，则反映出卢浮宫每年庞大的游客数量。
另外，我们还考察了中国美术馆、尤伦斯当代
艺术中心、上海证大艺术超市，发现国内艺术衍生品的开发格局是：博物馆依托于文物级的藏品进行开发；美术馆依托于所收藏的艺术品进行开发；画廊依托于已授权或签约的艺术家作品进行开发；艺术超市由于没有重量级的藏品，倾向于创意品的开发，走平价路线。整体来看，博物院对艺术衍生品的开发概念比较清晰，国内其他机构在对艺术衍生品的开发上都存在着不同程度的问题：艺术衍生品的数量少、品类细分度差、雷同感强。其原因主要有以下几点：一是国内博物馆、美术馆、画廊、艺术超市对艺术衍生品开发的社会、文化、经济价值认识不足，重视不够；二是整个行业的专业化程度不高，从设计、开发、营销到展陈的所有环节都处于起步阶段，开发深度较浅；三是国内艺术衍生品授权机制不完善，缺乏有效的市场管理，不尊重艺术品的知识产权，而侵权常给艺术家带来名誉、经济等方面的损失，使行业雪上加霜。
三、艺术衍生品的开发途径
随着艺术衍生品市场的持续升温，艺术衍生品的开发与创新显得极为迫切。本文将围绕艺术衍生品的价值分析、品类细分、系统模型与设计流程，系统地回答艺术衍生品开发过程中的是什么、为什么、做什么、怎么做的问题。
1.艺术衍生品的价值分析
分析艺术衍生品价值的主要目的是为了解决艺术衍生品“为什么”的问题。通过对艺术衍生品市场的分析，可以总结出人们购买艺术衍生品的六大价值需求，即收藏价值、审美价值、情感价值、馈赠价值、炫耀价值、实用价值。因此，在产品开发初期，应依据这六大价值需求，设计出相对应的艺术衍生品的品类：仿真品、装饰品、纪念品、礼品、奢侈品和日用品。这六大价值分别对应消费者的需求点，即仿真品的收藏价值、装饰品的审美价值、纪念品的情感价值、礼品的馈赠价值、日用品的实用价值、奢侈品的身份价值（见图5）。遵循价值分析推导出产品品类，是艺术衍生品开发的重要方法，通过在产品价值与消费者需求之间建立起紧密的逻辑关联，可保证艺术衍生品开发的有的放矢，避免开发中的无序性与盲目性，这对于艺术衍生品的概念创新与深度开发都具有现实意义。搞清楚“为什么”不仅可以保证短期开发的明确性，也可为长期产品的开发摸索出一条规范的路径。从“为什么”开始的设计思路，可保证设计的生命力与原创精神。
2.艺术衍生品的品类细分
在对艺术衍生品进行价值分析的基础上，还需要进一步对艺术衍生品的品类进行细分。品类细分是艺术衍生品开发与创新的重要环节。当研究进行到艺术衍生品品类细分时，艺术衍生品的雏形就已经呈现出来（见图6）。通过对仿真品的收藏细分、装饰品的载体细分、纪念品的情感细分、礼品的用途细分、奢侈品的材料细分、日用品的功能细分的研究，艺术衍生品呈现出巨大的开发空间，许多可以延展的领域一目了然地出现，有效地回答了艺术衍生品开发中究竟“做什么”的问题。在此基础上进行的产品开发才不会是无源之水、无本之木。
3.艺术衍生品的系统模型
艺术衍生品“怎么做”是一个非常精密的系统性问题。当前国内市场上所看到的艺术衍生品良莠不齐的状况与缺乏系统模型有直接关联。艺术衍生品如果仅仅停留在形式上的模仿，会出现品类上的狭窄和造型上的雷同，而且这种不求创新、一味相互抄袭、追求短期商业价值的行为，会导致艺术衍生品开发的低水平。这种低水平的状态不仅是一个产业问题，而且还是一个文化问题和社会问题。鉴于此，本文提供了一个可供参考的系统模型（见图7），这
个系统模型中的各个环节之间是丝丝入扣的关系，有着相对严密的内在逻辑。通过这个模型推衍出的艺术衍生品具有生成感，这种生成感可以保证艺术衍生品的品质，提升艺术衍生品的生命力。这一系统模型可为系统中所涉及的关键要素建立关联，使艺术衍生品的开发过程成为可以系统推导出来的严密流程，即从“无形”的动机、观念到具体的概念、要素，进而形成“有形”的原则、策略、标准，完成动机生发――观念产生――概念导出――要素形成――原则建立――策略形成――标准制定等。以不同的动机作为核心，可以推导出完全不同的观念、要素、原则、策略、标准，形成完全不同的路径。系统模型可以帮助我们对艺术衍生品开发过程进行整体性思考，以保证之后的实务流程的有序开展。
4.艺术衍生品的设计流程
艺术衍生品的设计流程主要由以下四步构成（见图8）。
第一步是市场调研。其目标是精准把握消费者的需求，保证产品开发的针对性。对消费者深层需求的了解是艺术衍生品市场调研的重点。在调研中，可使用定性研究与定量研究相结合的方法，对社会购买力、商品需求结构、消费人口结构、消费者购
图8艺术衍生品的设计流程
买动机、消费者购买行为等进行调查，摸清消费者购买艺术衍生品的动机、对现有艺术衍生品的意见、潜在的消费需求等。然后，根据市场调研的数据进行分析，制定艺术衍生品的开发策略，确定产品概念、品类、功能，通过有效的设计流程和展陈营销，保证艺术衍生品的良好开发。
第二步是产品定位。定位过程是一个对现有要素进行分析、判断、整理的过程，是一个在未知中探索发现的过程。定位是艺术衍生品开发的灵魂，好的定位能满足消费者需求、呈现产品的利益点、凸显产品的特点。通过产品定位，可对艺术衍生品的概念、品类、价格、人群、功能进行清晰的界定。
第三步是设计制作。这是一个将无形的概念转化成有形的产品的过程。要在产品定位的基础上，紧紧围绕设计概念，进行反复的设计探索，寻找对应的造型、材料、色彩、肌理，不断通过草案优化艺术衍生品的外观、颜色、细节、语义、功能等，协调多种设计元素的冲突，将复杂的概念协调为简单的产品表
达。之后，运用三维辅助设计软件完成具体的产品制图，根据制图，完成产品模型的打样，进入生产环节。
四、艺术衍生品的原点创新
艺术衍生品的创新包括概念创新、形态创新、功能创新、材料创新、技术创新等，而艺术衍生品的创新首先要解决的是概念创新问题。创新的原点在哪里？
概念创新既非天马行空的主观臆想，也非绝对的逻辑推理，而是综合两者的思维突破。概念创新的基础虽是对实际情况的充分了解，对相关知识与经验的掌握，但这些都只是条件，不足以达成概念创新，概念创新的实现是一个复杂的思维过程。赖声川认为，“创意所需要的智慧，是能够看到万物之间的关系，首先需要看到万物的整体性，自然界一切的相互连接性。有了这种智慧，创意工作才可能有深度”[4]。艺术衍生品的开发，本质上是一个造物的过程，在赋予物体形态之前，必须首先赋予物体以精神，然后用材料和形态将其显现出来。在这个过程中，设计师要发挥“转化”作用，将自然界的材料按照设计构想重新组合，使其呈现出新的功能。为了完成这种“转化”，创新设计的思维必须寻找未转化前的原点。原点是设计的“根”，是进行创新最根本的素材；原点是创新的灵魂，其价值在设计中是必须保留的，创新只不过是改变它的呈现状态而已。以艺术衍生品、文创产品、旅游纪念品为例，我们可以发现，艺术衍生品的原点是艺术品的原型，文创产品的原点是思维的原创，旅游纪念品的原点是特色的原地（见图9）。原型、原创、原地是让产品真正产生价值的部分。
作为艺术衍生品，衍生品原点的价值是其核心的价值。原点价值有三个属性：稀缺；非物质；无价。无论是狭义上具有艺术品原型的衍生品，还是广义上具有艺术感的衍生品，都具有这三个属性。优秀的艺术品是艺术家生命状态的当下呈现，具有不可复制的灵性，正是这种灵性的存在使得艺术品原作成为了稀缺、非物质、无价的物品。因此，在艺术衍生品的开发中，要通过设计语言的转化将艺术品转化为商品，并尽力保留艺术品的灵性，使消费者产生购买艺术衍生品的欲望。稀缺性可使消费者趋之若鹜地渴望拥有；非物质性可使衍生品在延展中得到自由诠释；无价性可为衍生品在价值与价格之间提供了巨大的利润空间。要进行艺术品的原点创新，可采取以下策略。
1.以原型拓展寻求价值突破
德国著名学者W.本雅明认为，复制品本身并
不具有价值，产生价值的是复制时所参照的物品，是这种稀缺的物品所具有的灵光让沉溺在物质泛滥世界中的人们在对这种特殊物质的复制品的占有行为中，稍稍脱离了物欲层面，赋予了其精神追求的属性。[5]
创新是从原点出发、以当下的审美意识和需求重新造物的过程。对艺术品原型的“转化”，从视觉上直接提取其图像、色彩、肌理进行再设计，是最常用的创新方法。但要进行深度的开发与创新，必须寻求衍生品的价值突破。可从审美价值、收藏价值、情感价值、实用价值、馈赠价值、炫耀价值上实现突破，从商品开发的角度梳理产品功能，从功能需求的角度细分产品类别。
2.以原创突破进行跨界整合
在艺术衍生品的开发与创新领域，基于原创的“跨界”整合是有其深层原因的。在飞速发展的社会中，人们逐渐形成了新的生活方式，对产品的体验消费需求不断增长，原有以功能定位的产品已经无法满足人们的情感需求。这需要一种新的物质载体出现，以整合原本毫不相干的元素，使之相互渗透融合，以适应人们新的生活态度与审美品位，给人们带来纵深的产品体验。
“创意是一种跨越界限的能力，智慧是看到更多的能力。”[4]跨界整合意味着突破，其最核心的突破不仅是物与物的连接、场域与场域的融合，而且是观念、概念、思维、方法、感觉、状态、立场的转化。思维层面上的跨界，能够带来概念的创新，在原发状态基础上生成极具原创感的产品。
3.以原地深挖传承地域文化
无论是历史文物、建筑遗产、文化遗迹等物质文化遗产，还是节庆风俗、传统手工、表演艺术等非物质文化遗产，都是在一个漫长的时空中形成的稀缺文化资源，具有无可替代的文化价值。地域价值的深挖，是实现衍生品创新的基础。地域资源有其独特的文化价值、历史价值、自然价值，从价值层面寻求地域的独特元素，在深刻理解地域文化的基础上提炼、组合、提升，用现代的设计语言去表达传统的生活理念，为现代文明带来传统的观念，通过造物来传播传统文化中的精髓，是实现艺术衍生品创新的途径。
本文关于艺术衍生品创新问题的研究，更多的是围绕概念创新、原点创新的层面而展开的，对于艺术衍生品的材料创新、技术创新、媒介创新并没有涉及，有待下一步的研究和探索。[参考文献]
[1]
林雪.艺术衍生品的分析与研究[J].现代服饰：理论版，2014（7）：232.
[2]金磊磊.艺术衍生品的定义与分类[J].大众文艺，2014（21）：117.
[3][法]马克・第亚尼.非物质社会――后工业世界的设计、文化与技术[M].藤守尧，译.成都：四川人民出版社.1998：4.
【关键词】艺术 美 发展流变 历史变迁
【中图分类号】J0-05 【文献标识码】A 【文章编号】1674-4810（2013）34-0015-02
艺术与美这两个概念，从现代艺术与美的角度来看，两者似乎是不可分割的一对概念，虽然彼此有区别却又相互依存。但是两者之间的关系并非自古有之，而是从彼此毫无关联走向融合，又从融合走向分离的过程。这一发展流变过程经历了文化的发展、政治的更迭、学科的建立等重要因素的影响。
一 哲学源头：艺术与美毫无关联
在哲学产生之初，艺术与美是毫无关联的两个概念。古希腊时期，“艺术”一词之意与现今不同，是指“技艺”的意思，即表示的是制作某种对象所需要的技巧。正如塔塔尔凯维奇在其《西方六大美学观念史》中所说的那样：“举凡技巧都需以某种规则之知识为基础，是以缺少规则或方案便不能成其为艺术。”①从此可以看出，古希腊时期的“艺术”一词换为“技艺”更为合适。这时的艺术是指那种依靠理性的活动，是为了某一种固定的目的而进行的活动的产物。如果非要对这种艺术进行评价的话，想必古希腊人的评价标准定会是实用与否、达到目的与否，而不会用美进行品评。
与此相应的，美这个概念在西方文论源头上也与今日不同。从词意学角度来看，古希腊时期的美的概念要比现在宽泛得多，其外延所至，不仅仅涉及美的事物、形态、色彩等，对于那种合规律性的风格、精妙的思想也同样适用。而到了公元前5世纪，智者学派才将美的概念的外延相对缩小，他们将美的概念界定为“那透过了视、听而予人的东西”；斯多葛学派也将美的概念缩小为“美是那具有合适的比例和诱人的色彩的东西”②，斯多葛学派对美的概念的界定，显然是接受了毕达哥拉斯学派的美是“和谐”的理论。除此之外，古希腊早期的哲学家对于美的定义还有许多说法，大体都不尽相同。因此可以说，那时的美的概念是十分庞杂的，其涉及的范围十分广泛。
在西方哲学源头，艺术与美的概念是不相关联的，但这并不意味着其概念不存在，相反，那时美与艺术的内涵与现代之意不同，因而同现代美与艺术之间的关系必然不同。在柏拉图那里，艺术属于第三层世界，它是对现实世界的模仿，而现实世界又是对理念世界的模仿，因而艺术的目标则是要为现实服务的，即达到理念世界最高的美——“美本身”。柏拉图所说的美，是好、善的同义词，是理念的显现，与现在美的概念并不相同。古希腊时期的其他著名学者，如亚里士多德，在其理论著作中，也没有将艺术与美结合在一起。从此，不难看出，美与艺术的关系理论，在西方哲学源头上是不相关联的。
二 美与艺术：逐步靠近到真正融合
美与艺术的关系，到了古罗马时期开始发生了转变，两者开始相互靠近。而到了十八九世纪，美与艺术在黑格尔理论的推动下，真正融合在一起。
1.艺术与美的逐步靠近
在古罗马时期，人们已开始用美这个概念来评价艺术，这是因为哲学的发展，让古罗马人认识到事物的美与艺术的美不是一回事，持此观点的学者，以神学家普罗提诺为代表。普罗提诺是第一位明确提出美与艺术相关联的哲学家，他认为艺术作品就是一种体现了美的事物，即“艺术是美的占有者”。作为新柏拉图主义者，他所说的美与柏拉图的“美本身”有相似之处。在普罗提诺看来，人们对艺术与美的观照，并不是为了获得感官的愉悦，而是要达到心灵的感悟，即神的境界。普罗提诺“将事物的美与艺术的美分开，认为美的根源并不在美的事物本身，神才是美和艺术的来源”③。他对于艺术与美关系的看法，是建立在他的“流溢说”、“太一”的学说的基础之上的，他强调人应超越于物质的与具体的美的存在，而去领会美的本真，从而提高人的精神境界。从此可以看出，古罗马时期，美的概念已相对于古希腊时期的范围有所缩减，艺术与美的概念开始靠近。
到了文艺复兴时期，艺术与美的概念又靠近了一步。文艺复兴时期，人文主义思想盛行，因而文学艺术也迅速发展，“美”这一概念开始在艺术领域得到了较高的评价。此时，艺术的生产者——画家、雕刻家、建筑家等，他们的地位也提高了。在文艺复兴时期，艺术品开始被当作投资方式来对待，一些有钱、有地位的贵族们，开始购买艺术品，并把它当成是一种投资，因此，艺术及艺术家的地位提高之后，艺术逐渐与工匠之列相脱离。
在艺术的划分上，同样可以看到艺术地位的上升。古代人和经院哲学家按照创作是单靠劳心，还是同时需要劳力加以区分，将艺术划分为：自由的艺术、粗俗的艺术，粗俗的艺术也叫做机械艺术。而到了文艺复兴时期，艺术则分为三种：哲学与学术性的、劳动技术性的以及艺术。此时艺术已有了“美的艺术”的意义，这是一种欣赏的艺术；与此同时，画家、雕刻家也不再被认为是机械艺术的匠人，他们被说成了自由艺术的创作者。
2.艺术与美的真正融合
艺术与美的融合，经历了文艺复兴之后，其关系理论有了重大突破。1750年，美学学科正式建立。与此同时，工艺与科学完全脱离了艺术，艺术在概念上重新加以界定，认为只有美术才能称为真正的艺术。在18世纪，法国的巴多列出了五种美术——绘画、雕刻、音乐、诗歌和舞蹈，并且还加上两种相关的艺术——建筑与雄辩。④巴多的这种划分，在19世纪十分盛行，但19世纪艺术一词的概念更为狭窄，它只将美术包括在内，这种美术又被视觉艺术所独占。此时，德国美学家黑格尔对于艺术与美关系理论的定义，在实际上推动了其发展。
黑格尔认为：“认为艺术美才是真正的美，因此美学研究的范围就是艺术，或叫做‘美的艺术’。”他认为“艺术表现的是普遍需要，是一种理性的需要”⑤。他把艺术的创作当成一种有目的的精神劳动，是为了发现美，并在其中得到自我观照。在黑格尔那里，艺术与美的本质都是理念，他将美与艺术提升到了同等的高度，而两者都是为其本质理念服务的。至此，艺术、美的概念完全融合，美学也就是艺术哲学。
三 艺术与美的再度分离
艺术与美的概念在黑格尔那里真正整合在一起，但是进入20世纪之后，两者的关系又开始发生了变化。进入20世纪之后，文学界与艺术界百家争鸣，各种流派层出不穷，美学与艺术这两门学科，开始构建自己的学科内容，因而美与艺术再度分离。
到了1900年之后，人们开始怀疑透过美去界定艺术是否有效。而到了1950年左右，人们开始一致相信，这种定义是无效的。自此，艺术与美的概念史，开启了一个新的时代。此时，越来越多的理论家认识到，艺术并不是仅仅关系到美，对于其表达的思想性与表现性也是有关系的。塔塔尔凯维奇在其《西方六大美学观念史》中写道：“虽然在理论上，艺术的概念，唯一的标准便是美，但在实际上，关于诸如思想的内涵，表现性、严肃性的程度、道德的正直性、个性以及非商业的目的等等的考虑，也都扮演一部分的角色。”此时，艺术的范围不断扩大，不再只关乎美。人们重新去思考艺术的本质，不再忠诚地认为艺术是美的产物。
可以说，艺术与美关系理论的变迁，并非20世纪一时兴起，它早在19世纪时就已有端倪。如在19世纪，一些“先锋派”艺术家开始发端，他们不同于传统的艺术家，将艺术常规打破，从而寻求一种新的艺术理念。先锋派所寻求的新的艺术理念，否定了传统艺术标准——美，虽然在19世纪并没有引起太大的影响，但其到了20世纪却逐渐发展壮大起来，并对艺术与美学的发展起到了不可小觑的作用。
先锋派艺术以新奇、极端著称，这些特点与传统的美不同，其形式不一定是和谐与美的，其艺术所产生的效果也可能不是美的，但其艺术的地位，却没有因为缺少了美而下降。先锋派艺术家们通过自己大胆的差异、惊人的才华，使先锋派取得了胜利：如早期的波德莱尔、洛特烈阿蒙等人，以及19世纪的印象主义学派、象征主义学派；20世纪的立体主义、抽象主义和表现主义；以及两次世界大战后的现代主义、后现代主义等，都成为20世纪艺术发展的成果。先锋派者不再用美来对艺术进行定义，相反，而是用反叛、新奇、革命性的形式来表现艺术。
先锋派艺术家的创作理论，是艺术与美关系理论发展的一种结果。至此，美与艺术关系理论进入了一个新的历史时期。美与艺术的概念开始分离，但并不是说艺术中不再以美为标准，只是艺术的标准不再仅仅把美当作标准，开始变得多元化。
四 总结
纵观艺术与美关系理论的变迁，我们可以得出结论：其流变的原因是艺术与美争夺地位的结果。艺术与美两者由于其含义、概念的不确定性，导致了两者不同的关系，这种不同的关系，就是其争夺地位高低的象征。
从学科建立的角度上，艺术的概念要比美的概念产生得早，美学这个学科也在18世纪才得以确立。因而艺术与美的外延和内在也在不断发展变化之中，最终得以融合。到了20世纪，美学与艺术迅速发展，人们逐渐认识到了艺术的特性并非仅仅是美，对其本质问题，人们开始进行多元的思考。艺术的形式也变得多元化，不再拘泥于传统的理念、形式与表达方面，这导致了艺术与美关系相分离的情况。
注 释
①②④〔波兰〕瓦迪斯瓦夫·塔塔尔凯维奇.西方六大美学观念史（刘文潭译）[M].上海：上海译文出版社，2006
【作者简介】郑工中国艺术研究院美术研究所副研究员，博士
【 正 文】
一、学科系统
我不知道现代的学科系统是否也像电脑的界面一样，变幻无穷。有些评论家用“寓言的机器”描述寓言叙述的多向性，把玩着语义。不过，任何一个寓言的界面呈现，极易成为文本的想象游戏。当中世纪但丁的地狱之行进入现代电脑的编码程序中，其途径经过在线数据库，得到的却是一张神秘的魔法般的空间图像。
美术理论，顾名思义，是对美术之理（或曰道）的思考与论述。道，既是规律又是途径，涉及本质问题，是通向形而上的思辨之途——以“道”为题，必然进入哲学的发问与解答。故理论一词，往往追究本质，探讨美术的发生意义以及内容与形式的审美关系，探讨造型艺术自身构成的诸种要素及组合规律。在人文社会学科中，美术理论与美学最易接近，甚至被认为是美学的分支，似乎等同艺术哲学（英文ART就是指视觉的造型艺术，即我们所谓的“美术”）。当人们企图用“艺术哲学”这一学科概念代替“美术理论”时，是否表明他们就是站在哲学的立场研究造型艺术呢？若回溯中国美术理论的传统，始终未曾进入哲学内部，与其建立系统的联系（哲学或文学理论向美术理论渗透，是单向度的外部关系），更无“科学”一说。古代中国，具备理论形态的造型艺术，主要是画论与书论（雕塑业和建筑业，其理论多在技术规范，尽管亦有审美的文化的诸种意识贯注其中，但未形成自上而下的理论体系）。古代中国的画论与书论自六朝后历代不断，前后相系，是专论，号称“画学”、“书学”，或“画论”、“书论”。以“理论”的性质而言，是密切联系创作实践的一种阐释体系，不是纯粹形而上的思辨体系。因为是阐释，一明源流，二重事理，三言观念，四讲品位，史论评三者共为一个理论整体，且与创作实践形成辩证的互动关系，这是中国古代美术理论的系统定位。不过，20世纪50年代的中国，作为一门独立的现代学科建制的还是美术史学（在中央美术学院设立美术史系），它基本沿用历史学的学科规范。美术理论因无学科建制，相关研究人员分散在普通高校哲学系、艺术系，或美术学院的理论教研室、美术研究所等单位，——作为纯粹思辨形态的造型艺术理论，往往进入哲学或美学系统；而作为一般造型技艺理论或与本体形态相关的阐释理论，往往以课程的方式出现在专门的美术院校。1978年后，在专业美术院校和艺术研究院设立了“美术历史与理论”的学科名称（简称“美术史论”），至此，美术理论才进入学科建设的门槛。如果说，美术理论进入艺术理论系统或美学系统，还有既成的规范（西方的）可以遵循，但到了“美术学”的新建系统，所有的一切必须重新链接，重新规范，重新定位。概论者，一为基本原理的阐述，二是历代理论的通诠，三是基本范畴的解说，藉此进入历史文本研究。如果我们研究历代的美术理论，关注的不会是概论，而是时论。无论中西，真正能体现彼时彼地他者理论观和价值观的，不在概论而在时论。概论是总结，时论是现状研究，关注时下美术现象，以既定价值标准，审视与评判美术实践之主体与客体及其相互关系。因此，时论既是批评文本，又是历史文本，在历史片断中直接传达创作观念与审美意识。事实上，在美术理论的发展历史中，概论之寂寂与时论之煌煌，对比极为鲜明。无怪乎，中国文学理论史，常冠名以“中国文学批评中”或“中国文学理论批评史”（注：参见陈钟凡《中国文学批评史》，1927年版；郭绍虞《中国古典文学理论批评史》，上海古籍出版社，1962年版（1979年12月新版，名为《中国文学批评史》。）；敏泽《中国文学理论批评史》，人民文学出版社，1981年5月版。）。批评，是西方的概念，与中国传统的艺术理论（如文论、画论、乐论等）并不相符。理论不等于批评。若论中国的美术批评，与其说它接近理论，毋宁说它接近品鉴。中国古代的品鉴就是一种时论，是理论最直接的应用与表述，其方式可点评可议论，可指正可判断或褒贬、品第。
二、学科概念
常言，美术理论是一门研究与考察美术活动和美术现象，探求其规律的人文学科，是一个关于美术的知识系统。研究者必须将他对美术现象的感受与体察之经验转化成理智的(intellectual)形式，将它整理成首尾一贯的合理体系，它才能成为一种知识。我国美术理论界目前又有多少首尾一贯的知识系统？
我们可以对美术理论进行整体描述，但总是模糊的。一个成熟的学科，必须要有相对明确的研究对象，要有相对固定的学术规范，在高校还要有相应的教学实体，包括教材。中国的美术理论的学科建设问题，长期以来有教学和研究实体，却无教材无规范（技法理论除外），且研究领域涣散，一直无法走上正常的学科建设轨道。如果检测近20年来我国所有美术理论研究方向的硕士或博士论文，你会得出什么结论？你能看到一个学科的外轮廓么？不可能。众多选题中，既有美学问题研究，也有形式本体问题研究、形态研究、批评研究、心理学研究等，还有一些跨学科的边缘性的研究选题。我们什么时候能从边缘地带划出一道清晰的学科界限？或在学科内部建立一道学术底线？解决这个问题，似乎最有效的办法就是系统性处理，即将现有的各种知识系统化，寻找各个知识系统（小系统，模式块）间的相互链接。链接的情况还得进一步处理，分析其知识导向与基本局性，才有可能在学科图表上显示其内在的与外在的各种关系。
不可否认，理论学科的研究对象比历史学复杂，可是否研究对象自身的复杂性就造成美术理论研究的不确定性？科学研究的意义就是将复杂的问题有序化。一个系统的学科会建立自身的研究基点，确立基本范畴，建构一系列的学科概念。20世纪80年代以来，学界一再提倡美术本体研究，可为什么还是一再徘徊在学科边缘而无法进入基本理论问题的研究？似乎学派还不是问题的关键，每一学科都存在不同学派不同学说，但都不会影响其学科的整体规范，不会淡化以至解构学科特征，至少在某一时期如此。每一学科也都会出现新兴的交叉学科，都会模糊、淡化甚至重复学科的研究对象，同样也不会改变本学科艺术质。美术理论为什么会存在这么一个学科概念，却无明确的学科定位和学科规范呢？因为历来中国美术理论就缺乏一个大的系统建构。
当我对自己所接触的知识进行整理时，发现中国历史上所谓“美术理论”，都只是一个个“知识点”，缺乏系统性，没有自己的学科归宿，或者说缺乏一个系统网络接纳这些知识。追求系统知识，并非就是“唯科学主义”。科学，包含自然科学和社会科学，也关系到人文学科(humanities)。显然，美术理论属于人文学科，研究重点在于人的情感、人格尊严及其自我实现的内在需要——注重人的精神性、个体性和审美价值观，是关于美术现象的整体价值评述。但是，美术理论也涉及到人与对象物，人或对象物与社会之间的关系，需要观察、统计与逻辑推理，这就涉及到“科学”，涉及到观察与理论的关系问题。中国历代的美术理论，几乎都是品评赏鉴，或者说都在某种价值预制的前提下进行的理论评判（即“你能观察到什么，说明你拥有什么样的理论”）。在许多情况下，理论先于观察，有时则交替进行，先发现而后评价（不过是既定理论体系的补充、拓展与完善），一个总结性的评价将现象定性定位，构成知识点，随后便发生转移。以价值观为基点的系统性理论建构，应有一个时间维度。但我们又无法辨别当一个系统理论出现时，是否标志着一个时期的开始抑或完结？譬如，我们该如何评价顾恺之的“形神论”与谢赫的“六法论”？顾恺之是历史的决结，而谢赫是新时期的开端？我以为，无论何者，都只是一个“知识点”的问题，未成体系。理论体系与时期并无绝对的必然的对应关系。一种理论体系可以概括一个时期的实践状况，也可以跨越几个时期，而一个时期也可能出现几个不同的理论体系。我们只能根据理论表述自身的性质决定体系的存在。文化系统比较好确认，它有一个相对固定的时间轴和区域空间的标定。美术也一样，作为人类造型的活动和现象，也从属于各个不同的文化系统，而研究这些活动和现象的美术理论，也必须成为一个自在的体系，并在不同体系之间建立对话和交流的关系。
在“美术学”、“美术理论”等学科概念上，中国和日本的学术界有着比较接近的看法。
可以对证以下两个文本：(2)日本学者竹内敏雄主编《美学百科辞典》，其“美术学”词条言其概念相当于“艺术学”（德文Kunstwissenschaft，英文Science of art，法文Sciencede art），表示很多含义。德文Kunst指造型艺术，日文无对应词，故以“美术学”相译。——“美术学泛称造型艺术的学问研究”，这是广义，其下属“体系美术学”和“美术史”两种。什么是“体系美术学”？“即研讨一般造型艺术的本质和意义，阐明造型艺术各领域的特征、界限、相互关系等”，且“关于美术史的原理论和方法论及风格论跟体系研究颇有直接联系”（注：［日］竹内敏雄，前引书，第197页。），最后，又特别说明“狭义上则除了美术史，专指 美术理论的学科概念和学科建设 美术理论的学科概念和学科建设 美术理论的学科概念和学科建设体系研究”。什么是体系美术学？竹内敏雄主编的《美学百科辞典》将其分为两大基本问题：一是“美术是什么？”二是“什么是美术？”前者是哲学的发问，涉及美术本质；后者是在形态学意义上发问，涉及美术本体的基本构成要素、种类划分以及在历史发展过程中的形态风格。那么，美术理论的研究领域是否就是本质论和形态学？美术理论就是放大了的内容与形式相统一的知识系统？以逻辑推论至此，竹内敏雄的所谓体系美术学，狭义上就是美术基本理论研究，它的注意力不在于把握单个的美术作品，而是整体的美术现象，它的广义，也等同于《中国大百科全书·美术卷》中“美术理论”概念的广义之解。看来，“美术理论”的概念表明亚洲人在西方文化的冲击下，希望能以西方的学术规范（主要是西方的哲学规范）统摄东方的美术经验，从而建立一种跨文化的理论研究体系。
三、学科图表
美术理论的知识系统包括基本理论、应用理论与交叉学科三大板块（见下图：美术理论学科图表）。基本理论研究是学科基点，以原理论为核心。所谓“原理论”，即质性研究，规定美术的本质特征及其相关概念，回答“美术是什么”及“什么是美术”这两个最基本问题，由基本命题扩展出相关的概念群及系列范畴——直接以哲学化的思考确立某种艺术观。由原理论直接导向论方法论研究，其任务一是规定美术理论体系的总体建构方式，二是探讨理论的思维法则、研究路向、系统结构法，三是研究美术理论方法自身的历史现象与规律。此外，基本理论还向“学术阈”和“创作阈”延伸，一方面是实践主体的理论，阐述美术活动过程中主体的性质与作用，在人（创作主体、接受主体或批评主体）和作品（理论文本）之间建立一个阐释体系和评价体系；另一方面是历史客体的理论，阐述人类历史中美术作品的发生原理、形态流变及类型性质，在作品（理论文本）和社会（历史语境）之间确认一个意义系统和文化类型。二者直接体现着理论的双重性——以历史性的眼光确认某种文化观，呈现出某种自在的社会性；以主体性的研究确立某种批评观，呈现出某种自为的实践性。显然，美术理论以原理论、实践主体理论和历史客体理论三者构成一个基本理论系统，其学科性质由原理论部分决定。传统学科就在原理论部分建构一元化的结构体系，其内限性强，相对封闭——如果这一部分遭到否定，便会导致整个系统崩溃（如表现论对反映论的否定，价值赋予理论对本质论的否定等等）；而现代学科建制依然保持这种大结构框架，但基本理论部分却呈现开放的多向包容的态势，尤其是在本体的质问达到十分激烈的时候，原理论基本模块就会开裂，出现各种不同的学说与流派，重新形成多元组构的基础模态——种非本质论的外化倾向。
美术理论系统的开放性真正体现在外部边缘的两大学科系列：进入创作阈的右向系列为应用学科，进入学术阈的左向系列为交叉学科。二者的研究阈场可增可减，完全是动态的开放的，随着对象的变化而变化，随着时间的推移而变化，随着区域的转换而变化。按常理，进入学术阈的学科模块其学术性较强，有较大的研究空间；进入创作阈的学科模块其实践性较强，研究的深度和广度多受对象制约。应用理论的研究对象也是它的研究目的，即直接针对造型艺术自身的实践，为实践活动提供理论支持。说明性、可操作性和序列规范成为应用理论的研究特点，对象成为纯粹的研究客体，可使用科学的实验的手段，以实证或否证的方法进行研究。交叉学科的范围更为广阔，可变性大，性质最活跃。第一，与传统的人文学科或社会学交叉，如美术史学理论、美术社会学、美术心理学、美术人类学、艺术哲学或造型美学等；第二，与新兴学科交叉，如比较美术学、阐释美术学、发展美术学。另有一些两栖类学科，如美术思潮史、美术理论史、美术批评史等，论学科性质应属于史学系列，但研究对象的属性则在美术理论范畴（未列入学科图表）。交叉学科是学科分化的现象，处在学科外沿，也是学科的前沿，不断对外交换，激励学科发展，开拓学科视野，研究传统学科边界上的“遗漏问题”或传统学科无法包容的“新增问题”。
附图
美术理论学科图表
分析上列图表，可见基本学科模块亦可成为课程模块。众所周知，课程建设是学科建设的基础，是第一步的工作。目前，应用理论和交叉学科两部分的课程容易切入，易于规范，因为有章可循（参照西方既有的学科课程），且又相对独立，有各自的研究对象和研究方法。基本理论部分的情形却不相同，在西方也没有权威的或比较完整的美术原理著作。所有关于“艺术原理”的研究都在美学范畴内，研究对象几乎都是西方的造型艺术，极少涉及西亚或东亚地区。比较美术学的研究刚兴起，远未深入，未能阐释人类造型活动最普遍的规律并提出相关的艺术法则（是否存在普遍规律和通行法则，此处暂不讨论）。理论阐释有着很强的针对性，即特定的对象、特定的语境和特定的概念术语所形成的一系列规限性的表达。中国现代的美术理论面对的不仅仅是中国传统的书面创作体系（这是最低限度的说法），而是在中国本土由现代的中国人所进行的种种造型实践活动，或曰，与视觉相关的美术活动（暂且使用“美术”概念，既是约定俗成，亦无更加恰当的词可以取代），其中很大部分属于西学体系，或中西结合的现代实验。以怎样的理论话阐释这种美术现象？如何界定又如何评价？理论依据是什么？基本理论的问题最多最复杂，直接诉求个体的感性经验，一时难以澄清，故也无人问津，或无法问津。
四、学科话语
学科建制是对话语的限制。任何一门学科都有自身的命题，特定的研究对象和特殊的概念系统，通过学术体制确立知识－理解模式。它强调在特殊的语境中讨论理论问题，而不是先验地假定问题的答案，推行非语境化的脱离实践的本质主义的思维方式。
学科概念系统的话语重构，曾流行的两种说法，一是实现中国古代理论话语的现代转换，二是实现西方现代理论话语的中国化。在中国，现代美术理论并不是一个纯粹的外来学科，也不是一个纯粹的传统学科，传统中国或现代西方的学科概念和范畴都同时存在，二者碰撞，自然整合。但是，二者在量上或质上均不对等，交流的势态相差亦大。现在理论学科的系统框架是在西方理论思维模式影响下产生的，话语符号是中国的，言说对象是现代的，文化意识层面还有传统的观念，概念系统的话语方式与系统之间不是绝对的文化对应关系，中国古代的理论话语依然进入。系统是被开发的，话语是灵变的，其准则只在于自身的理论立场和对象的特性表达。
美术的概念与范畴是对美术样式的艺术功能、社会作用及审美规律的一种抽象表达。有关样式的分类、流变及艺术特征的理论，必然形成相应的范畴体系，样式的历史沿革又导致理论范畴的推移变化。在古代中国，就有三次大的变化：一从汉代的“君形”论到六朝的“畅神”论；二从六朝的“形神”论到宋代的“形意”论；三从宋代的“意象”论到明清的“逸兴”论。其中，六朝和宋代是两个转折点，而形神论的核心概念是“畅神”，形意论的核心概念是“意象”主流样式的审美特征转换与概念范畴的推移变化基本一致。问题是到了现代，一方面在文化守成主义思潮和狭隘的民族意识驱动下，中国历史上所有的概念范畴泛滥成灾，失去了对象性；另一方面在文化激进主义思潮和开放的全球意识下，西方现代艺术中流行的概念范畴也泛滥成灾，同样失去了对象性。或许我们不能单纯地责怪现代中国美术理论的失范与混乱，因为创作实践本身都处在探索实验阶段，无所适从。旧范式被批判，旧理论被质疑，旧概念被颠覆，传统的语境丧失了，在“解构”和“多元”的现代世界中，在文化大批判的时代，我们能否期待一个共通的美术样式及其相应的概念系统？显然不能。因此，中国古代的理论话语是否需要实现所谓的“现代转换”？西方现代理论话语是否需要实现所谓的“本土化”？其实，这个问题可以简化——对古代理论话语的重新诠释，就是“现代转换”；在自我意识界面上接受西方的理论话语，在汉字符码上实现意义的重新组接，使之成为当下有效的理论工具，就是“本土化”。任何一次历史文化的转型或外来文化的输入，都存在这种现象。若究深意，在“现代转换”和“本土化”口号的背面，则隐藏着一个“新中心”论，或期待着一个新的话语霸权。本文提出的，“话语重构”，不是要建立威权话语模式，而是在清理（让概念系统进入各自的话语模式）之后，以大系统的链接方式建立一个新秩序，即在社会公共的话语空间实现某种理论定位，并以有序的方式进行对话。
五、学科建设
关键词：基础教育艺术设计
随着教育改革的不段深化，艺术设计专业受到了空前的重视。很多学校都开设了艺术设计专业，使艺术设计专业的招生人数大大增加。因此，从教育规模到对艺术设计观念的理解上都发生了翻天覆地的变化。“艺术设计”这一概念也从最初的“美术”中分离出来了。在教学模式上也有了属于“艺术设计”的教学体系。与此同时，我们也感觉到了另一种危机的存在，除了几所专业美术设计院校外，大部分考生美术基础较差，学画的时间不长，也有的考生是改考美术或设计的，在很短的时间内，稍加美术训练就开始了艺术设计专业的高考之旅。因此，如何对待艺术设计基础教育引发了我们的思考。
一些专家认为，艺术设计不同于绘画专业，可以不要求有“超标准”的造型能力，应该减少现有的“基础课”的学时，把更多的时间用来研究专业设计问题。然而在综合院校里的艺术设计专业，面对“先天不足”的学生，基础教育的缩水，不但不能使学生“专业化”，相反使本来就较弱的造型能力退化。在今天，如果我们还一味地追随绘画的基础教学方式肯定是不合时宜的，这一点我们都十分清楚，但使基础教学缩水也不能说是正确的举动。那么如何对待设计专业的基础教学呢？这是我们应该全面思考的问题。
一、基础课的概念与功能
在传统的观念上，只要谈到基础课，我们一般首先想到的是“素描”“色彩”，的确，这是最典型的“基础课”。然而，现代的观念告诉我们，基础课是一个很宽泛的概念，除了对基本造型能力的培养之外，更重要的是对艺术素质的培养。因此，应该从多方面让学生接受良好的艺术基础教育。比如素描课可以做多方面的造型训练，在美国的麻省艺术学院和纽约帕森斯设计学院的素描课程里，除了一般的静物、肖像、人体之外，还包括元素素描、用素描来思考、素描的材料与应用、素描与绘画、透视制图、体积素描、用色彩素描、具象与抽象的联系、概念素描、结构素描、从再现到表现、隐喻的素描等，这些内容拓展了原有的纯艺术范围，既训练了造型方法，也增加了很多训练视觉感知和视觉思维的内容。当然，我们不能全盘照搬国外的教学模式，但适当借鉴和参考还是必要的。关键在于如何看待基础课的问题。基础课不仅仅是造型上的训练，同时更重要的是对学生艺术素质的培养，是整个艺术设计教学中不可缺少的一个重要环节。
二、基础教育现状分析
从广义上可以这样定义：创作课之前的课程都可以称为“基础课”。进一步还可以把基础部分分为绘画（造型）基础和专业基础。绘画基础课主要是解决学生基础造型能力的课程，是从绘画专业那里延续过来的，其目的是让学生通过静物、人物、风景等造型训练，掌握基本的造型能力，为接下来的课程做好准备，循序渐进地使学生走向专业、走向成熟。专业基础课是在学生掌握了基本的造型能力，进入专业之后与所选择的专业相关的基础训练。比如，平面方面的平面构成、色彩构成、图形设计、图案设计、计算机操作及设计软件的使用等。
十几年来，由于电脑美术的引入，解放了手绘设计，很多设计可以直接在电脑上完成。因此，很多学校将绘画基础课程大量缩减，手绘能力的下降已经成为不争的事实。在某种情况下，学生可以不懂基本的造型原理及不具备基本的造型能力就可以直接用计算机来进行“艺术”设计。为此我们不能不担忧。艺术设计是个很边缘的学科，它的设计方向和设计任务都是很宽泛的，要求设计者不仅要在该设计专业所针对的该学科上掌握大量的相关知识，更重要的是要在审美上有较高的造诣。否则也就无所谓“艺术设计”了。工业造型设计、环境艺术设计、平面视觉传达设计、服装设计等学科在大的范畴上应该是属于“美术”这个大的概念之内的。因此，对美的修养和“较高”的审美能力的培养都要靠“基础”训练这一点一滴来获得。
三、建立良好的基础教育平台
现在的教育模式和社会对人才的需求都在发生着变化，同属于“艺术设计”这一范畴的设计学科，在具体的实践中都有互相影响的可能，有的还会因为社会的需要去跨专业跨学科。所以培养复合型人才是发展的必然趋势，特别是综合性大学里的艺术设计专业。在这种情形下，搭建一个良好的基础教育平台是十分必要的。有的大学已经提出了“平台加模块”的教学模式。在一个良好的基础上，学生可以根据自己的需要和专业需要，选修专业课程，而“基础课”的概念也扩展到一个合理的广义概念上来。使学生能够在这段“基础课”学习中，掌握扎实的造型基础或专业基础，在具有较强动手能力的同时还要具有较高的艺术设计的审美能力和专业修养。这样的基础教育平台对未来的专业学习是非常有好处的。
四、整合设计基础
艺术设计专业的基础课程，不但要使学生具有一定的造型能力，还要同时具有较强的创造能力。这要求我们要对以往的教学模式和教学内容做适当合理的调整。把基础课程广义地理解为造型基础、设计思维、专业基础这样三大板块，使造型、思维和设计基础有机地联系在一起。比如，造型基础在训练学生基础造型能力的同时可以加入创造性概念的练习，在训练造型能力的同时也注重造型手段和造型元素的训练和培养。除了设计素描还可以加入带有创造性意味的概念素描，素描上可以从再现到表现，从具象到抽象，这样才能从本质上达到艺术设计专业对造型基础的要求，训练学生始终对艺术形式有较敏感的感受能力和创造能力。
综合性大学里的艺术设计院校，对待艺术设计专业的教学和人才培养要有自己的定位。要根据具体情况来安排教学和研究教学，形成自己的科学的教学模式和教学规律，不能人云亦云。面对今天的市场要求和现状，艺术设计要求更多的是有较强实践能力的复合型人才，这要求我们在注重学生综合能力培养的同时更要注重艺术素质的培养。由此看来注重艺术设计的基础教育研究是十分必要的。从造型基础到专业的设计基础教育，都应该面对现状做科学的整合、科学的安排、科学的计划。使艺术设计基础教育在综合性大学的教学模式上走出自己的路子。
文化产业管理是一门新兴的充满活力的人文学科。由于它的“新”，很多人常常对这门学科产生感性上的认识错误，比如在此学科的原始概念上，即便在文化和艺术的讨论上，很多人往往就混淆不清。谈及文化产业，就不得不涉及到文化艺术。有人常常把文化与艺术混为一谈。因此，首先区别一下文化和艺术的概念是至为重要的。文化艺术或者艺术文化，两者是相通的。英国著名的人类学家，爱德华·泰勒把文化定义为：文化是包括知识、信仰、艺术、道德、法律、习俗和任何人作为一名社会成员而获得的能力和习惯在内的复杂整体。他把文化定义为了一种抽象的形态概念，然而我们东方人理解上总有些空洞，其实我们祖先在《周易》书中，对文化早有精辟的阐释，“关乎人文，以化成天下。”文化来自人文又面对人文，作用是化成天下，“化”字的用的非常巧妙，把文化艺术的巨大无形的精神力量，妙不可言的渲染出来了。也完完全全的展现了国人的艺术思维，艺术是一种游戏的精神，是润物细无声的教化，只有具备了这样的艺术思维，我们才能走进艺术的内部，发挥她的潜力，进而完成她拓展主体、完善人格、美化人生的根本宗旨。
在明确了文化的概念之后，我们就可以讨论下一个问题了。文化的发展与繁荣，在自发的基础上达到一定的阶段，必然形成产业而且需要引导，需要从管理的概念上，总体上把握它的事态。说到管理是一个成熟的概念，在知识百科中，管理定义是通过计划、组织、控制、激励和领导等环节来协调人力、物力、和财力资源以期达成组织目标的过程。文化艺术作为一种社会意识形式，是一种创造审美对象的精神生产，在市场经济的流通的过程，必定是以商品的形式，通过流通、消费实现最终的价值的。艺术品的生产、流通、消费等一系列纯粹的商业行为，在市场经济大环境下需要来自行政体制、道德约束上的监管，在此基础之上诞生了文化产业管理的概念。进入商业运作过程的艺术品和艺术服务，它们可能是从一开始创造就带有商业动机或意图的，也可能是在以后被投入艺术市场才带上商业性，流通的终端是为顾客服务，获取报酬的商业性行为。那么，所谓文化产业，即生产和经营文化产品、提供文化服务的企业行为和活动，包括演出业、影视业、出版业、报业、网络业、娱乐业、广告业、咨询业、策划业等行业，而文化产业管理，简单的讲是以一种适应工业化社会大生产的理念形成的管理模式，把现代企业经济的管理理念植入到文化经济生产的各个环节中。核心的三个元素：艺术生产(艺术创造)、艺术市场、文化管理。
我们都知道文化体制改革在国内推行了很多年，有成功，有失败，在摸着石头过河的过程中，我们还是看到一些成功的例子。中国木偶艺术剧团经营管理案例就比较典型，这个北京市文化局所属的艺术表演团体，在尝试着实行剧团总经理负责制的改革中，取得了不错的经济效益。在市场定位上分析木偶剧的受众人群，锁定在儿童群体。根据不同的受众群体的观剧需求，充分挖掘木偶艺术资源。国内开发专门为低幼儿演出的“小星星剧场” ，创作《春天的童话》、《美人鱼》、《七彩湖》、《太空动物园》、《亨特·格蕾特》、《天鹅湖》等一批大型新剧目。还到市内及郊区县举办的游园活动和庙会上去演出，为农村儿童演出。创建国外演出基地，抓住国外对传统艺术的好奇，倡导国际交流，走出去扩展国外市场。从2000年起，该团就同韩国演出商建立了合作关系，选送大型木偶剧到韩国巡演，组织演员按照翻译成韩语的台词录音对口型排戏。“韩本”的《木偶奇遇记》等剧目先后在韩国50多个城市与小观众见面，像在国内一样受到热烈的欢迎。这种坚持在艺术创作、生产和艺术生产的延伸上挖掘潜力，增加新的经济增长点的改革，使这个名不见经传的剧团的演出收入从改革前的20多万元增加到现在的200多万元，每年演出场次达到1000场上下。2002年，中国木偶剧院经营收入达500万元以上，剧团与剧院共创收 700余万元。所以说，文化管理与企业管理、行政管理还是有所差异的，它是在艺术生产过程中依据自身规律和发展的特征按照现代管理理论和模式而进行的，它要对艺术生产、艺术供求，艺术销售等原理、原则和方法进行研究。
文化产业管理在具体的实施过程中是复杂的，一方面是成熟的文化产业观念，一方面是科学的管理理念，然而把这两则巧妙地结合起来，成为一种新的学问，成为一种具有实效性的管理理念，又不是那么的容易。要想把这两则结合起来，首先要做到的就是，把文化艺术的思维与管理法则融合到一起。
恩格斯曾说：“思维是地球上最美的花”。人类所创造的一切物质的和精神的财富， 都凝结着人类思维活动的结晶。 思维已成为人类认识世界、改造世界最重要的主观能源。《辞海》教育分册对思维作了这样的解释：“指理性认识，即思想。或理性认识过程，即思考。是人脑对客观事物的间接的和概括的反映。它是在社会实践的基础上进行的。思维的工具是语言，人借助语言把丰富的感性材料加以分析和综合，由此及彼，由表及里，去粗取精，去伪存真，从而揭露不能直接感知到的事物的本质和规律。思维是反映客观现实的能动过程， 它既能动地反映客观世界，又能动地反作用于客观世界。”感知对客观现实的反映是直接的、具体的，思维对客观现实的反映则是间接的、概括的。然而事实上，文化艺术思维同样思维的间接性和概括性这两种特性，我们只要掌控的文化艺术思维的特性，才能够在实际的管理过程中发挥作用，避免走向僵化和保守的藩篱。
首先我们看看文化艺术思维的间接性，是通过媒介作用间接地认识客观事物。在日常生活中，普通人思维的间接性， 主要表现于以已知的知识经验为基础，间接地认识客观事物的属性。简单地说就是由此及彼。例如，清早起床，凭窗眺望，只见满地湿淋淋的(这是直接反映)，凭已有的经验，我们就知道昨夜下雨了。虽然我们并没有直接感知到昨夜下雨，所以“昨夜下雨”这一反映，是一种间接的感之过程。当然，如果作家要搞创作，诗人要写诗，其间接认识会更深一层，即在普通人简单的间接认识基础上，产生一种更为繁复的间接认识，从而调动更多的经验积累，把昨夜下雨这一反映推向诗的境界。
所谓概括性，则是指在感知的基础上，通过分析与综合、比较与抽象，把事物的个别性上升到一般性，把感性知识上升到理性知识。它所反映的是一类事物所共有的本质属性和各种事物之间的规律性联系。如，“人是能制造工具的动物”，“人是有感性的高级动物”，“水往低处流”等。作家的思维，也有这种概括性的特征，然而他们与普通人的思维相比较，也有自身的特殊之处，如果说，小说创作中的典型化原则，是作家们思维概括性的具体表现。
无论是文化艺术思维的间接性和概括性，终归到底都是建立在丰富的想象和幻想的基础之上的。文化艺术创作的整个思维活动，都是在想象和幻想之中进行的，离开了艺术的想象活动，艺术形象就无从存在。黑格尔曾经说过：“如果谈到本领，最杰出的艺术家本领就是想象”。 艺术的想象和幻想，目的在于创造艺术真实，审美地反映真实的人生，即使采用变形的艺术形式，或者远离现实的荒诞形式，仍然是主体的现实精神的折射，其立足点主要是现实。
拥有了艺术的思维，在去从事具体的文化管理工作，才不会摸不到头脑，抓不到要害。所谓文化产业管理无非就是要对艺术行业的人、财、物进行规划、组织、协调，就是要求管理者通过艺术家所不具备的营销知识、公关知识及法律知识等来实现其作品利润的最大化。文化产业管理是为艺术家提供良好的创作项目。并且为艺术作品寻找一个好的销售渠道，为了使艺术家付出的精神和物质代价得到及时或更大的回报，这是文化产业管理的目的。
那么如何实施文化产业管理呢?我想首当其冲的仍然是从提高管理者的艺术文化素养，善于用艺术思维与管理观念结合的方法，从事具体的文化产业管理工作。文化产业管理主要的就是对艺术行业的人、财、物进行规划、组织、协调。要做好艺术的管理工作就要从艺术的本身出发。让艺术有艺术存在。第一，从艺术文化的自身特点出发，尊重艺术的创造性。艺术本身就是一门由物质到感知再到理性的过程。其中创造性是其中最重要的。如果艺术，没有创造性，只是一味的沿袭模仿，那么艺术就失去了生命力，走向了僵化，僵化的艺术必然走向消亡。因而，鼓励艺术工作者去大胆的创造，尊重其差异。第二，对于艺术文化的发展采取非模式化要求。正是由于艺术有非模式化的存在，才使得艺术形式的多种多样丰富多彩，正是由这点才有第一点创造性的存在，倘若模式化，就很难或者根本不可能有创造性。第三，鼓励个性化艺术创作的尝试。优秀的艺术作品是不能复制的，是强烈风格化特征的写照，正是那些优秀艺术家大胆的，不落俗套的创新才让艺术的家园，丰富多彩，百家争鸣、百花齐放的艺术局面鼓励个性化的创作。
其次，培育生命创新力的文化土壤，营造和谐的文化环境。马克思认为事物要成功有两个方面的因素制约，主观和客观。主观主导方向，客观是保障基础。搞好文化管理的“环境”不容忽视。第一、首先要从人才入手，通过各种手段引领、培养各方面的艺术人才。第二，制定、完善相应的方针政策，促进文化管理的科学化、制度化、规范化，营造和谐的艺术氛围，完善艺术领域的预报、引导、奖惩、调控、监督、保障、应对机制。第三，鼓励各种资本为艺术服务。经济基础决定上层建筑，文化管理的发展同样需要资本的投入带活市场经济。要学会拓展融资渠道，支持、引导和鼓励拓宽融资渠道，积极吸收民间资本、社会资本和境外资本，逐步形成财政资金、企业资金、银行贷款、文化基金、证券融资、民间捐助、境外资金等相结合的多渠道、多元化投融资机制。争取把文化产业管理的周边环境做好。
综上所述，文化产业管理的建设是一向长期艰巨的工程，是与我们建设社会主义和谐社会密不可分的，文化的和谐，必然呼唤管理上的科学高效。艺术文化思维的培养绝非一朝一夕能够完成的，这也就需要我们形成一种学习型的观念，在学习中进取，在实践中开拓文化管理的新思维、新理念，把文化产业管理推向一个更新的高度。
