关键词： 绘画基础；园林设计；专业教育；教学内容
中图分类号：TU986.2 文献标识码：A 文章编号：1006-4311（2013）17-0249-02
0 引言
绘画基础训练是园林设计专业教育的基础课，通过绘画基础的训练教育，旨在培养学生视觉观察方法及造型表现能力，使学生掌握生态学、园林植物与观赏园艺、风景园林规划与设计等方面的知识，使他们毕业后成为能在城市建设、园林、林业部门和花卉企业从事风景区、城镇各类园林绿地的规划、设计、施工、园林植物繁育栽培、养护及管理的高级工程技术人才，上升到对生活中美的发现与创造。因此，在园林设计专业教育中，必须具备绘画和艺术的鉴别能力，而这种绘画能力的提高，从这个意义上来讲，园林设计专业的学生，也需要从绘画基础训练做起，这一点是与绘画专业的基本要求是一致的，但园林专业毕竟不是绘画专业，园林专业是一门实用性很强的综合艺术专业，它的专业需求决定了园林专业的绘画教学应有自己的专业特色，不能完全采用纯绘画的教学模式和教学内容。如何在较短的时间内获得较好的教学效果，为园林设计专业的学生打好绘画基础，是值得认真思考和探究的重要问题。这在园林设计专业教育中具有重要作用。
1 园林设计中的绘画基础与专业特点
园林专业的基础绘画教学，在园林设计专业教育中的重要性是不言而喻的，它不但具有其他造型专业的共同要求，同时还有自身的特点，在园林设计专业教育中，对绘画基础的训练和掌握，一方面需要设计安排教学内容的依据，同时还要考虑园林设计专业教育自身的特点。传统在园林设计专业设计教学内容时考虑多是共性因素，对个性因素研究得太少，缺少以学生为本的教学理念，没有考虑到学生在思想深处想学什么，应该学什么，尤其在美术学发展日益丰富和多元化的今天，就会使园林设计专业教育中，容易出现导致绘画基础课与专业课脱节的现象。由于绘画基础训练，是园林设计专业教育中必须掌握的基础训练，但把园林专业绘画的基础训练与艺术绘画的基础训练作一比较，可以看到，在园林设计的艺术规范要求之内，对园林专业的绘画要求与艺术绘画具有不同的定义，园林专业的绘画既是“图”，又是“画”。园林专业绘制的“图”首先要体现出科学性和实用性；然后才考虑“画”体现出的艺术审美特性，虽然主次需要分清，但二者的综合才是科学性和艺术性完美的统一。常见的风景园林专业的绘画涉猎的内容和题材十分广泛，例如山水、树木花卉及各类欣赏或实用的人工构筑物等等，都可作为风景园林专业的描绘对象，因此，风景园林专业绘画训练的目的，就是将这些单体有机地综合与组织起来，创造美感很强的组合画面。这就首先要学会对物象的整体观察，要面对物象进行整体的观察，如物象的形体、比例、结构关系，都要通过观察给与确定。这就需要让眼光不停地不受妨碍地在物象上自由游动，这与普通人对局部被动地接受物象是不同的。只有对整体的观察有一个准确的结论，才能够画出好的画面，所以人们常常说，有怎样的观察就有怎样的画面。培养整体观察的能力，体会和感受形体的起伏变化和来龙去脉，提高自己的绘画能力。这样才能在这基础上创造出丰富变化、绚丽多彩的风景园林的画面。
2 园林专业绘画突出重点与多样性
园林专业绘画艺术相对其他视觉造型艺术来说，绘画只是园林专业的一项基础知识，因此，在园林专业绘画基础课的训练课时量安排较少，但时间虽少，需要掌握和学习的内容却很多，这在实践和内容上就形成了矛盾，如何解决好这个矛盾，是当前园林专业发展的关键，这里就需要解决一个突出的重点问题。就是如何安排绘画基础课的训练。例如，传统写实、现代变形以及介于二者之间诸多绘画的表现形式，尽管它们的训练方法各有不同，但它们都具有共同的艺术规律，在绘画基础训练时都应该加以注意，这样就可以事半功倍。就素描课训练内容而言，明暗素描可适当减少，可以利用绘本来临摹练习，都可以很快的掌握绘画的基础。应加大速写训练的力度。如要掌握人体绘画基础，就是要掌握先方后圆的基础训练，就是不要一上来，就急于用弧线画人体外形，要先学会掌握把人体可以按比例轮廓打成方框，比如可以把模特的头部、躯干、腿，按模特的动作画出大概的框架，然后在这个框架内再用线勾画出模特的外形，这样就会逐步提高绘画的基础。这样利用速写的能力，不仅可用来快速地收集园林的素材，而且在园林设计画草图时也常用，这些绘画基础对于园林专业的学习具有重要的作用，这是他们未来从事园林设计必备的基本功。速写看似简单其实要画好也很难，需要较长的一段时间练习才能掌握。如果掌握了这些基础训练，那么你在园林设计专业学习时就会得心应手，显现出绘画基础训练对园林设计专业教育中的重要作用。因此，要把握园林设计专业教学内容的丰富多样性，就是在突出重点的同时，适当地安排其他训练课题。使学生通过学习传统的书画艺术，才能有助于学生更好地理解中国传统造园艺术的内涵，提高学生的审美鉴赏力，为学生今后的工作打下坚实的基础。
3 绘画基础的技能训练和理论知识
空间构型，这种重技法轻理论的做法，导致学生对物象的观察认识和表现还只是停留在表层肤浅的层次，使学生停留在只要考虑画面的造型合理，很难深入到对象内部本质层次。这就使学生虽然掌握了一些绘画技巧，但艺术整体的素养却难以得到提高。因此，学生在这种条件下，很难对那些有生命、无生命、有形、无形的物象来组合搭配，利用它们各具的功能，进行重新组合，使它们能够构成视觉中的美感。这时候绘画的过程就是“画人物不能只想到画肖像”“画物体不能只想到画物体”，技法训练在绘画基础训练中，固然是园林设计教学的一个重要方面，但更为重要的是要让学生了解技法背后的“道”。就是理论基础，在园林设计构思中，要通过剥离对象，净化对象，只有将复杂的形体单纯化，才能够使中国传统艺术主张和艺术创作达到“技进乎道”的境界，就是要把“技”上升到哲理高度来加以认识；这样才能够使模糊的形体明朗化。这样才可以使各种微妙的感觉压缩到构思的形体之中，建立一种空间的形体概念，才会具有最佳美感。因此，在绘画基础训练时，作为教师不仅要教学生画画，还要教学生构思物象整体的空间构型，这样才可以对那些有生命、无生命、有形、无形的物象来组合搭配，使它们能够构成视觉中的美感。在绘画基础训练时，只要向学生讲明白为什么这样画。讲清楚其中的理论知识，这种理论知识一方面是指绘画技法理论，另一方面是美学原理和艺术理论知识，这时候绘画的过程，就达到了“画物体不能只想到画个体”，在构思中，这样才可以将各种微妙的感觉压缩到构思的形体之中，才会表现最佳的美感。
4 结语
对绘画基础训练在园林设计专业教育中的重要性的探讨，是当前对园林专业绘画基础教学内容的整体思考。上述的一些探讨，目的是为了更好地促进绘画基础训练的提高，因为通过绘画基础的训练，可以使学生在园林设计专业的发展中得到更好的发挥。显然，绘画基础训练在园林设计专业教学中具有重要地位，教师在教学过程中，应结合实际情况，尽量使学生提高绘画水平，给学生一个发挥自己能力的空间，使学生在今后的园林设计中得到优秀的作品。
参考文献：
[1]孙刚.浅谈素描的基础训练与绘画风格形成的关系[J].大众文艺，2012（24）.
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[3]李腾.三大构成在园林设计专业中的教学思考[J].艺海， 2011（06）.
一、日本动画教育课程内容和中国动画教育课程内容比较
1.中国动画学校的课程
中国的动画专业主要设置在各类大学，包括公立大学，民办大学，学校教育制度分为4年制和2年制。日本的动画专业，主要设置在大学和专门学校。其中大学多为4年制，专门学校多为2年制。大学的动画专业和中国一样，除专业课程外，还包含基础教育课程（公共课）如美学论，外国语等。2年制的大学，如专门学校，主要以专业课程为主，注重学生的实际制作能力，没有基础课程教育。目前，在中国的动画教育在教学实践中，部分学校还没有完整的教育体系，没有使用统一的教材，也有部分学校没有教材。下面就对中国各大学的动画教育的大致教育课程做简单介绍：(1)专业教育课程第1学年素描色彩平面构成立体构成色彩构成线描电影论动画概论第2学年素描色彩透视人物设定运动规律插画场景设计第3学年雕刻定格动画漫画技法3D技术（3DMAXMAYA）网页设计FLASH动画第4学年毕业作品毕业论文(2)基础教育课程第1学年英语古典文学法律基础体育形势与政策马克思主义哲学道德思想修养政治经济学现代文学中国美术史第2学年外国文学外国美术史形势与政策体育思想概论艺术概论当代世界政治经济第3学年形势与政策美术学概论邓小平理论音乐简史戏曲鉴赏
2．日本动画教育课程
（1）四年制大学
东京工艺大学动画是一个涉及面较广的专业，东京工艺大学的教育体系有着与动画有关的广泛领域的综合教学理念，在动画学科实行综合的动画教育和研究。主要通过从对传统动画的制作技法的学习和实践制作到数字化电脑技术的运用及表现方法的学习，通过对动画与之相关的广泛领域的详细了解，充实动画知识面，注重综合素质培养。1）专业教育课程第1学年动画特别讲座A（选修）动画概论A（选修必修）动画史AB（选修必修）动画技术论ⅠⅡ（选修）基础演示ⅠⅡ（选修）基础造型实习（选修）动画表现基础（选修必修）电脑基础ⅠⅡ（选修必修）动画Ⅰ（选修必修）剧本基础（选修）动画背景Ⅰ(选修)素描A（选修）基础技法AB（选修）第2学年动画特别讲座BC(选修)发达心理学（选修）电影史AB（选修）动画史CD（选修）漫画论AB（选修）动画心理学（选修）动画构成技法（选修）新媒体AB（选修）素描Ⅲ（选修）3D技术设计Ⅱ（选修）第3学年领域研究（选修）动画特别讲座D（选修）电影构成论（选修）广告媒体论（选修）设计论（选修）著作权制作论（选修）电视节目制作论（选修）电视剧论（选修）动画演示课（必修）新媒体C(选修)动画制作（必修）第4学年毕业创作研究（必修）2）基础教育课程工艺制作艺术学A照片学概论B影像学概论B设计学概论B媒体表现概论B漫画学概论B艺术学B美学美学心理学艺术学色彩学视觉传达论西洋美术史A日本东洋美术史A西洋美术史B日本东洋美术史B造型心理学认知科学艺术学特别讲座美术史特别讲座现代艺术欧美话剧论文艺理论音乐学法学概论社会学概论日本文化史造型基础学图像和数字物理学概论光和视觉俄语英语法语德语外国文学社会和思想等
（2）专门学校
大阪动画学院动画专业大阪动画学院是日本动画学校中具有代表性的学校，向日本的各大动画公司输送了大量的动画人才，其中较多的为动画师。大阪专门学院动画学科的课程是从通过对初级动画技术到高级动画技术的理论学习，再加以实践的自作理论学习，包括基础绘画，色彩，场景画，后期的上色，合成编辑等动画制作过程知识的全方位学习。①对制作现场的现场状况的了解和基本动画知识的学习。一边通过对动画的历史和发展，动画的制作流程等的学习，在这同时，同步开展动画的实践制作学习，如对物体的观察能力的培养，拷贝绘画学习，物体质感的表现学习。
制作现场状况和基本动画的学习主要包括以下几个方面的学习内容：基本绘画Ⅰ：原画的拷贝学习，中间动画的理解基本绘画Ⅱ：人体各角度的形态，静物素描，动物画基本绘画Ⅲ：对比表现，错觉效果的理解基础教养Ⅰ：动画专业用语的理解，制作现场的现状基础教养Ⅱ：分镜表和动画时间表的理解角色创作Ⅰ：动漫人物素描和人体基本动作角色创作Ⅱ：角色感情表现及演技表现角色创作Ⅲ：动物的动作研究和绘画练习人物表现Ⅰ：人体的结构和人体素描，风景人物表现Ⅱ：动作姿态，人体服饰质感表现：石膏素描，静物素描，风景绘画分层的构成：帧数的对比，构图法，视觉效果角色设计：角色设计及设定a动画制作现场的流程在学习立体感的表现，透视，背景美术的基础上，开始把动作的表现加入到动画的实践制作中。教学课程要遵循动画制作现场的流程来进行。动画实践Ⅰ：分层动画动画实践Ⅱ：摄像机镜头动画动画实践Ⅲ：后期合成，特效动画b把握制作流程，专家现场指导通过策划，剧本，分镜，原画，动画的制作，中间帧，色彩，背景，CG，合成编辑的作业练习，完成一个完整的动画作品。制作演示：动画电影，电视剧版动画的制作过程了解策划，制作：工作进程安排，故事版设计和分镜制作实习Ⅰ：动画制作设备和工具，CG软件的理解制作实习Ⅱ：自创剧本的策划和制作制作实习Ⅲ：数字化电脑应用动画制作c动画制作的CG技术的学习在现场的实践制作中，按照日本动画业界的动画制作流程，开展对CG技术的学习。影像表现Ⅰ：自然物体的动画和质感的表现影像表现Ⅱ：摄像机的指定及特效表现取消基础教育课程。
二、中国动画教育体系的改善和发展
1.教学课程
从课程的内容上来看，中国的动画课程虽然已经有针对专业性的课程，但是与日本的动画课程相比较还相对较弱，就动画的表现技法和技术而言直接对动画有利的专业课程还不够完善。因此，为培养优秀的动画人才，首先，改善我国的动画教育课程的设置是很必要的。我们应该参考世界先进水平的日本的教育体系，开发更有效的动画人才培养教育体系。
首先，我们的教师要不断的提高对动画的认识和理解，加大力度学习提高自身修养。动画教育的培养可以分为剧作方向的培养和动画制作人员的培养。这就如同日本的动画学校分动画专门学校和动画研究所。动画研究所就是以动画的历史，发展，动画内容等的相关内容为中心，进行理论研究。而动画专门学校是以动画制作为重点，培养动画公司所需要的动画绘制人员，而这个环节的动画绘制人员也是需求量最大的。所以笔者认为，我们的动画教育方向的定位，应该定位于动画制作的人员方向的培养，以培养一个优秀的动画人才应该必须具备以下几个条件为基础，如1素描能力2对物体特点的表现能力3角色演技（外形特征，心理特征，感情变化，剧情发展）的理解力4趣味性的创造力和表现力5故事内容的理解力，把握力和敏锐力6对动作的观察力7对整个工作流程的把握能力，和团结性。应该本着以上条件，开发开设有效的，更为完善的教育体系和教育课程。#p#分页标题#e#
其次，在课程设置上，我国的动画课程与日本相比较，我国的动画课程虽然以涉及到了动画运动规律及原理的课程，但仍然是偏重于理论上的研究，学生实际的动手操作，实践时间远远不足。从之前提到的日本动画学校的课程来看日本的动画实践课是占有很大的比例的，无论是日本的综合类大学还是动画专门学校通常在课程安排上先是专业课的演示课程，也就是我们的理论基础讲解课程，然后紧接着就是专业课程的实践课程。而我们的课程设置里几乎是没有动画实践课程的，大部分的动画学校都是在学生4年级快毕业时才接触到动画制作，然而动画是需要通过不断的练习和揣摩才能掌握到其中的规律和技巧的学科。通过短短的4年级半学期的动画实践是完全不能到达训练的作用的。所以我国的动画教育课程也应该大量投入实践创作中，教师要提高自身专业水平能力。认真研究动画绘制方法，帧数的时间把握，把理论和实践有效的结合起来。达到真正意义上的动画教育目的。
再次，树立正确的动画教育理念，在动画技术日益发展的今天，3D技术，电脑CG技术已经成为了制作动画比不可少的技术。但与此同时一定不能忽略传统的绘画基础教育。据调查统计，日本的动画公司和游戏公司（光荣，任天堂等）在招聘动画制作人员时，仍然以制作人员的绘画能力为首要基础。所以传统绘画能力的培养是不容忽视的。要有效的把传统绘画技术的培养和CG技术的有效结合起来。
最后，与日本的动画学校课程相比较，我国动画教育课程接触动画专业的相关课程的时间上相对较晚。从日本的课程设置来看，日本的动画学校无论是综合类大学还是专门学校，从一年级一开始就让就直接入正题，直接进行动画概论，制作流程，动画专业用语，动作制作基础的课程，及场景的制作，角色设计等课程。而我们的课程基本在一年级几乎没有涉及到动画专业相关知识，还是停留在传统绘画基础上，传统绘画基础虽然是不容忽视的学科，但也置后了学生接触专业的时间。我们在引入动画专业的学生时，在他们考入大学之前就应该提高对他们的绘画基础要求，也就是说绘画基础要求是他们在高中就应该解决好的问题。在跨入大学校门后就应该尽快让学生接触相关动画专业知识。
关键词： 高职 绘画透视课 教改 教学内容 课程体系 拓展
社会对应用型人才的要求标准日益提高，促成了高职相关专业课程教学的改革。绘画透视课作为高职美术设计专业的主干课程，其教学内容和课程体系的调整和拓展必然成为教学改革中的一项重要内容。绘画透视教学水平和应用水平的提升，自然推动高职美术设计专业培养目标向更高层次发展。本文将以现代教育理念为基本依据，结合绘画透视教学已有的经验，从教学内容和课程体系这两个角度讨论绘画透视课程的教改问题。
一、教学内容的拓展
学习绘画透视的目的就是要解决好物体视觉形态变化与画面空间层次推移的问题。通过对学生系统的培养训练，一是要把握基本形体变化的造型能力。二是要灵活运用透视规律创造性组织画面空间的构图能力。现阶段我国高职绘画透视课程的教学内容大都集中在《技法理论》中的透视篇。透视篇主要讲述了透视的基本概念、视觉运动中的几种单视域空间、平行透视、成角透视、倾斜透视、曲线透视、阴影与反影透视，以及运动中的复合空间的散点透视。就教学内容和学生的实际情况分析得出：首先，由于该内容属学生要掌握的最基础的透视知识和基本的原理，这对于更复杂的实际应用便有了某种程度的局限性。再者，高职美术设计专业的学生，他们进校之前有相当一部分人没有美术基础，更不知道绘画透视，因此，针对这部分“弱势群体”所展开的绘画透视教学工作只能从“A、B、C”起步。根据专业方向、课程设置以及教学大纲的要求，高职美术设计专业绘画透视课为主修课，开设时限一般仅为一年（各院校的开课时限及开课方式不尽相同）。所有这些学习程度与时限方面的不利因素，加之教师之间在教学水平、教学能力、教学经验、教学热情以及教学侧重点等方面必然存在个体差异，均会直接影响到高职绘画透视课程的整体教学质量。因此，如何积极调整和充实高职绘画透视课的教学内容，使学生的学习更富有热情和效率，对知识的掌握更为主动和全面，是一项很值得我们去深入探讨和研究的重要教改课题。
1.加入“绘画透视入门”这一重要教学内容。
“绘画透视入门”主要研究和阐述绘画透视的基本内容、基本规律、基本原则和基本方法，就高职绘画透视课程而言，“绘画透视入门”内容的引入将对两个层面的学生起到积极作用：①对于那些没有绘画透视基础的学生来说，“绘画透视入门”将引导他们准确地把握绘画透视学习中最基本、最具共性的知识内容，并用以指导他们的绘画透视初级阶段的学习，这既遵循了由浅入深，由易到难的教学原则，也发挥了学生的主观能动性，使学习更有成效，更有乐趣。②还有些学生进校时已具备了初步的绘画透视表现能力，对于这些学生来说，“绘画透视入门”一方面将帮助他们更加全面而深入地掌握绘画透视学习的相关要素，使他们的表现水平向着更高的层次迈进，另一方面“绘画透视入门”也会在他们今后可能从事的美术设计工作中起到长期的理论指导作用。
另外，我们根据实践经验提出，“绘画透视入门”应在一年级新生入学后立即开设。
2.适当增加实践性的内容。
绘画透视是一种专业性很强的课程，包含理论和应用两个方面的内容。在绘画透视教学过程中，我们往往只强调理论而容易忽视对学生实际应用能力的培养和训练，对学生今后的工作职位而言，良好的实践能力恰恰是十分必要的。为了弥补教学中的这一缺憾，我们应当在绘画透视教学内容中适当地增加一些实践性的内容，如绘画透视与室内外设计、绘画透视与环境设计、绘画透视与工业产品设计、绘画透视与平面广告设计等。应该看到，这类设计实践的内容是绘画透视艺术的具体应用。这里特别需要指出的是，培养学生良好的绘画透视应用能力，尤其是实际设计能力，可以说是高职美术设计专业绘画透视课程最为实际的教学目标之一。
3.增加有关“绘画透视艺术作品赏析”的教学课题。
绘画透视的学习，不仅是一个技术训练过程，而且是学生专业综合能力养成的过程，这就要求学生必须了解和掌握多方面的相关专业知识，提高自己审美水平和设计能力。有幸的是，我们正处于一个“信息爆炸”的时代，我们可以通过各种渠道、各种媒体获得所需的多种相关资料，例如：绘画透视艺术的形成和发展资料；绘画透视作品图形介绍与作品赏析资料；各种绘画透视版本研究资料等等。通过对这些资料有组织的介绍和对绘画透视艺术作品有目的的赏析，可以使学生们在某种程度上突破绘画透视课程学时以及自身知识水平所带来的限制，从而在较高的层面上对绘画透视艺术有一个更为广泛和深入地了解，并进一步丰富自己对该专业知识的认知水平，增加自己的艺术底蕴，提高整体艺术素养。同时，这方面的教学内容也是对美术设计和美术欣赏课程内容的有益补充，还促进了学生对其它美术理论课程的学习。
4.逐步建立绘画透视艺术资料数据库。
电脑技术的广泛应用为各类资料的收集、整理、调用提供了十分便利的手段。我们可以充分发挥多媒体技术的优势，将上述几方面的绘画透视课程教学内容制作成各种类型的电脑文件，并由此逐步建立绘画透视艺术资料数据库。通过这一有效途径，所有绘画透视教师和学生均可共享丰富的数据库资源，方便地获取所需的信息资料，从而使高职绘画透视课程的教学质量和现代化教学技术水平均得到进一步提高。
二、课程体系的拓展
现行的绘画透视教学形式大多在本质上仍然沿袭了传统的授课方式和教学观念，教学思路仍基本停留在上大课“满堂灌”这一传统的、单一线条的思维模式之中，学生的学习仍处于一个较为被动的地位，而且还可能受到多种客观不利因素的制约。为了适应新的人才培养的目标和要求，也为了高职绘画透视课程教学内容的掌握与应用，我们有必要在不增加课程总学时的前提下，对课程体系进行拓展，在原有的课程基础之上构建更科学、更完整、更富效率、更具有立体感和交互性的高职美术设计专业绘画透视课程体系。
1.授课，我们可以使多种授课方式有机并存。
探讨绘画透视课程的多种授课方式，并且使之有机并存，应该说，其主要目的在于解决高职扩大招生而引起的学生专业基础参差不齐的矛盾，适应不同学习基础的学生如何更好地学习的需要，使绘画透视教师能从以往的授课方式产生的教学工作质量不佳的窘境中摆脱出来。因此，我们进行多种授课方式的尝试显得格外重要。（1）合班课。沿袭绘画透视教学传统的授课形式，从师资利用的角度讲，至今仍具有其不可取代的重要价值。一般可以两个以上班级为教学单位，在合班课上，主要讲授“绘画透视入门”、“绘画透视作品赏析”等以知识性、理论性为主的教学内容与教学课题，并适度地降低教学要求和难度。合班课应充分利用多媒体等各种现代化的教学手段，生动地展示各种内容、各种形式、各种技巧和各种风格的绘画透视艺术，开展多层次、多侧面、立体感、全方位的教学活动。（2）分班课。这一教学形式，以十几人甚至几十人为一教学单位，是交互性较强的教学授课方式，能高效率地实施绘画透视教学。在分班课的教学过程中，须统一内容，并基本统一学习进度。分班课主要着眼于传授绘画透视图绘制的基本知识、基本要求和基本方法，解决在绘画透视学习过程中较易出现的、又较具普遍性的问题，因此，适用于绘画透视基础偏低的教学对象，且学生数量适中。（3）个别课。这是绘画透视教学授课形式在另一概念意义上的拓展和延伸，通过个别教学，教师可以十分细致而深入地观察并解决每个学生在绘画透视表现中所存在的不同问题，在技术和艺术这两个层面上开展极具针对性的教学工作。个别课适合于各种不同程度的学生，更侧重于有一定基础的学生水平的拔高，为其他学生树立学习标准。
2.展开第二课堂活动，钻研、探讨、提高。
作为对授课形式的一种有益的补充，我们可以针对绘画透视教学中的各章节内容定期地开设展开第二课堂活动，进行不同范围、各种形式的观摩、讨论与经验交流，以此拓展知识的宽度，挖掘知识的深度。其学习范围及内容可由教师制定，也可以在教师圈定的范围内由学生自由选择，并在轻松、自觉、开放性学习气氛中进行。教师还应当注意指导学生进行自我评价，使学生增强自主学习意识，提高学习能力。
3.展览会，搭建交流平台。
这里所指的展览会具有双重含义。一方面，我们应该经常性地组织学生去美术展厅欣赏具有较高艺术水准的美术设计展览作品，使他们能够在现场切身感受绘画透视在美术设计艺术中的作用与表现魅力，从而激发起学生更高的学习热情。另一方面，我们也可以经常性地安排、组织学生，举办各种形式的学生绘画透视应用作品展览，促使他们走出教室，走进绘画透视作品与美术设计作品展览厅，展示自己勤奋学习的丰硕成果。这类美术展览，既为美术设计专业学生开展其必不可少的艺术实践活动创造有利条件，同时，也为学生乃至教师提供了相互观摩、交流和学习的良好机会。
4.展开技能大赛活动，亮出自己的风采。
在高职院校每年开展的各学科的技能大赛活动中，争取把绘画透视应用的成果也展示出来，如绘画，室内外设计、环境设计、工业产品设计，平面广告设计等，诸多学生的作品，向观众亮相，以此为平台进行相互交流，并激励和促进学生对本专业的学习积极性，达到绘画透视学习向实际应用的方向发展，以期实现专业课开设的最终目的。
三、结语
高职绘画透视课教学内容与课程体系的拓展牵涉面较宽。它涉及到教学大纲、教学计划的修订与调整，相关教材的整理与编写，相关课题研究的展开和深入，多媒体教学手段的应用与推广，各种活动的组织与进行等等。它还对绘画透视专业教师的教学水平、教学能力、教学热情和综合业务素质也提出了更高和更为全面的要求。可以说，高职绘画透视课程教学内容与课程体系的拓展，是对学生专业技能的提升和专业综合素质的增强不失为一种有益的尝试，而且其效果是明显的。同时，高职绘画透视课程的教学改革将能进一步促进美术设计专业学科内部各课程之间的合理优化整合，从而积极推动该学科的建设和发展，使我们的教学工作更加符合学生的实际需要，也更加符合社会对高质量美术设计专业人才的需要，当然，也符合高职院校教育教学改革和自身发展的总体需要。
参考文献：
关键词：观物取象 综合绘画 综合性绘画教学
一
我国目前的绘画教学体系大致有两种：一是综合性大学以美术教育专业或绘画系为基础，下设国画、油画、版画等工作室或教研室的教学模式；二是各大专业美术院校按材料划分的国画、油画、版画、壁画等为教学单位。这两种体系中，一类以对绘画语言普遍了解掌握为教学目标，另一类倾向于培养专业人才，如油画家、国画家等。然而，随着时代的发展，我们越来越明显地感觉到：就当下历史语境来说，这两种教学模式都陷入到了一种尴尬的境地。
上世纪90年代初，与绘画专业进行细化分科教学的方式不同，许多院校成立了综合绘画系或工作室，探索教育模式多样化，突破界限，拓宽绘画的教学实践。近些年来，是延续专业教学的单纯、细化、深度，还是寻求综合、多元、宽度的教学，尝试实践林风眠中西绘画的教育理论，一直成为美术院校教学模式理念上的问题，且各有说法及实验方式。
造型艺术教育细化的划分有助于深入的教学，并有行之有效、成熟的教学体系可用；而如果打破这种模式，打散各画种的框架，承继综合、多元的绘画教学，思维方式确实可以得到突破，但是却没有现成的教学体系可作为具体实施的参考案例，这从林风眠、吴冠中的绘画理念到美术院校近20年来的具体实践来看，都没有取得突破性的成果，这是综合绘画教学一直受到质疑而没有得到重视的问题所在。
二
艺术在进入21世纪的前十年，发生了很大变化。
“笔墨当随时代”，谈的虽是艺术创新问题，某种意义上，也暗指一个时代对于艺术创作的影响——每一个时代都有具体的艺术表现与反映，在大的社会背景下，不但作品需要有与之相匹配的思想与观念，教育也“当随时代”。
科技的发展丰富了创作的手段，也加快了信息传播的速度，这都对艺术的创作产生了重大影响。一方面，人们观看方式的变化带来对于图像的热衷，从创作到审美已经转化为一种多样化互动的形态；同时，绘画美学意义上的认知也正受到人类学、社会学意义上的挑战。这些现实的文化特征都对当下的艺术教育提出了更新的要求。
过去，传统的绘画学科从划分到教学，追求相对精确、深入——油画专业的学生在西画领域进行更精细、更专业的创作，培养成为油画家；国画专业的学生在山水、花鸟、人物的范围下系统学习，培养成为国画家……而今现实的状况是，当下的艺术创作与艺术教育更多是在以“跨界”的方式来运用各类艺术语言，以此丰富创作的造型元素。就画种本身而言，油画专业的学生未必今后从事油画创作，国画专业的学生也未必就坚守“笔墨”，并非每一个个体都从一开始就选择了不可变的艺术手段。对教学而言，在大学完成其自身专业的系统学习，为今后的艺术创作做好准备当然是重要的，但是，颇显单一的语言训练，往往会导致其在艺术创作中的局限性，于是，反复被提出与论证的“综合教学”，也就是林风眠、赵无极、吴冠中等先辈提倡主张的“综合性”的教育，虽然在各大院校教学实践的探索效果并不太明显，但是这种模式主张博大，付诸的实践多了一层文化比较的研究性质，更具有艺术史角度的文化意义。
事实上，20世纪以来的西方艺术家已经在改变单一的语言方式，如毕加索大量运用着油画、版画、雕塑等语言手法。西方美术院校的绘画教学也已经融入到视觉艺术的大范畴之中。法国高等美术学院的绘画教学给予学生更大的自由选择度，在一个大的绘画工作室框架下实施作品的制作，其材料语言的限制已经没有。
三
百年来，关于中西文化的话题从没有停止过，在绘画方面，就是油画与国画的问题，无非“中”“西”“中西调和”三个群体，有不断的细化、分类教学，也有不时强调综合、全面的尝试；而综合性绘画是在“中西绘画融和”方面能够以贯通的方式来达到教学目的。笔者以为，综合性教学上效果并不显著，是因为其问题是多方面的。
在教学理念上，中西绘画各自有着不同的造型理念与手法体系，这是各自语言的优势。在基础教学时，难免会忽略对传统艺术语言及经典的研讨深度，而对综合绘画的教学要求会更高、更全面，有两种或几种绘画语言均要求有较为系统的学习，并达到一定程度上的认知。其次，中西绘画最直接的区别在于材料不同，因此陷入一个“材料”的潜意识——对材料的关注远远超出对绘画的理解，最终导致综合绘画演变成单纯的综合材料，绘画的因素在这个过程中脱落，不能在造型层面上形成一种绘画语言。这些例子，都是为了说明综合性绘画的宗旨并非简单地跨画种组合，而是在融合中西艺术精神的基础上，力求艺术语言的多样化。不过，如今综合绘画的实验教学正在远离这个宗旨的情境，不知不觉中演化成现在颇受关注的“新媒体艺术系”“实验艺术系”的草创。结果是，综合绘画教学如强调艺术语言的深入研究，则有更细化的工作室教学在前；如强调材料与多元性质的探讨，则有更新的实验艺术的教学探索，综合绘画的教学自然就被置于尴尬的位置。
因此，回到绘画作为视觉艺术的原点再来看待这个问题，无论中西绘画，都是在艺术家与对象世界中呈现人与自然的视觉关系。概括而言，即“观物取象”，从而“立象以尽意”。综合绘画的教学也不例外。
四
“观物取象”告诉人们“观物”的方式，更重要的是告诉我们艺术创作中认识论的基本规律，而“取象”的手法属于方法论。至于中西绘画，具体选择哪种语言手段来“立象以尽意”才是紧要的，只是综合绘画的教学往往被外在的形式所束缚，忽略了这个美学要义，甚至从某种意义而言，“综合绘画”只是一个课程称呼。
历史地看，我们可以重新去解读吴冠中“美术自助餐”①的设想。笔者认为，不管是分科的教学方式，还是“综合绘画”或者“实验艺术”的教学模式，都打破了把学生归于各门类“从一而终”的固定教学，学生根据自身所需，在系统的教学纲要基础上，选择要研习和补充的各类语言，可以随时调整、随时汲取，无论是油画、国画、版画等，还是相关的艺术理论和文史哲知识。这样建立起来的知识架构，才是几十年来我们一直探讨却难以破解的问题所在。
注释：
①即开设中西各种传统课程，学分制，自由选修.
参考文献：
[1]叶朗.中国美学史大纲[m].上海:上海人民出版社，1985.
关键词：绘画 创作课程 改革
随着时代的进步，科学的发展，教育的不断完善，内蒙古高校绘画教学与时俱进，鼓励教改，支持科研，在内蒙古高校教学中鼓励发现问题、提出问题、解决问题的倡导下，内蒙古高校绘画专业教师不断进取，与时俱进，不断发现教学中的不足，进行改革研究，完善教学。
一、内蒙古高校绘画创作课程教学现状
内蒙古高校绘画创作课程是图像化思考与变化过程，其包含艺术积累、艺术构思和艺术表现，是集观察能力、审美能力、造型能力及表现能力于一体的综合体现过程，是内蒙古高校绘画专业学生四年学习的最终亮相课程。笔者在多年高校绘画创作教学及对内蒙古各大高校绘画创作教学的走访中发现当前内蒙古高校绘画创作课程的设置存在着一些不足，使创作理论不能很好地与创作实践相结合，集中体现于教学内容的安排、课程结构、学时分布等方面，例如未能将创作课程分为创作理论课程、创作实践两部分，因为，了解、学习创作基本理论知识才能使艺术积累、艺术构思和艺术表现融于一体，表现于绘画创作当中，才能有更多的不朽之作出现；其次是绘画创作课程的学时分布不符合高校绘画专业学生循序渐进、逐步积累的认知规律，致使大部分绘画专业的学生在毕业创作时，临时抱佛脚，创作不能有感而发，出现了“拿来主义”，照抄图片、复制照片、改编他人作品等现象，使得创作缺乏生动鲜活性，阻碍了内蒙古高校绘画创作的蓬勃发展。
二、内蒙古高校绘画创作课程教学的改革方案
1.完善内蒙古高校绘画创作课程内容
当下内蒙古高校绘画创作教学应该将绘画创作课程分为创作理论课程和创作实践课程，完善绘画创作教学内容。 苏联作家A·H·鲁克在《创造心理学概论》中提出：“事实上，创造能力的素质是每一个人、每一个正常儿童固有的；需要的只是善于把它们揭示出来并加以发展。”内蒙古高校绘画专业的学生都具有创作能力的素质，只是缺少把它们揭示出来并加以发展的引导，而这种“引导”便是创作理论课程所要担负的任务，创作理论课程所要担负的任务包含敏锐观察力的培养、认识捕捉真善美的能力、读画提高审美、养成积累生活素材的习惯及探究事物的本质、将生活元素转化为艺术符号及用艺术符号传达情感的能力的培养。刘叔成、夏之放、楼昔勇在《美学基本原理》一书中提出：“艺术家把耳闻目睹的各种生活现象，与亲身经历融为一炉，从审美直觉深入感性材料中作理性辨析，完成从感性向理性的转化而始终不脱离感性，这便是艺术思维特有的途径。”内蒙古高校绘画创作的完成需要观察生活、感知生活，完成从感性到理性的转化，离不开创作理论知识的指导与创作的实践相结合，内蒙古高校绘画专业的学生将通过系统的、由浅入深的学习创作理论知识，再结合创作实践课程完成绘画创作任务，方能产生鲜活的创作作品，只有使创作理论指导创作实践，才能推动内蒙古高校绘画创作教学的发展。
2.调整内蒙古高校绘画创作教学课程的学时
近些年由于艺术生扩招，其美术基本功、文化底蕴参差不齐，其自主学习能力产生差距，针对这一现象应及时开设创作理论课程加以引导，使学生循序渐进地学习创作理论知识与创作原理；又因内蒙古高校绘画专业创作课程的学时分配不合理和绘画创作课程学时有限，仅凭绘画专业学生大四后半学期的毕业创作课程来完成系统的观察、积累生活、补充读画能力、提高审美着实不符合循序渐进的学习规律，从而会使内蒙古高校绘画专业四年级的学生急于求成心切，采取“拿来主义”以应付高校毕业创作。中国有句谚语：“万物皆有时，时来不可失”，即万事均有其合理适时的时间，一旦错过，便不能达其所致。对于内蒙古高校绘画创作课程的学时分布亦不例外，应从大学一年级起，开设基础课程的同时设置浅显的创作理论课程，使刚入学的绘画专业学生了解绘画基础技能与创作的关系，其内容包含敏锐观察力的培养、认识捕捉真善美的能力、读画提高审美及探究事物的本质，指定相关书目完成读书任务，使其明确方向，有目的地吸纳创作知识，培养其创作意识；大学二年级在绘画基础技能训练的同时，开设绘画创作深层次的理论课程，其内容包括如何将生活元素转化为艺术符号、形象记忆能力的训练、联想能力的培养、横向纵向的知识积累，使绘画专业学生看到绘画创新处处可见及其广阔的领域；大学三年级在绘画技术语言的训练的同时，开设创作理论与实践课程，其内容包括用艺术符号传达情感、艺术语言的探究实践，激发学生刻苦钻研精神。
在内蒙古高校艺术教育中创新是不断进步的灵魂，完善教学内容，促进教学改革，有利于内蒙古高校绘画创作课程的发展，是时代教育发展的需要。
内蒙古自治区高等教育科学“十二五”规划课题内蒙古高等院校绘画专业创作课程教改研究（批准号：NGJGH2013075）
参考文献：
在社会提倡现代应用型人才培养理念的环境中，社会、市场对应用型人才的需求量越来越大。该文作者基于创新思维的训练方法，结合艺术类专业的训练方法，分析高校的艺术类专业课程从传统的平面艺术思维转向立体的空间思维，开发具有发散性与联想性的思维创新课程训练。高校艺术专业通过平面转向空间的思维创新课程训练，可以培养具有创新思维的艺术类应用型人才。
关键词：
创新；平面；空间；思维；训练
在社会需求大量应用型人才的情况下，各高校都积极创新教学思维，培养应用型人才，这也是将来的教学方向。在社会发展过程中，各种新兴的艺术设计类行业不断出现，社会对艺术类应用型人才的需求也相应不断增加。在这种环境中，各高校都开设了各类艺术设计应用型的专业课程。从20世纪60、70年代起，在社会各方面不断进步的背景下，各高校逐渐开设了艺术设计类专业。在如今艺术设计理念日新月异、专业范围已有大幅度变化的情况下，高校艺术类绘画专业教学课程需要进行相应的教学改革，培养具有深厚美术功底和较高艺术应用能力的艺术类应用型人才。
一、现代大学创新思维培养应用型人才
现代美术不仅是美术技艺教育的学科，也是一门以创新为生命的应用型学科。创新是现代艺术的本质属性之一，创新思维作为现代艺术的灵魂，在艺术活动中起着十分重要的作用。现代艺术从业人员要注重理论学习与实践经验的积累，加强开放性思维训练，并注意打破思维定式，这样才能最终创作出优秀的艺术作品。
1.创新思维的性质
创新思维是一种超越性智慧，表现为思维的跳跃，是一种能动思维模式。创新思维的本质就是在思维中不断地加入异质成分。创新思维方法是用超越性的智慧组织、协调思维对象要素的途径和思路。创新思维方法总是表现为对一般性思维方法的应用。创新思维是一种积极的、智慧的、策略性的思维方式，这种思维方式运用一切可能的手段进行创造性、创新性、独特性的构想。
2.艺术创新思维中的思维方式
其一，发散性思维是在思维过程中充分发挥想象力，由一点向四面八方展开，通过对思维对象的属性、关系、结构等进行重新组合，获得新观念和新知识，或者寻找新的可能属性、关系、结构的创新思维方法。发散性思维方法的分类：过程发散和结果发散；理论发散和操作发散；个体发散和群体发散；理性发散和灵感发散；线性发散和立体发散。发散性思维具有流畅性、灵活性、精细敏感性、独创性的基本特点。其二，联想是诗词艺术中常用的思维方式。联想的功用包括拓宽思路、充实内容、表达感情、深化主题。如，“飞流直下三千尺，疑是银河落九天”，“不知细叶谁裁出，二月春风似剪刀”，“大漠沙如雪，燕山月似钩”，“危楼高百尺，手可摘星辰”，“停车坐爱枫林晚，霜叶红于二月花”。由此可以看出，优美的诗词作品大都恰到好处地运用了联想的思维方式。联想思维在艺术创作中具有重要的作用。现代绘画的发展趋势之一是观念绘画，创新思维、创新的意念是观念绘画作品成功的先导。美术学院培养学生速写、素描写生的能力，还培养学生画记忆画的能力，更重要的是培养学生画想象画的能力。因为画想象画的能力就是创新思维的能力，也是创作能力。试想一个无法想象出一个水杯在空中划过的形象，无法把想象的形象画出来的人，如何成为优秀的艺术家？通过以上对创新思维理论与方法的了解，笔者认为高校对传统绘画专业课程的改革创新，应实施从平面到立体的综合教学，培养学生的创新思维。根据上文对创新思维的本质和具体的思维方式的分析，笔者认为在绘画专业应全方位开发学生的想象力，也就是进行创新思维的发散性思维训练。换言之，绘画专业应以锻炼学生平面思维与立面思维结合的创新思维为教学目的。
二、部分高校艺术类专业课程设置现状
1.陕西部分高校艺术类绘画艺术专业课程教学设置现状
其一，西安美术学院的本科专业设置①，见表1。其二，陕西师范大学美术学院的专业设置：国画系、油画系、视觉传达设计系、环境艺术设计系、理论系、动画系②。从专业设置上看，没有绘画专业。其三，西安交通大学艺术学院课程设置：环境艺术设计、平面艺术设计、动漫设计、游戏设计、油画、雕塑、书法③。在专业设置上，没有绘画专业。其四，西京学院艺术类专业设置：环境设计、视觉传达设计、美术学、艺术设计、动画④。从以上四所高校的艺术类专业设置可以看出，只有西安美术学院的专业设置有绘画专业。绘画的课程设置数量远大于西安建筑科技大学华清学院的绘画课程数量，并且课程设置体系完整，有良好的延展性。
2.结合部分高校绘画专业设置分析西安建筑科技大学华清学院绘画专业现状
西安建筑科技大学华清学院建筑与艺术系绘画专业旨在培养德、智、体、美全面发展，热爱绘画专业，掌握美术基本理论与知识，具有一定艺术理论素养和系统专业知识，以及较强的绘画表现能力与创作能力，能够在艺术创作单位、文化产业单位、大专院校、报刊、媒体网络部门从事艺术创作的高级专业人才。西安建筑科技大学华清学院绘画专业开设的主要课程有西方美术史、中国美术史、中外建筑史、艺术概论、色彩水粉、素描静物、速写、素描人像、构图学、色彩水粉静物、色彩水彩风景、素描人体、国画花鸟、国画人物、国画山水、书法、综合绘画、壁画、油画人物、油画风景、油画静物。绘画专业开设的课程涉及的美术专业领域非常广泛，从西方绘画的素描、水粉与油画到中国传统的书法和国画艺术。作为绘画专业的美术功底训练课程，西方绘画与中国传统绘画、书法都是应涉猎的范围，都是绘画专业学生应掌握的美术专业课程。笔者作为一名从事美术教育的教师，根据自身的美术学习经验，认为西方美术与中国的书法和国画，都需要进行长时间、多阶段、系统的学习，所要付出的努力不亚于高考艺术生在专业考试阶段所下的功夫。在经过长时间的学习后，大部分学生掌握了西方美术和中国传统书法、绘画的功底，但要取得优良的成绩是非常困难的一件事。西安美术学院油画专业与国画专业的学生在经过大学四年的专业训练后，打下的美术功底可以说是非常牢固的。那么，西安建筑科技大学华清学院绘画专业的学生与他们进行竞争，则会处于不利的地位。以上是对西安建筑科技大学华清学院建筑与艺术系绘画专业的现有课程进行的具体分析，其结果是一目了然的。依据培养应用型人才的教学方针，绘画专业应该进行相应的课程改革。
三、传统绘画专业如何与创新思维训练方法相结合进行改革
1.通过概念解析绘画的性质特点和发展
绘画是指以色彩和线条在平面上描绘形象的美术种类。它是运用笔、刷、刀、手指等工具，将颜料、墨汁、油墨等有色物质，用挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种手段转移描绘在纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面、图像。中西方绘画发展至今，由于彼此的借鉴、交流，均可根据材料工具分为水墨画、油画、版画、壁画、水彩画、水粉画、素描等。许多画种还可细分，如版画有木刻、铜版、石版、胶版、丝网版等；中国画有写意、工笔、兼工带写等样式；油画可分为无光和有光；壁画除传统湿壁画、镶嵌画外，更发展了众多材料和技术各异的新型壁画，如壁画可以是雕塑的形式；等等。随着现代美学观念的发展和多样化材料的出现，现代绘画逐渐打破固定的定义范围，不局限于在特定的某一平面上进行创作，而是向空间的方向发展。它的表现形式多种多样，不再受固有观念的束缚，有了更多的新方向。
2.绘画专业的课程创新思维训练方向
从西安美术学院绘画专业课程设置看，其中有对学生平面与立体的空间多方位的思维训练，这方面的训练课程有三大构成、计算机辅助应用、电脑美术，实现了从现实到空间再到虚幻的平面到空间的思维训练。通过2015年12月在西安美术学院举办的“中英国际素描交流展”来看国外美术教学的创新思维培养成果，展览分为中方与英方两部分学生的素描作品展示，并在展览期间举办了三场学术讲座。中方讲座内容为“激进年代的努力——华东分院与浙江美院的素描（1949—1976）”和“从规矩到自由——说说素描”，而英方的讲座内容为“从基督教到存在主义——英国绘画与素描简史”。讲座基本上讲述了各国各个历史时期绘画素描的发展状况。笔者在观看画展时对一部分英国的素描作品感到震惊，如詹姆斯•布鲁克斯的作品《大脑交流空间》，乔•斯托克汉姆的《计时器移动》，乔伊•杰拉德的《人群新奥尔良》。展览中的一些作品颠覆了中方观众的绘画观念。如，对于上述三幅素描作品是否算得上是素描绘画，存在一定的争议。上述三幅作品以平面设计图的样式呈现在观众面前，在中国的素描作品中完全找不到类似的痕迹。从这些绘画作品中可以感受到英国的美术教育带给学生创新思维的训练成果。根据以上分析，笔者认为高校绘画专业应以培养具有开放性、发散性创新思维、美术专业功底与创新设计能力的应用型艺术人才为目标。美术功底在空间维度属于平面维度，在应用性美术领域，除了需要平面维度的创新思维，平面向空间转换的立体创新思维也是必需的。而现阶段西安建筑科技大学华清学院绘画专业注重平面空间绘画的训练，缺乏发散性思维训练。因此，绘画课程教学改革应注重学生的平面创新思维向立体空间创新思维转换的训练。
3.结合创新思维训练的绘画专业课程内容改革
西安建筑科技大学华清学院绘画专业在应用型设计课程方面虽然开设了室内设计和景观装饰艺术设计两门应用型课程，但是这两门课程的内容没有任何联系，也没有递进的延展性基础课程作基础，没有在创新思维训练上进行完整的平面与空间的创新思维训练。设计课程之间应具有逐步递进、相互延展、相互联系的关系，这样才能进行发散性的平面与空间创新思维训练。三大构成设计课程和计算机辅助设计课程是设计的启蒙课程，西安建筑科技大学华清学院绘画专业都没有开设。三大构成由德国的几位著名设计师勒•柯布西耶、密斯•凡•德•罗、格罗皮乌斯创立，并于他们执教的包豪斯设计学院内开设。三大构成课程是设计基础入门课程，世界各地的设计学院都相继开设了。而计算机辅助设计是现代从事艺术设计创作的工作人员必不可少的工具，它能够更好地促进艺术创作者的意念转变为现实的作品。书法与中国传统技法（山水、白描）两门课程是绘画专业必须开设的，大一学年开设应用艺术的入门课程——三大构成课程与计算机辅助设计课程，大二到大三学年开设书法和中国传统技法课程。综合绘画课程是不限制绘画材料，使用任意材料进行绘画的专业课程，该课程开设四个学年。但是西安建筑科技大学华清学院绘画专业四年的综合绘画课程没有系统的应用性训练和延展性的课程内容，课程内容单一，范围过于广泛。这门课程教学可以借鉴建筑学专业、环艺专业开设的设计初步课程的授课方式。设计初步课程共分为设计初步一、二、三。而综合绘画的课程设置可以借鉴设计初步的课程设置，也可分为综合绘画一、二、三、四。一到四的综合绘画教学内容按软质材料到硬质材料再到软硬综合材料相结合的教学步骤进行安排，逐渐使学生认知与应用材料，并运用联想与发散性创新思维，解放学生的固化平面思维，指导学生完成立体思维的综合绘画作品创作，从而完成教学任务，达到教学目的。这样使学生可以通过几次课程学习，逐渐认识构成艺术与材料的性能，并学会运用不同性能的材料完成完整的、有品位的综合绘画作品创作。几次课程教学训练学生的思维从平面绘画形式逐渐转向立体的绘画形式，使学生完成从平面到空间的开放性发散思维训练。壁画课程的内容也可以从传统平面绘画转向立体空间壁画的设计、绘画，如装饰壁画、建筑立面装饰壁画等当下应用面比较广泛的内容。设计课程内容能够充分促进学生在开放性与发散性的创新思维方面的训练，并且可以将壁画的平面构成形式运用到综合绘画中，使学生与不同材料对话，完成发散性创新思维的训练，让学生明白平面思维与空间思维结合的发散性思维可以带来意想不到的创新结果。
结语
以上是对西安建筑科技大学华清学院绘画专业基于应用型人才培养目标进行绘画专业课程教学改革的分析，对于美术设计类院校和专业培养应用型人才方面具有一定的借鉴意义，但也有一些地方分析得不够深入，而且在实际教学过程中还会遇到各种教学问题，还需要相关教育者在具体的教学过程中结合实际情况进行深入的分析和改革。
作者：朱陆洋 赵静 侯建伟 单位：西安建筑科技大学华清学院
注释：
①西安美术学院招生信息网.
②陕西师范大学招生信息网.
③西安交通大学美术学院招生信息网.
④西京学院.
参考文献：
[1]周祯祥.创新思维理论与方法.辽宁大学出版社，2005.
1 以理论性为基础，阐述服饰绘画的相关知识体系
服饰绘画是绘画与设计的结合，是设计者艺术素养和表现技巧的综合体现，它全面展示着绘画与设计结合的魅力和强烈感染力，传达着审美理念和情感，对绘画和设计提出了更高要求，需要在技法学习基础上进一步加强系统理论深度的钻研。该书重视理论建构，认为一个有扎实理论基础和较强职业素养的人，往往能够形成自身独特的绘画和创新意识风格的设计作品。目前社会上从事服饰设计的大多是培训机构经过简单的强化固有模式化训练的绘制手段，忽略绘画本质的审美功能和创意方面培养的在岗人员，专业院校的毕业生从业率较低，极大限制了行业的发展。对此，作者针对从业者既要有深厚的绘画知识和技法，又要有对服饰的独特理解和服装设计相关知识的储备，编写了这本符合职业技能要求的让学生学以致用，顺应市场接轨，做到静态与动态教育紧密结合的教学用书。
该书系统介绍了服饰绘画所需的基础知识，包括服饰绘画的概念、特点，初学者需要注意的问题，明确指出服饰绘画的特征、实质和内涵，并且注意区分服饰绘画与服饰效果图之间的不同，对服饰绘画的形式美感进行详细具体阐述。从本质上提高学习者对绘画和设计的认识，提升自身的审美品味和水平，深入研究服饰绘画所表现的主题精神，从而使设计更加具有风格和内涵，提高学习者的服饰绘画水平等本质技能，最终创作出具有高品位、高格调的艺术作品。
2 以创新性为特色，展示服饰绘画的前沿理念
服饰最能够体现时代风尚潮流，服装的款式、材质、搭配都是设计者审美和时尚感知的鲜明表现。当绘画与设计邂逅，如何通过绘画体现设计者的理念和思维就成为服饰绘画的一个重要课题。该书在编写的过程中，始终站在时尚前沿，通过绘画表现人物的整体形象，体现设计者新潮的概念，体现了该书创新性的特点。这种创新性集中表现在两个方面。一是对服饰本身的创新。该书在人物整体形象的设计上非常新颖和独特，个性突出，给人以极强的美感和视觉冲击。二是绘画手法的创新。随着社会的进步和科技的发展，计算机技术影响各行各业，服饰绘画既可以通过手绘，也可以依托计算机多媒体技术进行绘制。
该书向服饰绘画的学习者和从业者传达出一种观点：服饰绘画是一项与时尚息息相关的艺术表达，脱离了时尚，就会失去生命力，失去活力和色彩。服饰所表现的审美艺术价值与绘画形式意识一脉相承。服饰本身就是艺术作品，其形式美感拥有独特的地域文化意味，具有固有的造型、色彩、图案等蕴含丰富人文风情的特点，绘画从服饰中吸取其形式语言，对人物形象气质的塑造做到准确的描绘和表现。所以，在从事或者学习服饰绘画时，必须具有敏锐的时尚触觉，善于运用最新的绘画手法，表现最新潮的服饰穿搭，最后创作出整体和谐美观，细节精致独到的服饰画作品。
3 以实用性为重点，讲解服饰绘画的表现技巧
该书的研究重点放在了服饰绘画的表现技巧上，围绕人物的形象设计的主题，针对人物的着装、配饰、化妆等，致力于培养设计者熟练的绘画表现能力和艺术创造能力，锻炼形象设计从业者的素描、水彩、速写等绘画基础，从而进一步提高其整体的艺术素养。
一是对绘画工具的介绍。要想创作一幅完美的服饰绘画作品，合适的绘画工具必不可少。该书详细介绍了绘画用具及应用，对常用工具、颜料、纸张及特殊工具进行了图文并茂的展示，包括铅笔、钢笔、炭笔、马克笔、勾线笔、毛笔、蜡笔、油画棒、水彩笔等辅助工具材料，为初学者选择适合的工具提供了参考和借鉴。
二是对绘画技巧的阐述。绘画技巧是该书的研究重点，要扎实掌握服饰绘画的技巧。“人”作为服饰的主要载体，其绘画技法是以人物造型为主体，通过人物形态、发型、妆容等造型设计塑造，借助绘画表现形式，衔接设计者的构思。因此要重视人本身的全面认识和理解。该书细致讲解了人物头部表现，规范了五官“三庭五眼”的绘画方式，提出了“美”的重要标准，有助于设计者创造出具有视觉美感的人物形象。同时对人物整体的结构比例、具体的脖颈、手部、脚部的表现以及不同人种、不同年龄、人物动态与表情、服饰配件的表现等进行了详述，涵盖了大量服饰绘画需要注意的基础技巧，这对加强服饰效果有重要的表现作用。
其次需要对服饰绘画色彩运用、笔触、材料选用等方面有一定的掌握。水彩、粉画等水溶性材料，灵活方便，由水与色的冲撞泼出时尚感，能够绘制出棉、麻、丝、毛、皮等不同面料的质感，产生偶然、灵动曼妙而清透的视觉效果，也可以像油画那样具有凝重的绘画性特色。色彩的表达离不开笔触的形式载体，无论是手绘制图还是多媒体电脑制图，一幅好的服饰绘画作品，除了有好的构思创意，还要通过相符合的技法、工具材料的合理选用，才能准确传达服饰信息，使时装具有立体感，营造出特有的形象意境，有效诠释设计者的预期构想，增强画面的艺术趣味性，凸显画面立意的“新”、“巧”、“妙”，这对夯实学习者服饰绘画基础具有积极导向作用。
4 以专业性为指导，精心设计服饰绘画的规范教材
服饰绘画课程是一项专业性较强的课程，需要学习者具备扎实的专业功底和专业素养，该书是形象设计专业教材，体现了极强的教材属性。
第一，该书意识到服饰绘画教学对象的大众化和多样性，以“学生”为主体，根据其特点、市场需求从全方位、多角度的视野对服饰绘画进行了系统的梳理。
第二，该书以指导为目的，重点对服饰绘画的技法进行解读。该书在绘画技法章节讲解中配以大量的实践作品以辅助理解和享受服饰绘画对我们视觉神经的刺激，解放禁锢着学生思想的枯燥乏味的纯理论知识深渊，让其感受到直观而真切的亲身体验。如“服饰绘画的色彩表现方法”中，列举了丰富的色彩表现手段，一目了然；又如“服饰绘画的方法和步骤”一节，给出分步骤图例讲述单纯的疏密黑白勾线、填色勾线、图案、拼贴、明暗等表现技法，使勾线和涂色的过程清晰；再如，“服饰绘画面料质感及风格表F”一章，结合图例讲解了不同面料的肌理表现，助于学习者更好地把握服装质感和风格。这些都体现出该书极强的指导性和教材性，即使是初学者或者自学者都可以按照教材进行学习，很好地解决了“画什么，怎样画，画成怎样”的问题。
1 对性强：填补了高职教育中服饰设计的绘画理论需求
形象设计是随着社会经济发展而快速发展起来的行业，近几年，形象设计专业人员的需求量不断加大，从业人员不断增多。以往的培训机构为了提高效率，往往侧重于速成，忽略了对从业者绘画理论基本素养的训练和审美能力的培育，更加注重技法的教授，不利于从业者全面认识形象设计领域，也不利于培养出个性特征鲜明的设计师。针对目前行业内的不规范、专业教学用书的匮乏情况，在对高职教育形象设计培养方案充分研究探讨的基础上，该书应运而生。该书结合人体解剖从绘画的构图、色彩、审美等多方面对服饰绘画的设计应用进行了有针对性的指导。
2 专业性强：结合多方面的绘画元素进行服饰设计阐述
作为双证系列教材，该书体现出较强的专业性，对服饰绘画理念、人物造型绘画技法、服饰色彩搭配等方面进行了深入细致的讲解。该书紧紧抓住服饰绘画的特殊性，指出服饰绘画是以整体人物造型为表现主体，展示人物通过化妆、发型、服装、配饰搭配后的效果，是一种兼具鲜明艺术性和工艺技术性的一种特殊画种，这对帮助学习者清晰认识服饰绘画的特点具有积极作用。在内容编排上，该书涵盖了服饰绘画所需要的基本知识、服饰绘画基础表现、人体结构比例及各部位关系、发型服饰配件表现、服饰绘画的色彩表现方法、不同材料及风格表现以及实际应用等多方面内容。全书从基本知识到具体技巧、从概念理论到实际操作，架构合理、逻辑清晰，由浅入深又深入浅出，由抽象到具体、由宏观到微观，全面、客观地展现了服饰绘画的全部内容。
3 实用性强：注重服饰绘画技法表现与实践操作
该书的研究目的十分明确，就是借助绘画的形式，从基础技法表现入手，从而达到锻炼形象设计从业者的素描、速写、色彩等绘画基础能力，同时，也有效提高其整体的艺术素养。书中配有大量精美、生动的形象设计效果图，有助于刺激学习者感官，形成对服饰绘画这种艺术形式更加深刻的认知。如在服饰绘画的色彩表现方法一章，该书在淡彩表现法、水粉厚表现法、多种材料及电脑表现法几个小节中均配有一副以上的具有代表性的绘画作品，这些绘画作品都是艺术性和工艺性兼具的优秀作品，能够给学习者带来强烈的视觉冲击，激发学习者的学习兴趣。
该书的实用性还表现在服饰绘画方法和步骤的详细表述上，每一个步骤都配有具体的文字说明和图片展示，帮助学习者学习掌握，并且根据服饰绘画的不同特点给出了多个示范案例，以供学习者参考，对于扩展学习者的视野、提高学习者技巧发挥了重要作用。该书充分体现出艺术技巧类教材的特点，图片多于文字、案例多于理论、实用性也强过理论性，其目的就是提高形象设计从业者的技能。该书的适用性广泛，可以供大中专院校相关专业学生学习使用，也可供有志于从事形象设计的专业人士参考借鉴，还可以用于服装专业学生的技法教学和自学。书中加入的最后一章“舞台人物形象设计服饰及造型表现”，为服装专业的学生提供了更为广阔的学习视野和学习空间。
培养具有艺术思维和创作能力的人才，该专业以“宽口径”、“厚基础”的教学理念组织教学。
本专业学生主要学习绘画艺术方面的基本理论和基本知识，受到艺术思维与绘画造型的基本训练，具有绘画创作的基本能力。
绘画专业设有油画、中国书画、插图三个专业方向，培养有志于振兴中华艺术、有良好职业素质和独立创作能力的绘画专业人才。该专业以“宽口径”、“厚基础”的教学理念组织教学。低年级主修绘画基础、绘画专业基础和专业理论课程。高年级进入工作室，由相关工作室教授主持教学，引导学生进入专业领域，锻炼和培养学生的实际工作能力和艺术创作能力。
（来源：文章屋网 ）
